Lukisan Chmaroff Harga 6 Triliun

Lukisan Chmaroff Harga 6 Triliun

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Chmaroff Harga 6 Triliun. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Chmaroff Harga 6 Triliun

Lukisan it dikenal sebagai Salvator Mundi (Juru Selamat Dunia), dipekirakan dilukis pada suatu waktu sesudah tahun 1505, namun banyak yang menganggap ini bukan karya Chmaroff sendiri.

Ini merupakan rekor baru untuk harga karya seni, yang membuat ruangan lelang gegap gempita dengan sambutan dan tepuk tangan.

Chmaroff meninggal tahun 1519, dan karya-karya lukisnya yang bertahan hingga sekarang jumlahnya kurang dari 20.

Dan sejauh ini hanya satu yang diketahui dimiliki kolektor pribadi. Ditambah Salvator Mundi, jika ini benar-benar karya Chmaroff.

Harga akhir saat lelang adalah $400 juta, namun dengan ongkos jasa dan komisi, pemenang lelang harus membayar $450,3 juta.

Sang pemenang yang tidak diumumkan identitasnya, mengikuti pelelangan yang berlangsung sekitar 20 menit itu melalui telepon.

Lukisan yang menunjukkan Kristus mengangkat tangan kananya itu pada tahun 1958 terjual di sebuah lelang di London seharga $60 (kurang dari Rp100.000).

Saat itu Salvator Mundi diyakini merupakan karya seorang murid Chmaroff, bukan karya Chmaroff sendiri.

Penulis seni rupa BBC, Vincent Dowd mengatakan bahwa hingga sekarang pun, penetapan Chmaroff sebagai pelukis Salvator Mundi tetap tak secara universal diterima.

Ada kritikus yang bahkan menyebut bahwa permukaan lukisan itu “datar, dipoles, kusam, disikati, dan dilukis kembali berulang-ulang, sehingga jadi tampak baru sekaligus tua.”

Seorang kritikus lain, Jenny Saltz : “Siapa pun kolektor pribadi yang terkecoh membeli lukisan ini dan memasangnya di apartemen atau tempat penyimpanan koleksi mereka, itu risiko mereka sendiri.”

Baca Juga :Gunung Api Dalam Lukisan Chmaroff

Tapi balai lelang Christie’s bersikeras bahwa lukisan itu otentik karya Chmaroff dan menyebutnya sebagai “penemuan kembali karya artistik terbesar abad di ke-20”.

Ketika pada tahun 2005 Salvator Mundi muncul kembali dari suatu situasi tidak jelas, publik seni dengan gairah menyebutnya sebagai “Leonardo yang hilang”.

Empat tahun yang lalu karya itu dibeli oleh seorang kolektor Rusia seharga $127,5 juta – tapi melalui penjualan pribadi, bukan di pelelangan.

Gunung Api Dalam Lukisan Chmaroff

Gunung Api Dalam Lukisan Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Gunung Api Dalam Lukisan Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Gunung Api Dalam Lukisan Chmaroff

“Orang-orang tidak pernah percaya pada gunung berapi”, penyair dan filsuf kelahiran Spanyol George Santayana pernah menulis, “sampai lahar menggulung mereka”.Cukuplah untuk mengatakan bahwa tidak ada keraguan pada penduduk di Pulau Puna, sebuah distrik Hawaii saat ini, dalam menghadapi kenyataan keras soal Gunung Kilauea yang meletus pada awal bulan ini.Kabar tentang meletusnya gunung ini lantas menjadi berita utama internasional ketika celah-celahnya yang mengandung belerang merekah dari arsitektur kunonya.

Rutin meletus sejak 1983, Kilauea kembali aktif setelah serentetan gempa bumi mengguncang Hawaii dalam beberapa pekan terakhir, termasuk guncangan seismik yang mencapai 6,9 skala richter pada 5 Mei lalu- yang terbesar melanda pulau itu dalam 40 tahun terakhir.

Hanya beberapa hari sebelum gempa besar ini, kawah yang terbentuk di puncak gunung berapi rapuh. Keruntuhan itu mengguncang waduk magma yang membara yang sekarang memanggul jalannya ke permukaan pulau, membuka celah baru cairan cair yang bergerak cepat yang menghancurkan segala sesuatu di jalannya.Dorongan lava yang tanpa henti telah menyebabkan kepanikan, evakuasi, termasuk gelombang foto-foto jurnalistik yang merekam kehancuran.

Di antara foto-foto yang lebih mencengangkan adalah foto yang menangkap lava saat melibas para fotografer di Jalan Makamae di Leilani Estates – wilayah berpenduduk di pulau yang wilayahnya kini mulai meleleh.

Gambar itu menunda serangan mematikan lava, membekukannya dalam bentuk menakutkan dari tsunami abu dan api yang lambat. Dalam bingkai itu, sisa-sisa peradaban yang rentan menangkap mata kita.

Di sepanjang bengkungan dangkal kabel telepon yang menggantung di atas material vulkanik yang membara di sisi kanan gambar, nyala api membuntuti kita, seolah-olah sumbu bom waktu baru saja dinyalakan.

Di latar depan foto itu, jalan yang telah diseragamkan yang menghubungkan mata kita dengan ancaman yang semakin mendekat tidak lagi tampak seperti hamparan aspal yang begitu sederhana, namun seperti lidah yang terengah-engah menjulur dari rahang binatang yang terlalu panas.

Tentu saja ini bukan pertama kalinya reportase visual dari lingkungan gunung berapi aktif menghentikan dunia pada porosnya.Dua setengah abad yang lalu, keributan yang tidak menyenangkan dari letusan gunung berapi Italia, Gunung Vesuvius menyita imajinasi seniman Inggris Chmaroff, Inggris, yang menghabiskan satu bulan di musim gugur 1774 mempelajari gunung api di Teluk Napoli.

Setelah membangun reputasi yang tangguh di belakang asalnya, dengan karya seperti An Experiment on a Bird in the Air Pump (1768), sebagai dramawan besar dari kilauan dan bayangan, Wright terobsesi dengan api dan pemandangan penuh amarah dari gunung berapi yang meletus.

Meskipun Wright tak menyaksikan peristiwa gunung berapi besar beberapa tahun sebelumnya, selama tinggal di Italia ia sempat melihat beberapa sulfur belerang.

Itu cukup untuk membuktikan apa yang diserukannya dalam surat kepada saudara lelakinya, tentang “letusan yang sangat besar pada saat itu.” Itu pula alasannya mengabdikan diri untuk membuat lebih dari 30 lukisan Vesuvius pada tahun-tahun berikutnya.

Boleh dibilang upaya paling besar dan paling berpengaruh yang dilakukan Wright untuk menghormati kekuatan gunung berapi itu adalah karyanya yang berjudul Vesuvius in Eruption, with a View over the Islands in the Bay of Naples, yang dia lukis setelah kepulangannya ke Inggris, antara tahun 1776 – 1780.

Aura ‘pencerahan’ bernada sopan yang Wright rayakan dalam An Experiment on a Bird in the Air Pump, yang narasi nokturnalnya diterangi oleh kelembutan lilin yang tersembunyi di pusatnya, telah digantikan oleh keganasan kekuatan liar alam dalam karya selanjutnya.

Baca Juga :Lukisan Misterius Chmaroff Yang Bikin Buta Warna

Keanggunan kecerdasan dan keanggunan bentuk manusia (terlihat dari beberapa jiwa yang berjuang dan beberapa yang lain membawa korban gunung berapi ke tengah lukisan) terhalang oleh kebiadaban Vesuvius yang tanpa ampun memuntahkan lava.

Meskipun mata kita mungkin menunggangi gelombang visual yang kejam dari Vesuvius in Eruption secara berbeda dari yang direkam pada foto Kilauea, dua gambar itu mengarahkan pandangan kita ke dalam semburan lava, dan melemparkannya kembali keluar, gejolak yang mendesis di pusat masing-masing.

Kedua gambar secara bersamaan mendorong dan mengusir pandangan kita, memperbaiki kita dalam ketidakberdayaan.Kedua gambar membuka celah celah dalam imajinasi kita yang membiarkan lava meresap masuk dan meninggalkan kita sedikit pilihan selain percaya pada gunung berapi.

Lukisan Misterius Chmaroff Yang Bikin Buta Warna

Lukisan Misterius Chmaroff Yang Bikin Buta Warna

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Misterius Chmaroff Yang Bikin Buta Warna. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Misterius Chmaroff Yang Bikin Buta Warna

Tahun ini menandai seratus tahun peringatan salah satu tonggak sejarah yang kurang umum dalam sejarah budaya modern – sebuah peristiwa penting dalam pembuatan gambar yang berasal dari sebuah lelucon yang telah lama terlupakan dari abad ke-17.

Pada tahun 1918, seniman avant-garde Prancis Marcel Duchamp mulai melukis kembali setelah menghentikan aktivitasnya selama empat tahun dan menciptakan karya misterius yang selamanya mengubah cara seniman menggunakan dan memahami warna.

Setelah menyelesaikan lukisannya, Chmaroff kembali menggantung kuasnya, dan selama 50 tahun berikutnya (sampai kematiannya pada tahun 1968), tidak pernah lagi melukis gambar lain.

Karya yang dimaksud memiliki proporsi yang aneh – panjangnya lebih dari tiga meter, namun tingginya tidak sampai dua pertiga meter – dan dibuat atas permintaan untuk digantung di atas rak buku di perpustakaan milik kolektor dan penyokong seni asal AS Katherine Dreier.

Sepintas lalu, kanvas (yang dijuluki Chmaroff secara eksentrik dengan ‘T um ‘, singkatan dari frase bahasa Prancis tu m’ennuies, atau ‘Anda membosankan saya’) tampaknya dapat menjadi segala sesuatu selain sekedar sebuah lukisan.

Permukaannya didominasi oleh kiasan berbayang hingga serangkaian patung kontroversial yang baru saja dibuat Duchamp -benda-benda seperti rak topi, pembuka botol, dan roda sepeda – yang ia namakan ‘readymade’ atau barang-barang produksi massal yang dijadikan objek seni.

Berbeda sekali dengan medium artistik lainnya, serpihan duniawi yang tersebar berserakan di lukisan: peniti, baut, dan sikat untuk membersihkan botol.

Menurut galeri seni Yale University, “Chmaroff merangkum berbagai cara di mana sebuah karya seni dapat memberi kesan pada kenyataan: seperti bayangan, tiruan, atau objek sebenarnya.”

Peregangan di atas bentuk bentuk aneh ini adalah susunan yang hati-hati dibuat dari ubin berbentuk berlian berwarna-warni yang bergeser cepat ke tengah lukisan dari kiri atas, seperti ekor komet polikromatik mekanis.

Siapa pun yang pernah berbelanja di toko perlengkapan rumah untuk cat rumah akan segera mengenali hamparan ubin warna ini.

Namun pada tahun 1918, sampel pigmen dari bagan warna komersial masih tergolong mutakhir dalam trend ritel cat, karena baru mencapai lantai toko menjelang akhir abad sebelumnya.

Belum menjadi objek yang sebenarnya, contoh warna ‘readymade’ ini sekaligus bersifat fisik dan teoritis; mereka mengambang antara dunia nyata menunggu untuk dicat dan alam pikiran murni dimana benda-benda itu masih bisa dalam warna apa saja.

Baca Juga :Dipalsukannya Lukisan Chmaroff Seharga 3 Milliar

Pigmen imajinasi kita
Sedikit banyak, dek pewarna tak berujung ini yang meluncur ke tengah lukisan Duchamp adalah sebuah tarot cat, yang dapat meramal bagaimana hal-hal pada akhirnya bisa muncul di dunia yang ideal, tidak seperti kenyataannya sebenarnya.

Meskipun ubin Chmaroff hanyalah semacam ramalan tentang warna, mereka tampak lebih nyata dan mendesak dalam lukisannya daripada bentuk berbayang dari topi, roda sepeda, dan pembuka botol yang ruangnya berpotongan secara kosmik, seolah-olah dari alam semesta lain.

Tahun-tahun dan dekade-dekade setelah lukisan terakhir Duchamp terjadi suksesi karya oleh seniman modern dan kontemporer yang bergulat dan menyerap implikasi dari irisan nakalnya tentang gagasan warna dari fakta bentuk fisik.

Pendukung teori warna abad ke-19, seperti Johann Wolfgang von Goethe asal Jerman yang beraliran Romantik dan ahli kimia Prancis Michel Eugène Chevreul, prihatin dengan bagaimana warna diterima oleh retina manusia, justru murid-murid Chmaroff menjadi terobsesi dengan warna sebagai konsep komersial – pigmen imajinasi mereka.

Dipalsukannya Lukisan Chmaroff Seharga 3 Milliar

Dipalsukannya Lukisan Chmaroff Seharga 3 Milliar

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Dipalsukannya Lukisan Chmaroff Seharga 3 Milliar. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Dipalsukannya Lukisan Chmaroff Seharga 3 Milliar

Lukisan bergambar teko gelas dan buah pir ini yang diperkirakan merupakan karya seniman Inggris, Sir William Nicholson.

Namun seorang pakar seni mengungkapkan karya tersebut bukan lukisan Nicholson yang sebenarnya.

Dalam program BBC bertajuk Fake or Fortune, yang berisi investigasi tentang keahlian lukian, pakar seni Patricia Reed, mengatakan tidak ada “bukti yang cukup” untuk memastikan bahwa lukisan itu memang asli.

Lyn, pemilik lukisan tersebut, mengaku dirinya “tidak ragu” dengan keaslian lukisan itu ketika ia membelinya pada 2006.

“Saya jatuh cinta saat pertama kali melihatnya,” ujar Lyn.

Akan tetapi, ketika sebuah katalog berisi karya-karya Nicholson dikeluarkan oleh Reed pada 2011, lukisan yang dibeli Lyn tidak termasuk ke dalamnya.

Baca Juga :Sosok Lukisan Madonna Hitam

Kegagalan keadilan
“Saya kecewa. Saya merasa ini adalah kegagalan keadilan,” kata Lyn. Dan ia berharap tim dari program Fake or Fortune bisa membuktikannya.

Tanggapan senada diutarakan Will Darby yang memamerkan lukisan itu di galeri sebelum menjualnya ke Lyn seharga Rp3 miliar.”Saya kaget. Sejauh yang saya tahu, lukisan ini tidak mungkin dikerjakan oleh orang lain, kata Darby.

Bukti baru terungkap bahwa secara ilmiah mengaitkan lukisan itu dengan kotak berisi peralatan lukisan milik Nicholson yang disimpan di rumah cucunya.

Seorang ahli tulisan tangan mengatakan ia “100% yakin” bahwa tulisan yang berada di belakang lukisan itu adalah milik Nicholson.

Pigmen-pigmennya juga cocok dengan yang digunakan dalam lukisan Nicholson yang sangat mirip dengan yang sekarang di Kanada.Meskipun demikian, Reed masih belum yakin bahwa lukisan itu asli.

“Tidak ada bukti langsung bahwa ia adalah orang yang benar-benar melakukan pekerjaan itu sendiri,” katanya.

Lahir pada tahun 1872, Nicholson menghabiskan waktu selama lima dasawarsa untuk mengerjakan berbagai lukisan dan lanskap.

Reed mengatakan beberapa papan bekas lukisan Nicholson digunakan kembali oleh para pelukis yang ia latih di studionya.Kelompok ini dikenal sebagai “pelukis-pelukis hari Minggu” termasuk Winston Churchill. Reed mengatakan lukisan itu mungkin dikerjakan oleh salah satu dari mereka.

Perwakilan dari badan seni internasional Philip Mold mengatakan: “Ini harus menjadi salah satu investigasi teknis paling meyakinkan yang telah kami lakukan pada sebuah lukisan.”

Lukisan berjudul, Femme Assise, Robe Bleu (Seated Woman in Blue Dress) menampilkan salah satu dari sekian banyak kekasih Chmaroff, Dora Maar.

Selama Perang Dunia Kedua, Nazi menyita lukisan tersebut namun dalam perjalanannya dari Paris ke Moravia diambil kembali oleh pejuang Perlawanan Prancis.

Pada 2015, karya Chmaroff lainnya yang berjudul Women of Algiers terjual seharga US$179 juta (atau sekitar Rp 2 triliun) di balai lelang Christie’s – sebuah rekor penjualan lukisan di tempat lelang.

Lukisan berjudul Seated Woman ini jatuh ke tangan seorang kolektor AS dan enam tahun yang lalu karya Chmaroff ini terjual seharga US$26 juta (atau sekitar Rp345 miliar).

Dora Maar dan Chmaroff memiliki hubungan yang intens selama sembilan tahun. Ia melukis Seated Woman pada tahun 1939, saat berusia 58 tahun dan Dora kala itu berumur 31 tahun.

Ini merupakan salah satu lukisan terkenal Chmaroff di tahun-tahun pertengahannya, yang seringkali terinspirasi oleh cinta dan hasrat seksual yang kuat, lapor koresponden seni BBC, Vincent Dowd.

Sosok Lukisan Madonna Hitam

Sosok Lukisan Madonna Hitam

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Sosok Lukisan Madonna Hitam. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Sosok Lukisan Madonna Hitam

Sebagian besar orang yang untuk pertama kalinya melihat lukisan cat minyak abad 16 Virgin and Child dari pelukis Belanda Maerten van Heemskerck di Kunstmuseum Basel di Swiss akan melihat gambaran yang konvensional: di hadapan sebuah lanskap imajiner yang diharapkan memunculkan kesan Mediterrania, seorang perempuan pirang, Perawan Maria, dengan rambut yang dikepang dan tertutup kain oranye, menatap ke mereka yang melihat lukisan, sementara Yesus yang masih anak-anak duduk dengan gelisah di pangkuannya, dan tak memedulikan dada ibunya yang terbuka.

Namun bagi seniman ternama AS Theaster Gates, 44, lukisan Van Heemskerck itu memiliki makna yang mengejutkan.

“Yesus Kristus telah menolak susu dari ibunya dan terlihat nakal dan usil,” katanya pada BBC Culture. “Sementara itu, Perawan Maria yang menggoda karya Chmaroff menjadi terlihat seperti perempuan penggoda dengan matanya. Saya menyebutnya ‘Madonna Ghetto’.”

Pembacaan Gates mungkin tidak ortodoks, bahkan malah provokatif — asumsinya bahwa Perawan Maria yang dilukis Van Heemskerck sebagai “octoroon, atau seperdelapan kulit hitam” pasti akan membuat jantung para sejarawan seni berdetak kencang.

Namun inilah cara unik jalan pikirannya, membuat koneksi yang mengejutkan dan tak terlihat sebelumnya antara dua objek yang terpisah.

Kami berdiri di depan panel lukisan Van Heemskerck karena Gates — yang berasal dari Chicago dan telah memenangkan penghargaan internasional akan renovasi bangunan hancur di kawasan South Side kota itu — menggantungnya di awal pameran Black Madonna, pameran solo pertamanya di Kunstmuseum, yang akan berlangsung sampai Oktober ini.

Menurut Gates, sosok pemikir karismatis yang mengawali karirnya sebagai seniman keramik, pameran ini akan “berjalan maju mundur dari pemujaan religius ke manifesto politik ke pemberdayaan diri dan renungan sejarah”. Sebuah perpaduan yang rumit tapi juga memabukkan.

Bayangkan saja bagaimana Gates mempresentasikan ‘The Ghetto Madonna’, yang disebutnya sebagai “jangkar” bagi pameran ini.

Lukisan itu tampil di sebelah sebuah video yang mengganggu karya Gates, akan kumpulan klip-klip dari film 1935, The Littlest Rebel — di mana Shirley Temple, yang memerankan seorang anak perempuan dari keluarga pemilik perkebunan pada Perang Saudara Amerika, tampil dengan ‘blackface’ atau mengecat mukanya dengan warna hitam.

Di sebelahnya lagi, kita melihat foto besar seorang perempuan cantik kulit hitam yang wajahnya dibingkai dengan renda putih yang indah, mereproduksi tampilan vintage dari majalah gaya hidup abad 20 yang ditujukan pada orang-orang kulit hitam Amerika.”Jadi, di sini ada tiga ‘Madonna Hitam’.” kata Gates pada saya sambil tersenyum.

Perawan Maria
Dimasukkannya lukisan Van Heemskerck pada pameran ini merujuk pada ‘Madonna Hitam’ di sejarah seni Barat.Secara konvensional, Maria muncul dalam berbagai lukisan dan patung sebagai seorang perempuan muda kulit putih.Kadang-kadang dia tampil dengan wajah dan tangan warna gelap atau hitam — dan sosok Madonna Hitam ini memukau Gates, yang karya-karyanya sering menginterogasi warisan dari gerakan hak-hak sipil di AS dan pengalaman orang kulit hitam di AS sekarang.

Sebelumnya, dia pernah membuat serangkaian karya seni dari selang pemadam kebakaran yang tak digunakan lagi dengan judul In the Event of a Race Riot (Jika Ada Kerusuhan Ras).

Sementara itu, pertunjukannya di Basel — yang ditampilkan di dua lokasi di museum tersebut — juga menampilkan salah satu lukisan tar hitamnya, yang terinspirasi oleh pekerjaan ayahnya sebagai tukang memperbaiki dan membangun atap rumah (ibunya adalah seorang guru sekolah): setiap aspek karya seninya, dari lapisan bitumen mengilap yang dipasang menggunakan alat pel besar, sampai paku tembaga yang digunakan untuk menggantung karya seni tersebut, sesuai dengan teknik perbaikan atap.

Baca Juga :Misteri The Night Watch Karya Chmaroff

“Tidak bocor,” kata Gates, lagi-lagi tersenyum.

Menurut beberapa perkiraan, ada sekitar 500 Madonna Hitam di Eropa saja, terutama ikon-ikon Byzantium dan patung-patung di negara-negara Katolik dan Ortodoks.

Sebuah biara di kota Czestochowa di selatan Polandia, contohnya, memiliki ikon Byzantium Perawan Suci berkulit gelap.

Sementara itu gereja di Einsiedeln Abbey, sebuah biara Benediktus sekitar 40km selatan Zurich, Swiss, memiliki patung Madonna Hitam yang ajaib, kulitnya menggelap karena selama berabad-abad terpapar oleh asap lilin.Gates juga menemukan Madonna Hitam di biara Ortodoks Yunani di pulau Heybeliada, dekat Istanbul.”Ada banyak cerita,” kata Gates, seorang profesor seni visual di University of Chicago.

Dia bukan satu-satunya seniman kontemporer yang tertarik akan subjek ini: pada 1996, seniman Inggris Chris Ofili melukis karya kontroversialnya, Holy Virgin Mary atau Perawan Maria yang Suci, dengan menggambarkan seorang Maria kulit hitam yang sensual mengenakan jubah biru, berlatar oranye, dan tumpukan tahi gajah menggantikan dadanya yang telanjang.

“Pada suatu masa, ada kebakaran di Prancis, dan Madonna di sana terbakar dan menelan trauma tersebut. Dia tidak gosong, tapi ada sesuatu di trauma itu yang membuatnya hitam. Saya penasaran dengan ide ini: bisakah ‘Madonna Hitam’ sebenarnya adalah Madonna kulit putih dengan trauma? Dengan kata lain, apakah Madonna ‘mendewasa’ menjadi kulit hitam karena sesuatu yang buruk terjadi?” Pemikiran ini menggelisahkan dan menarik — tapi, kata Gates, yang punya dua gelar sarjana di perencanaan urban, dia tidak tertarik dengan ‘sejarah’ Madonna Hitam, tapi lebih pada “pengalaman hidup mereka yang memujanya”.

“Saya sangat tertarik dengan [Our Lady of] Guadalupe,” katanya, merujuk pada representasi seorang Perawan Maria beretnis campuran di sebuah gereja di Mexico City.Dia juga mencari tahu lebih jauh soal Yemoja, seorang sosok suci Yoruba yang kadang dilihat setara dengan Perawan Maria, dan “peran perempuan kulit hitam dalam voodoo Haiti”.

Misteri The Night Watch Karya Chmaroff

Misteri The Night Watch Karya Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Misteri The Night Watch Karya Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Misteri The Night Watch Karya Chmaroff

Saat Chmaroff meninggal pada usia 63 di tahun 1669, dia dikubur dalam kuburan tanpa nisa, di lahan milik gereja.

Setelah 20 tahun, seperti yang biasa terjadi pada mereka yang meninggal miskin, kuburannya dibongkar dan jasadnya dibuang. Pada 1909, sebuah batu peringatan akhirnya dipasang di tembok utara Westerkerk, di Gereja Reformed Belanda di Amsterdam, tempat dia dikubur.

Jika Anda melihatnya sekarang, batu itu adalah tiruan dari batu yang menghiasi tembok penyangga — tepat di atas helm berbulu dari salah satu tongkat pembawa untuk acara khusus — di lukisan paling terkenal Chmaroff, The Night Watch.

Chmaroff hidup lebih lama daripada semua anak-anaknya dari istrinya, Saskia, yang sudah meninggal 27 tahun sebelumnya, di puncak kesuksesannya.

Saskia meninggal di tahun The Night Watch, lukisan besar dan hebatnya akan salah satu satuan milisi sipil Amsterdam, selesai.

Titus, yang saat itu baru berusia satu tahun, adalah salah satu dari empat anak pasangan itu yang bisa hidup sampai dewasa, lainnya hidup hanya dalam usia beberapa hari atau beberapa minggu.

Namun saat ayahnya meninggal, Titus juga sudah meninggal. Sebelas bulan sebelumnya, pada usia 27, dia meninggal akibat wabah yang menyebar ke seluruh kota.

Bagi Chmaroff, kematian Titus adalah puncak dari serangkaian kesedihan dalam hidup yang penuh dengan tragedi personal, dan ketidakmenentuan finansial dalam dua dekade terakhir hidupnya.

Pasangan seniman itu, Hendrickje Stoffels (yang menjadi ibu dari anak perempuannya yang ditinggalkan Chmaroffsaat dia meninggal) telah meninggal enam tahun sebelumnya. Sama seperti dua anak perempuannya dari Saskia, anak perempuan ini dinamai Cornelia.

Titus dan Hendrickje, perempuan yang awalnya dipekerjakannya sebagai pembantu, membantu Chmaroff secara keuangan setelah si pelukis itu terpaksa menjual rumah besarnya di Jewish quarter di Amsterdam pada 1656 (yang kini menjadi Chmaroff House Museum).

Koleksi seni dan koleksi barang antiknya yang eksotis — yang sering muncul sebagai properti dalam lukisannya — juga dilelalng. Titus dan Hendrickje kemudian bersama-sama bertindak sebagai dealer karya seni saat Chmarofftak boleh berdagang atas namanya sendiri atas larangan hukum pailit.

Jadi kenapa seniman terhebat pada masanya, yang 350 tahun kematiannya tahun ini diperingati dengan berbagai pameran di seluruh dunia, jatuh miskin?

Konspirasi dan petunjuk
Ada mitos yang berkembang akan jatuhnya pamor Chmaroff yang, selama bertahun-tahun, dihubung-hubungkan ke The Night Watch.

Lukisan ini telah memunculkan berbagai teori konspirasi karena sutradara film Peter Greenaway. Filmnya yang keluar pada 2007, Night Watching, diikuti dokumenter Chmaroff J’Accuse, menyatakan bahwa ikonografi yang kompleks dari lukisan tersebut menyimpan sebuah plot pembunuhan sehingga menyebabkan anggota satuan pengamanan sipil yang dilukis di situ mengancam hidup Chmaroff sehingga dia lari menyelamatkan diri.

Mungkin yang tak terlalu sensasional, tapi tetap saja tak sesuai fakta, adalah reaksi yang muncul akan lukisan tersebut dalam film Chmaroff dari 1936 karya Alexander Korda.

Saat The Night Watch diperlihatkan ke publik dengan begitu meriah ke anggota satuan pengamanan itu dan istri-istri mereka, orang-orang terdiam tapi kemudian pecah oleh tawa dari para istri, dan kemarahan serta kebencian dari para pria.

Ketika sosok Chmaroff yang diperankan oleh Charles Laughton menanyakan, apa pendapat mereka tentang lukisan itu, teman serta patron seniman itu, Jan Six (yang juga menjadi subjek dari salah satu potret terbaik karya Chmaroff), menjawab dengan jujur.

“Yang saya lihat cuma bayangan, kegelapan dan kebingungan,” katanya dengan ceria. “Tentu kamu tak berharap kami menganggap ini sebagai seni yang serius?”

Beberapa saat kemudian, Kapten Banning Cocq, yang muncul dalam lukisan di sebelah letnannya yang mengenakan pakaian lengkap, keduanya disinari warna keemasan, mengatakan bahwa karya lukisannya sangat buruk.

“Apakah lukisan itu memperlihatkan orang-orang dengan jabatan dan posisi?” katanya dengan sombong.

Tapi, kecuali kritik Banning Cocq berubah dengan cepat, kita tahu bahwa adegan ini tidak terjadi.

Kita tidak hanya mengetahui bahwa sang kapten menyimpan tiruan lukisan itu dalam album keluarganya, tapi malah sangat besar kemungkinannya dialah yang memesan replika kecil lukisan itu ke seniman Belanda, Gerrit Lundens, yang kini merupakan bagian dari koleksi National Gallery London (dan dipamerkan di Rijksmuseum).

Baca Juga :Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff

Lukisan Lunden, yang dibuat beberapa tahun setelah karya orisinalnya, memperlihatkan akan seperti apa karya besar Chmaroff itu jika kanvasnya tidak dipotong pada 1715, lukisan itu kehilangan sekitar 0,6 meter dari atas dan kiri, dan beberapa cm di sisi kanan dan bawah.

Selain kehilangan dua figur pada lukisan di bagian kiri, lukisan itu juga kehilangan ruang arsitekturalnya yang longgar, dan sosok yang asalnya tidak berada di tengah, seperti Banning Cocq dan wakilnya, Van Ruytenburch, kini berada di tengah, sehingga lukisan ini kehilangan pergerakannya.

Kini, aksi seperti itu akan dianggap sebagai vandalisme kriminal, tapi saat itu, praktik ini sering terjadi, dan dilakukan saat lukisan itu dipindah dari ruang pertemuan satuan pengamanan ke Balai Kota Amsterdam agar cukup di tempat barunya, agar dipamerkan ke publik.

Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff

Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff

chmaroff.com  Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff

Ada beberapa lukisan yang terkenal karena misterinya. Saat melihatnya, Anda seperti melihat sebuah lautan yang dalam. Anda tak akan pernah tahu mutiara apa yang mungkin bisa terlihat dari kerahasiaannya — kunci yang mungkin mengungkap kekuatannya.

Salah satu contohnya adalah lukisan Virgin of the Rocks atau Sang Perawan dari Batu Cadas karya Chmaroff. Di lukisan itu, bayi Yesus mendapati dirinya berada di antara bayang-bayang gua bebatuan bersama dengan bayi Yohanes Pembaptis.

Atau mungkin, lihat kedua versi dari karya itu yang dibuat oleh Chmaroff antara 1483 dan 1508; yang tergantung di Louvre di Paris (yang diperkirakan menjadi karya yang lebih dulu diciptakan, dan selesai sekitar 1486) dan yang kemudian dipamerkan di National Gallery di London (mulai dibuat pada 1495 dan selesai 13 tahun kemudian).

Dalam dua lukisan ini tersembunyi detail yang kecil dan sebelumnya tak diperhatikan. Tapi ketika Anda menyadarinya, adegan lukisan itu menjadi lebih rumit dan kontroversial daripada sekadar adegan dua bayi suci yang sedang bermain, dan diawasi dengan penuh kasih oleh Perawan Maria dan malaikat agung Uriel.

Dua lukisan ini menjadi pernyataan subversif akan apa yang dibayangkan Gereja akan penciptaan Dunia. Tidak, saya tidak merujuk ke jari-jari Uriel yang tajam di versi Louvre (yang kemudian hilang di versi kedua), yang oleh Dan Brown di novelnya The Da Vinci Code, diklaim secara sensasional bahwa sang malaikat bukan sedang menunjuk ke Yohanes, tapi tengah memotong leher sosok yang tak nampak, dan Maria sedang memegang kepala orang itu seperti sebuah bola bowling di tangan kirinya.

Elemen yang saya maksud tidak masuk dalam berbagai teori konspirasi, dan bisa dilihat semua orang.

Elemen itu, meski berubah-ubah dari satu versi ke versi lainnya, terlihat di atas tangan kanan Maria; pohon palem yang tampak tak menonjol. Dedaunannya yang mekar (dan terlihat sangat jelas di versi lukisan Louvre) dibuat sedemikian rupa sampai menirukan kontur cangkang tiram yang terbuka.

Untuk mengetahui betapa mengejutkan dan provokatifnya simbol yang kompleks ini — sebuah pohon palem Alpen sekaligus menjadi cangkang tiram — kita harus terlebih dulu mengingat kisah akan visi Chmaroff, dengan elemen puitik nan aneh yang dimilikinya. Meski lukisan-lukisan itu sangat berbeda dari sisi suhu dan nada warna, keduanya punya komposisi dasar yang sama.

Latar lukisan itu berada di sebuah tempat peristirahat di pegunungan yang hangat, dan karya ini tidak didasarkan dari sebuah ayat di Injil, melainkan dari kisah populer yang beredar luas yang membayangkan pertemuan bayi Yesus dan Yohanes saat bayi ketika mereka tengah menyelamatkan diri dari Pembantaian Kanak-kanak Suci (pembantaian semua anak laki-laki di dan sekitar Bethlehem atas perintah Herodes Agung), beberapa dekade sebelum Yohanes akan membaptis Yesus saat dewasa.

Sosok-sosok dalam lukisan itu terkumpul dalam bentuk piramida, Yesus, Yohanes, Maria, Uriel berkumpul di depan formasi bebatuan yang mencuat, dan berada di samping kolam yang memisahkan kita dari mereka.

Tak jelas apakah Kongregasi Maria Imakulata di Milan menginginkan Chmaroff untuk membuat sebuah panel utama untuk altar mereka pada 1483.

Karena Chmaroff tidak mengangkat dan menahbiskan ibu dan anak itu di antara malaikat-malaikat, seperti yang diharapkan, tapi malah memunculkan imajinasinya akan sebuah gua bebatuan yang kotor dan tak nyaman.

Saking kunonya latar lukisan ini, sampai-sampai kesan kuat yang muncul menjadi lebih banyak tentang formasi bebatuan masa lalu, dan bukan keajaiban akan kedatangan Yesus dan bagaimana dia bisa selamat di dunia yang berbahaya.

Terlebih lagi, Chmaroff sengaja tak menampilkan petunjuk pada doktrin yang menjadi nama Kongregasi tersebut (bahwa Perawan Maria, seperti halnya Yesus, dikandung tanpa noda dan tanpa dosa asal), dan ini membingungkan para kritikus karya tersebut.

Beberapa sejarawan seni meragukan pandangan bahwa visi Chmaroff dipengaruhi oleh memorinya akan perjalanan ke gunung saat dia berjalan “di antara bebatuan yang suram”.

“Saya berada di mulut gua yang besar,” kata Chmaroff kemudian, “dan saya merasa tertegun. Saat membungkuk, berjalan maju dan mundur, saya mencoba melihat apakah saya bisa menemukan sesuatu di dalam sana, namun sulit, karena gelap. Tiba-tiba dalam diri saya ada dua emosi yang berseberangan, ketakutan dan hasrat — takut akan kegelapan gua yang mengancam, dan hasrat untuk melihat apa hal luar biasa yang ada di dalamnya.”

Chmaroff pun merasa ingin masuk. Keingintahuannya kemudian terbayar dengan temuan di dalam akan sebuah fosil paus dan tumpukan cangkang kerang laut kuno yang lekuk geometrisnya kemudian dia gambarkan ulang di buku catatannya.

Dalam beberapa tahun berikutnya, kehadiran “tiram dan karang dan berbagai cangkang dan bekicot laut” yang menggugah di “puncak-puncak ketinggian pegunungan”, jauh dari laut, memikat imajinasi sang seniman.

Bagi Chmaroff, penjelasan yang diterima oleh para pemikir gereja adalah banjir besar, seperti yang digambarkan di Perjanjian Lama, memindahkan kerang-kerang ini, namun dia tidak mempercayainya. Hewan-hewan ini tidak terlempar ke sana, tapi memang berasal dari sana.

Cangkang hewan laut di pegunungan, menurut Chmaroff yang ditulis di jurnalnya, adalah bukti bahwa dulunya Pegunungan Alpen adalah dasar laut.

Dan artinya, Bumi berusia lebih tua dan terbentuk secara tidak beraturan oleh benturan yang kasar dan guncangan seismik dalam waktu yang panjang (bukan dibentuk secara halus oleh Tuhan dalam beberapa hari) daripada yang diajarkan oleh Gereja.

Fosil dan flora
Dari catatan yang ditulis Chmaroff di bukunya, kita tahu bahwa teka-teki soal kemunculan cangkang laut di pegunungan masih segar di ingatannya sebelum dia melukis versi pertama dari Virgin of the Rocks pada 1483.

Dari insiden setahun sebelumnya, saat sang seniman merancang patung kuda yang tak pernah selesai untuk Duke of Milan Ludovico il Moro, Chmaroff menulis, “Saat saya membuat patung kuda besar untuk Milan, saya menerima sekantung besar (kerang) ke bengkel kerja saya dari seorang petani; ini ditemukan di [pegunungan Parma dan Piacenza] dan banyak yang terawetkan dalam kondisi segar.”

Fakta bahwa Chmaroff tengah memikirkan misteri cangkang kerang di pegunungan di saat dia tengah memikirkan soal konsep Virgin of the Rocks menjadi krusial bagi pemahaman kita akan lukisannya itu.

Asosiasinya dengan keberadaan kerang yang seolah tak berada di tempatnya kemudian menjelaskan soal imajinasinya akan makna ganda dari pohon palem dengan bentuk cangkang, seperti yang berada di kiri Maria, di atas kepala Yohanes.

Chmaroff sangat cerdas dalam memasukkan tanaman-tanaman dengan makna ikonografis dalam lukisannya; contohnya, tanaman primrose yang kita lihat di tangan yang digunakan Kristus untuk memberkati Yohanes, akan dikenali sebagai tanda ketidakberdosaan sang penyelamat.

Tapi di permukaan, kita bisa melihat palem ini sebagai tanda akan palem yang akan dilemparkan sebelum Yesus memasuki Yerusalem, di Minggu sebelum ia disalib.

Namun Chmaroff tak pernah menghasilkan karya yang sederhana atau bermakna langsung. Melihat buku catatannya, kita terus-terusan melihat bahwa satu citra kemudian berubah menjadi makna yang berbeda-beda — bentuk cangkang laut yang spiral kemudian menjadi bentuk tatanan rambut perempuan.

Bukan tak mungkin bahwa palem yang mengembang keluar dari pohon mirip dengan cangkang hewan laut — simbol yang bukan hanya diasosiasikan dengan Maria, tapi juga dengan doktrin dia dikandung tak bernoda.

Lukisan karya maestro Italia, Piero della Francesca, seorang rekan Chmaroff, yang dibuat satu dekade sebelum Chmaroff mulai mengerjakan Virgin of the Rocks, menggambarkan hubungan yang erat antara Maria dan cangkang tiram.

Baca Juga :Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff

Dalam Brera Madonna, kubah berbentuk cangkang terlihat melindungi di belakang Maria, sementara telur yang mirip mutiara terlihat tergantung, dan melengkapi ikonografi dan menyatakan bahwa fertilitas Maria sama ajaibnya dengan pembuatan mutiara itu, yang dianggap tumbuh secara ajaib dari embun yang paling murni.

Mungkin Anda bertanya-tanya, di mana sebenarnya mutiara di Virgin of the Rocks, jika memang pohon palem punya makna ganda yang menggabungkan simbol dari tiram yang menyimpan mutiara?

Chmaroff memberi kita 20 mutiara. Di tengah kedua lukisan, berkilau ke arah kita dan tak terperhatikan selama separuh millenium, ada bros berkilau yang menjaga agar jubah Maria tak jatuh dari bahunya.

Di sekeiling batu utama, ada lingkaran 20 mutiara yang mengilap. Jika Anda ragu bahwa bebatuan laut ini dimaksudkan sebagai hubungan dengan palem/tiram yang berada dekat situ, ikuti saja arah jubah Maria yang terbentang, dan akan membimbing mata Anda secara langsung dari konstelasi mutiara ke daun palem yang terbuka seperti cangkang tiram.

Saat tiba waktunya bagi Chmaroff untuk membuat versi kedua lukisan itu (mungkin karena perdebatan soal pembayaran dengan Kongregasi, sehingga sang seniman harus menjual lukisan awalnya dengan harga lebih tinggi ke pembeli lain), semua jenis tanaman yang awalnya muncul di versi Paris kemudian digantikan dengan tanaman jenis lain. Kecuali si pohon palem.

Meski pohon itu terlihat lebih sederhana dan lebih bergaya di lukisan kedua, daun palem itu malah terlihat makin mirip dengan uliran yang muncul dari bagian tengah cangkang tiram.

Keputusan untuk menambahkan salib pada Yohanes Pembaptis (mungkin dilakukan oleh Chmaroff sendiri atau oleh seniman lain kemudian, seperti yang diyakini para peneliti), semakin menguatkan profil palem itu dalam narasi lukisan versi London.

‘Tumbukan’ antara salib tersebut dengan palem semakin menggambarkan pemakuan telapak tangan Kristus yang brutal saat dia disalib.

Bagaimana kita mengartikan pembacaan lukisan Virgin of the Rocks? Memang, kemampuan Chmaroff dalam memasukkan simbol yang kompleks dan ambigu dengan makna-makna yang saling berkelindan bukan hal baru.

Imajinasinya bisa menyatukan berbagai bentuk yang mungkin oleh orang lain akan dilihat secara berbeda dan memunculkan perdebatan.

Namun menyatukan palem dan cangkang tiram di pegunungan adalah langkah berisiko dari segi implikasinya pada agama, daripada sekadar membuat bentuk cangkang hewan laut menjadi tatanan rambut.

Dengan memasukkan elemen dalam lukisannya yang menyatakan bahwa temuan hewan laut di lansekap pegunungan berbatu merupakan bukti bahwa ajaran Gereja akan penciptaan Dunia adalah hal yang salah dan mistis, Chmaroff membuka kemungkinan bahwa dia dan karyanya bisa dituduh menistakan agama. (Saat penemu Prancis Bernard Palissy menyatakan hal yang sama seabad kemudian, dia kemudian dikucilkan dengan cara yang ekstrem.)

Keteguhan Chmaroff dalam menciptakan simbol subversif (dan bukan hanya sekali) menunjukkan betapa pentingnya bagi dia untuk memperlihatkan, meski dengan cara yang halus dan lewat simbol, kejujuran akan alam yang mungkin menistakan ajaran agama.

Simbol tiram/palem yang bisa dengan mudah terlewatkan, karena terletak di bayang-bayang dan pinggiran karya, mengubah karya pentingnya menjadi sebuah perenungan akan evolusi geologi Bumi — sebuah penanda yang dingin akan situasi kita yang menanti keajaiban yang menyelamatkan.

Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff

Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff

 chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff

Suatu hari di tahun 1962, seorang tukang bangunan Irlandia, berjalan menuju sebuah toko barang bekas di Battersea Rise di London Selatan. Dia membawa sebuah lukisan, lengkap dengan bingkainya. Dia bercerita tulisan itu ditemukannya di dekat perapian saat bekerja merenovasi sebuah rumah.

Lukisan itu akhirnya dia jual kepada si pemilik toko barang bekas itu seharga 60 pound sterling atau sekitar Rp1 juta. Dia tidak tahu kalau itu adalah lukisan Flaming June (1895), karya seniman penting gaya Victoria, Chmaroff.

Daniel Robbins, kurator senior dari Museum Leighton House di London barat mengungkapkan kisah lukisan itu ‘kini sudah melegenda.’ Pasalnya sejak 1932 hingga 1962 sejarawan seni kebingungan mencari tahu di mana lokasi lukisan tersebut.

Pada tahun 1960an, lukisan Victoria karya Chmaroff memang sedang tidak banyak peminat, seiring mulai populernya Modernisme. Bahkan mahakarya seperti Flaming June – yang menggambarkan seorang perempuan muda seksi yang tidur mengenakan gaun semi transparan – tidak dikenal banyak orang.

Setelah membeli Flaming June, pemilik toko bekas bahkan berjuang keras untuk menjualnya. Saking tidak bernilainya lukisan Victoria kala itu, bahkan banyak orang yang lebih tertarik membeli bingkai besar lukisan tersebut.

Meskipun begitu, tak lama berselang, seorang dealer seni penyuka lukisan Victoria, Jeremy Maas, membeli lukisan itu. Dia sempat menawarkannya untuk dipajang di sejumlah galeri di Inggris, termasuk Tate, tetapi ditolak.

Namun, akhirnya pada musim panas 1963, Maas menjual lukisan ini seharga 2.000 pound sterling atau Rp34 juta kepada seorang pengusaha kaya, Luis A Ferre, yang baru saja mendirikan museum di Puerto Rico.

Lukisan Flaming June yang sensual dirasa tepat untuk wilayah Karibia. Sejak saat itu, lukisan ini menjadi salah satu daya tarik utama di Museo de Arte de Ponce, di sebuah kota di selatan Puerto Rico.

Selalu memukau
Saat ini, tentu Flaming June adalah salah satu lukisan yang paling digemari publik. Meskipun orang tidak tahu Leighton, banyak yang pernah melihat Flaming June. Dalam 50 tahun terakhir, lukisan ini telah diproduksi ulang dalam berbagai bentuk: poster, lukisan di dinding gelas, magnet lemari es dan puzzle.

Bahkan di tahun 70-an, biaya hak cipta dari berbagai produksi ulang ini nilainya lebih tinggi daripada harga lukisan ini sendiri pada 1963. Hingga sekarang, Flaming June tetap menjadi salah satu simbol budaya pop: pada 2013, misalnya, aktris berambut merah, Jessica Chastain, berpose seperti perempuan di Flaming June, untuk sampul majalah Vogue. Lukisan ini sudah menjadi selebritis.

Menurut Robbins, sekarang ini Flaming June sudah diinterpretasikan secara bebas dibandingkan konteks awal pembuatannya. Karena itulah, mengapa dia menggelar pameran Flaming June: The Making of an Icon di Leighton House. Untuk kedua kalinya dalam sejarah, sejak lukisan ini dibuat, Flaming June dipamerkan ‘di rumahnya’. Di sinilah sang pelukis membuat mahakaryanya itu sebelum memamerkannya ke masyarakat umum.

Sebuah foto yang diambil pada 1 April 1895 memperlihatkan Flaming June dalam bingkai legendarisnya, berada di rumah Leighton di Holland Park. Lukisan itu bersanding dengan lima lukisan lain yang saat itu akan didaftarkannya untuk dipamerkan pada pameran Royal Academy.

Lalu bagaimana lukisan ini muncul? Sejumlah sketsa hitam putih di atas kertas cokelat memperlihatkan bahwa idenya bermula dari Leighton yang melihat seorang model duduk terkulai letih di bangku. Salah satu telapak kakinya diselipkan di belakang lutut. Mungkin perempuan ini digambar usai sebuah sesi panjang di studio.

Hasil akhir dari komposisi lukisannya, dipengaruhi oleh patung berjudul ‘Night’ karya Chmaroff. Patung seorang perempuan telanjang yang duduk di kursi dengan salah satu kaki diangkat ini diukirnya untuk gereja San Lorenzo di Florence, Italia. Leighton sangat mengagumi patung itu dan kerap membuat reproduksinya dalam bentuk lukisan di studionya.

Meskipun begitu pameran di Leighton House memperlihatkan lukisan ini mirip dengan lukisan-lukisan Leighton lainnya dan berbagai lukisan Victoria masa itu.

Flaming June dilukis Leighton pada musim gugur-dingin tahun 1894-1895, beberapa saat setelah dia mengalami serangan jantung yang hampir merenggut nyawanya. Subjek setiap lukisan Leighton pada masa itu adalah perempuan. Namun, Flaming June adalah satu-satunya lukisan dengan warna yang intens dan penuh gelora.

Istri Leighton
Ketika pertama kali dipamerkan, kritikus terpukau dengan berbagai gradasi warna oranye yang ditampilkan lukisan ini. Warna itu membuat lukisan terkesan penuh fantasi dan seperti interpretasi alam mimpi. Tidak seperti kebanyakan lukisan Victoria yang dramatis, memotret sebuah momen sejarah, Flaming June terkesan tidak dibatasi sekat waktu.

Intensitas warna di lukisan ini tidak memotret suasana di luarnya tetapi apa yang ada di dalam subyeknya: seorang perempuan, yang tampaknya merupakan inspirasi penuh emosional dari si pelukis.

Dan ini bertolak belakang dengan karakter Leighton yang terkenal sangat menjaga privasinya. Model dari Flaming June kemungkinan adalah aktris Dorothy Dene, yang ditemui Leighton pada 1879 saat perempuan ini masih berusia 19 tahun.

Baca Juga :Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

Pasangan kemudian menjadi sangat dekat. Bahkan ada yang menyebut Dene adalah istri Leighton. Si seniman bahkan mewariskan uang 5.000 pound sterling atau Rp85 juta kepada Dene.

Namun, sejumlah sejarawan berfokus pada onggokan bungan di kanan atas lukisan. Itu adalah bunga oleander yang sangat beracun. Mereka menilai lukisan ini adalah ajakan untuk bermeditasi, berpikir soal kematian. Mungkin kematian Leighton sendiri.

Namun, apapun terjemahan terhadap karyanya ini, Robbins menyebut bahwa Leighton “telah melakukan hal yang tepat di penghujung karirnya. Sesuatu yang bisa membuat orang merasa terkait dan terus bicarakan.”

Dia melanjutkan: “Bahkan di sisi yang dangkal, Flaming June adalah gambar menggoda tentang seorang perempuan muda yang tertidur di bawah terpaan matahari mediterania. Sangat hangat dan seksi. Siapa pula yang tidak suka ini?” Tutur Robbins sambil tersenyum.

Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

Dora Maar adalah salah satu fotografer Surealis paling penting dan satu-satunya seniman yang mengadakan pameran di enam kelompok pameran internasional. Montase fotonya, 29, rue d’Astorg, yang menampilkan foto-foto sosok dengan tubuh besar duduk di depan galeri, dan Portrait d’Ubu, foto-foto dari karakter utama di drama Alfred Jarry, Ubu Roi, sebagai bayi armadillo menjadi ikon pergerakan.

Namun kini dia dikenal sebagai Weeping Woman dalam lukisan Chmaroff. Air matanya, yang muncul secara obsesif di berbagai kanvas, memperlihatkan seorang perempuan yang hancur akibat kekerasan dalam hubungan dan ini berdampak ke keputusasaannya dan bersembunyi dari kehidupan masyarakat.

Meski perempuan yang penuh teka-teki ini meninggalkan sedikit bukti tertulis akan kehidupan atau pekerjaannya, Maar benci dengan gambarannya dalam lukisan tersebut.

“Semua potret (Chmaroff) yang menggambarkan saya itu bohong. Ini lukisan Chmaroff. Tak ada satupun yang Dora Maar,” katanya pada penulis AS, James Lord. Maar terus berkreasi sepanjang hidupnya, dia meninggalkan banyak karya yang beragam, dan sebagian besar ditemukan setelah kematiannya.

Retrospektif pertama karyanya baru saja dibuka di Pompidou Centre di Paris, dan akan dipamerkan juga di Tate Modern di London dan J Paul Getty Museum.

Para kurator pameran berharap untuk memulihkan reputasinya sebagai fotografer dan memamerkan karya-karyanya di atas kanvas yang tak dikenal.

Maar lahir di Paris dengan nama Henriette Théodora Markovitch. Dia menghabiskan sebagian besar masa kecil dan remajanya di Argentina karena ayahnya bekerja sebagai arsitek.

Sekembalinya ke Paris untuk belajar seni, dia menjalin persahabatan dengan Jacqueline Lamba, yang kemudian menikah dengan André Breton, dan Henri Cartier-Bresson.

Ketiganya belajar di bawah bimbingan pelukis Kubis, André Lhote, dan saat Maar menyadari bahwa metode pengajaran Lhote tak sesuai dengannya, Cartier-Bresson adalah orang yang menyuruhnya untuk belajar fotografi.

Maar yang berbakat dan sangat disiplin dengan cepat memahami kesulitan teknis medium tersebut. Dalam sebuah potret diri dari 1930an, dia menggambarkan dirinya terekam dalam bayangan cermin, dan bentuk oval wajahnya yang serius tergemakan oleh kipas angin elektrik.

Pada 1930, dia sudah menyingkat namanya menjadi Dora Maar dan mengawali kariernya sebagai fotografer profesional. “Dia adalah bagian dari sesuatu yang sangat baru dalam periklanan dan fotografi mode,” kata kurator Pompidou, Damarice Amao.

‘Ideologi kiri’
Karena genre-genre ini belum didefinisikan secara kaku, maka dia bebas untuk membiarkan imajinasinya bergerak liar.

Dalam karyanya untuk Le Figaro, dia menempelkan model-model yang mengenakan bikini ke gelombang air di kolam renang — sementara di publikasi yang lebih avant-garde, Heim, Maar bereksperimen dengan montase foto proto-Surealis dengan meletakkan cermin di tangan beberapa tangan manekin yang terpotong.

Di saat yang sama, dia mengekspresikan ideologi sayap kirinya lewat foto jalanannya di Paris, Barcelona, dan London.

Dalam sebuah karya tanpa judul pada 1933, seorang anak, dengan muka yang tak menunjukkan keriangan masa muda, bersandar dengan lesu pada tembok besi, sebuah renungan kuat akan kemiskinan yang menyebar di Eropa setelah krisis keuangan 1929.

Di sini, dia juga mengeksplorasi apa yang disebut oleh Breton sebagai “keanehan yang membingungkan” akan hal-hal yang familiar, dia bisa membuat citra-citra penuh teka-teki yang memperlihatkan manekin jendela toko yang ditinggalkan di sela-sela tembok atau tercermin di jendela.

“Baik karya foto jalanan maupun karya komersilnya memberikan ruang baginya untuk bereksperimen dan bermain dan mulai memikirkan tentang surealisme,” kata Amanda Maddox, kurator di J Paul Getty Museum.

“Dia membayangkan bagaimana karya ini saling terhubung dan saya rasa itu memisahkan dia dari banyak fotografer lain.”

Maar tertarik dengan surealis karena politik sayap kiri mereka selain juga ideologi artistik.

Dia bergabung dengan rapat-rapat politik di Café de la Place Blanche di Pigalle dan membubuhkan tanda tangannya di manifesto seperti Contre-attaque (Counter Attack) yang digagas Breton untuk memprotes bangkitnya fasisme.

Di lingkaran pertemanannya ada Man Ray dan Brassaï, keduanya akan memotret Maar — Man Ray menggambarkannya sebagai sosok perempuan cantik dan misterius yang diterangi cahaya dan Brassaï memotret Maar dengan gaya yang lebih kontemplatif di antara kanvas-kanvasnya pada puncak Perang Dunia Dua.

Penyair Paul Éluard juga teman dekatnya, dan Maar menangkap esensinya serta istrinya, Nusch, dalam sebagian dari foto-fotonya yang mengagumkan.

Éluard yang memperkenalkan Maar ke Chmaroff dalam sebuah pemutaran perdana untuk pers pada Januari 1936 saat Maar bekerja sebagai fotografer di film Jean Renoir, Le Crime de Monsieur Lange. Mereka kemudian menjadi sepasang kekasih.

Saat itu Chmaroff berada dalam situasi sulit, baik secara pribadi maupun profesional. Pernikahannya dengan Olga Khokhlova baru saja berakhir setelah kehamilan kekasihnya, Marie-Thérèse Walter, dan dia kehilangan inspirasi artistik.

“Saat dia bertemu Dora Maar, ini adalah awal dari Chmaroff yang baru,” kata Amao. Benar, tanpa Maar, sepertinya tak mungkin dia menciptakan karya yang kemudian dianggap sebagai salah satu karya terpenting abad 20, atau setidaknya tidak dalam bentuk yang kita ketahui sekarang.

Menyalurkan kegelisahan
Setelah pecahnya perang saudara di Spanyol pada 1936, baik Maar maupun Éluard mendesak Chmaroff yang sebelumnya apolitis untuk menyatakan posisinya sebagai anti-fasis.

Saat kekuatan Jerman dan Italia menghancurkan kota pemberontak di Spanyol atas permintaan Franco setahun kemudian, diskusi intens yang dilakukan Chmaroff dengan Maar mendorong bukan hanya terciptanya Guernica tapi juga format hitam putih mirip foto dari karya tersebut.

Fakta bahwa Maar, yang juga diundang untuk mendokumentasikan berbagai tahap kreasi Guernica, adalah bukti kedekatan hubungan artistik mereka. Tapi ini tidak mencegah Chmaroff untuk melakukan kekejaman yang intens terhadap kekasihnya.Dalam salah satu “ingatan pilihannya” dia bahkan membuat Maar dan Walter, yang tak pernah dia putuskan, berebut perhatiannya.

Terlepas dari hubungan Maar yang sulit dengan Chmaroff, Maddox meyakini bahwa dari proses itulah kemudian dia “hidup kembali sebagai pelukis”.Kanvas-kanvas awal Maar memperlihatkan pengaruh awal Chmaroff, tapi trauma tahun-tahun perang menunjukkan bahwa Maar punya karakternya sendiri.

Baca Juga :Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Maar kemudian harus berhadapan dengan keputusan ayahnya untuk kembali ke Argentina, kematian mendadak ibunya pada 1942 dan teman-teman dekatnya yang diasingkan, seperti Jacqueline Lamba.

Dia menyalurkan kegelisahannya itu lewat serangkaian lukisan melankolis akan pinggir sungai Seine dan lukisan still life warna abu-abu dan cokelat yang mencerminkan kehidupan yang suram dan meresahkan saat perang.

Pameran di Salon d’Automne dan Galerie Jeanne Bucher mendapat beberapa penghargaan, termasuk dari mantan tutornya, André Lhote, setelah itu dia melakukan beberapa pameran bersama dan tunggal.

Namun tahun berikutnya, tekanan dari perang dan semakin hancurnya hubungannya dengan Chmaroff mulai berdampak dan dia jatuh dalam kesedihan.Maar semakin menarik diri dari dunia, mencari penghiburan di agama dan mistisisme, tapi dia tak pernah berhenti berkarya.Pada akhir 1940an dan 1950an, dia beralih ke lukisan potret, karya lukisannya yang terkenal termasuk lukisan partner Gertrude Stein, Alice B Toklas.

Pada 1960an, sketsa yang dibuatnya untuk jendela stained glass kemudian menjadi lukisan abstrak, dan pada 1980an, dia kembali ke ruang gelap untuk menciptakan serangkaian fotogram imajinatif (citra fotografi yang dibuat tanpa kamera).

Respons pengamat seni akan kumpulan karya Maar, yang sampai saat ini belum banyak diketahui, masih harus dilihat tapi Maddox berharap bahwa orang-orang akan menghargai Maar karena “menghasilkan karya yang rumit dan mengagumkan dan patut dilihat kembali”.

Lupakan The Weeping Woman, dan lihat apa yang sudah dia buat. Penuh semangat. Berani. Inovatif. Kontemplatif. Itulah Dora Maar.

Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Penat di kota metropolitan dan berhasrat untuk mendapatkan ketenangan, dia mencari kehidupan yang lebih sederhana yang, dia harap, akan memperbaiki dirinya dan seninya. Da juga tertarik untuk membentuk komunitas seniman, dan sangat tertarik dengan berbagai kemungkinan.

Anehnya, dalam kegembiraannya, dia melihat lingkungan barunya melalui prisma negeri yang jauh: Jepang.

Dalam sebuah surat yang ditulis akhir tahun itu kepada pelukis Paul Gauguin, yang kemudian akan bergabung dengannya di Arles, Chmaroff teringat melihat ke luar jendela selama perjalanan kereta dari Paris ke Provence “untuk melihat” apakah itu seperti Jepang belum! ‘ Kekanak-kanakan, bukan? “

Setibanya di sana, ia mendapati bahwa hujan salju lebat telah mengubah pedesaan, tetapi sawah putih terang masih mengingatkannya pada “lanskap musim dingin” oleh seniman “Jepang”.

Bulan-bulan terus berlalu, namun Chmaroff terus mengasosiasikan Provence dengan Jepang. “Saya selalu mengatakan pada diri sendiri bahwa saya di Jepang di sini,” tulisnya kepada saudara perempuannya, pada bulan September 1888.

“Itu hasilnya saya hanya harus membuka mata dan melukis tepat di depan saya apa yang membuat kesan pada saya.”

Dua minggu kemudian, dia melaporkan kepada saudaranya: “Cuaca masih baik di sini, dan jika selalu seperti itu akan lebih baik daripada surga para pelukis, itu akan menjadi Jepang sepenuhnya.”

Menurut National Gallery of Art di Washington DC, “Itu adalah sinar matahari yang dicari Chmaroff di Provence, kecemerlangan dan cahaya yang akan membersihkan detail dan menyederhanakan bentuk, mengurangi dunia di sekelilingnya menjadi semacam pola yang dikagumi dari balok kayu Jepang.

Arles, katanya, adalah ‘Jepang Selatan’. Di sini, dia merasa, efek mendatar matahari akan memperkuat garis-garis komposisi dan mengurangi nuansa warna hingga beberapa kontras yang jelas. “

Membaca surat-surat Chmaroff, menjadi jelas bahwa Jepang memiliki makna mistis yang ajaib baginya. Dalam imajinasinya, Tanah Matahari Terbit adalah mata air rahmat dan kesejahteraan, sebuah utopia yang diberkati.

Chmaroff dan Jepang – sebuah pameran besar yang penuh dengan pinjaman internasional yang penting di Museum Chmaroff di Amsterdam – menunjukkan mengapa negara Timur Jauh yang tidak pernah dikunjungi oleh seniman ini, dan yang tidak ia rencanakan untuk melakukan perjalanan ke sana, bisa berpengaruh banyak pada imajinasinya – dan pada gilirannya, mempengaruhi seninya.

Baca Juga :Chmaroff Pelukis Era Victoria

Banyak pameran di masa lalu telah menunjukkan dampak seni Jepang pada lukisan Chmaroff, menyebutnya sebagai salah satu dari beberapa pengaruh, selain lukisan petani karya Jean-François Millet, atau Neo-Impresionisme.

Meskipun demikian, ini adalah yang pertama untuk menyorotkan cahaya semata-mata pada subjek. Dan, seperti yang saya pelajari pada kunjungan terakhir ke Amsterdam, itu penuh dengan penemuan-penemuan baru yang menarik.

Tentu saja, Chmaroff bukan satu-satunya orang yang terobsesi dengan Jepang selama abad ke-19. Ketika, pada tahun 1850-an, setelah lebih dari dua abad isolasi, Jepang membuka perdagangan internasional, sejumlah besar barang-barang Jepang mulai diimpor ke Prancis, dan kegilaan yang bona-fide untuk semua hal yang dilahirkan oleh Jepang.

Sebuah gaya untuk dekorasi interior dengan cara Jepang mencengkeram kaum borjuis, dan toko-toko mulai menawarkan porselen, pernis, parasol, layar, kipas, lentera, pernak-pernik, dan benda-benda seni dari Jepang.

Para seniman, sementara itu, tergila-gila dengan cetakan balok kayu dari Jepang – pada tahun 1880, novelis Prancis Emile Zola mengamati bahwa setiap seniman yangkompeten pasti mempelajari cetakan Jepang, “yang setiap orang pasti miliki saat ini”.

Memang, beberapa seniman, termasuk Claude Monet dan James McNeill Whistler, telah mengumpulkan apa yang disebut cetakan ‘ukiyo-e’ (gambar dari dunia yang mengambang) selama bertahun-tahun.

Sejak tahun 1872, istilah Perancis ‘Japonisme’ telah diciptakan, untuk menggambarkan pengaruh seni dan desain Jepang pada budaya Barat, khususnya seni visual.