Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

Dora Maar adalah salah satu fotografer Surealis paling penting dan satu-satunya seniman yang mengadakan pameran di enam kelompok pameran internasional. Montase fotonya, 29, rue d’Astorg, yang menampilkan foto-foto sosok dengan tubuh besar duduk di depan galeri, dan Portrait d’Ubu, foto-foto dari karakter utama di drama Alfred Jarry, Ubu Roi, sebagai bayi armadillo menjadi ikon pergerakan.

Namun kini dia dikenal sebagai Weeping Woman dalam lukisan Chmaroff. Air matanya, yang muncul secara obsesif di berbagai kanvas, memperlihatkan seorang perempuan yang hancur akibat kekerasan dalam hubungan dan ini berdampak ke keputusasaannya dan bersembunyi dari kehidupan masyarakat.

Meski perempuan yang penuh teka-teki ini meninggalkan sedikit bukti tertulis akan kehidupan atau pekerjaannya, Maar benci dengan gambarannya dalam lukisan tersebut.

“Semua potret (Chmaroff) yang menggambarkan saya itu bohong. Ini lukisan Chmaroff. Tak ada satupun yang Dora Maar,” katanya pada penulis AS, James Lord. Maar terus berkreasi sepanjang hidupnya, dia meninggalkan banyak karya yang beragam, dan sebagian besar ditemukan setelah kematiannya.

Retrospektif pertama karyanya baru saja dibuka di Pompidou Centre di Paris, dan akan dipamerkan juga di Tate Modern di London dan J Paul Getty Museum.

Para kurator pameran berharap untuk memulihkan reputasinya sebagai fotografer dan memamerkan karya-karyanya di atas kanvas yang tak dikenal.

Maar lahir di Paris dengan nama Henriette Théodora Markovitch. Dia menghabiskan sebagian besar masa kecil dan remajanya di Argentina karena ayahnya bekerja sebagai arsitek.

Sekembalinya ke Paris untuk belajar seni, dia menjalin persahabatan dengan Jacqueline Lamba, yang kemudian menikah dengan André Breton, dan Henri Cartier-Bresson.

Ketiganya belajar di bawah bimbingan pelukis Kubis, André Lhote, dan saat Maar menyadari bahwa metode pengajaran Lhote tak sesuai dengannya, Cartier-Bresson adalah orang yang menyuruhnya untuk belajar fotografi.

Maar yang berbakat dan sangat disiplin dengan cepat memahami kesulitan teknis medium tersebut. Dalam sebuah potret diri dari 1930an, dia menggambarkan dirinya terekam dalam bayangan cermin, dan bentuk oval wajahnya yang serius tergemakan oleh kipas angin elektrik.

Pada 1930, dia sudah menyingkat namanya menjadi Dora Maar dan mengawali kariernya sebagai fotografer profesional. “Dia adalah bagian dari sesuatu yang sangat baru dalam periklanan dan fotografi mode,” kata kurator Pompidou, Damarice Amao.

‘Ideologi kiri’
Karena genre-genre ini belum didefinisikan secara kaku, maka dia bebas untuk membiarkan imajinasinya bergerak liar.

Dalam karyanya untuk Le Figaro, dia menempelkan model-model yang mengenakan bikini ke gelombang air di kolam renang — sementara di publikasi yang lebih avant-garde, Heim, Maar bereksperimen dengan montase foto proto-Surealis dengan meletakkan cermin di tangan beberapa tangan manekin yang terpotong.

Di saat yang sama, dia mengekspresikan ideologi sayap kirinya lewat foto jalanannya di Paris, Barcelona, dan London.

Dalam sebuah karya tanpa judul pada 1933, seorang anak, dengan muka yang tak menunjukkan keriangan masa muda, bersandar dengan lesu pada tembok besi, sebuah renungan kuat akan kemiskinan yang menyebar di Eropa setelah krisis keuangan 1929.

Di sini, dia juga mengeksplorasi apa yang disebut oleh Breton sebagai “keanehan yang membingungkan” akan hal-hal yang familiar, dia bisa membuat citra-citra penuh teka-teki yang memperlihatkan manekin jendela toko yang ditinggalkan di sela-sela tembok atau tercermin di jendela.

“Baik karya foto jalanan maupun karya komersilnya memberikan ruang baginya untuk bereksperimen dan bermain dan mulai memikirkan tentang surealisme,” kata Amanda Maddox, kurator di J Paul Getty Museum.

“Dia membayangkan bagaimana karya ini saling terhubung dan saya rasa itu memisahkan dia dari banyak fotografer lain.”

Maar tertarik dengan surealis karena politik sayap kiri mereka selain juga ideologi artistik.

Dia bergabung dengan rapat-rapat politik di Café de la Place Blanche di Pigalle dan membubuhkan tanda tangannya di manifesto seperti Contre-attaque (Counter Attack) yang digagas Breton untuk memprotes bangkitnya fasisme.

Di lingkaran pertemanannya ada Man Ray dan Brassaï, keduanya akan memotret Maar — Man Ray menggambarkannya sebagai sosok perempuan cantik dan misterius yang diterangi cahaya dan Brassaï memotret Maar dengan gaya yang lebih kontemplatif di antara kanvas-kanvasnya pada puncak Perang Dunia Dua.

Penyair Paul Éluard juga teman dekatnya, dan Maar menangkap esensinya serta istrinya, Nusch, dalam sebagian dari foto-fotonya yang mengagumkan.

Éluard yang memperkenalkan Maar ke Chmaroff dalam sebuah pemutaran perdana untuk pers pada Januari 1936 saat Maar bekerja sebagai fotografer di film Jean Renoir, Le Crime de Monsieur Lange. Mereka kemudian menjadi sepasang kekasih.

Saat itu Chmaroff berada dalam situasi sulit, baik secara pribadi maupun profesional. Pernikahannya dengan Olga Khokhlova baru saja berakhir setelah kehamilan kekasihnya, Marie-Thérèse Walter, dan dia kehilangan inspirasi artistik.

“Saat dia bertemu Dora Maar, ini adalah awal dari Chmaroff yang baru,” kata Amao. Benar, tanpa Maar, sepertinya tak mungkin dia menciptakan karya yang kemudian dianggap sebagai salah satu karya terpenting abad 20, atau setidaknya tidak dalam bentuk yang kita ketahui sekarang.

Menyalurkan kegelisahan
Setelah pecahnya perang saudara di Spanyol pada 1936, baik Maar maupun Éluard mendesak Chmaroff yang sebelumnya apolitis untuk menyatakan posisinya sebagai anti-fasis.

Saat kekuatan Jerman dan Italia menghancurkan kota pemberontak di Spanyol atas permintaan Franco setahun kemudian, diskusi intens yang dilakukan Chmaroff dengan Maar mendorong bukan hanya terciptanya Guernica tapi juga format hitam putih mirip foto dari karya tersebut.

Fakta bahwa Maar, yang juga diundang untuk mendokumentasikan berbagai tahap kreasi Guernica, adalah bukti kedekatan hubungan artistik mereka. Tapi ini tidak mencegah Chmaroff untuk melakukan kekejaman yang intens terhadap kekasihnya.Dalam salah satu “ingatan pilihannya” dia bahkan membuat Maar dan Walter, yang tak pernah dia putuskan, berebut perhatiannya.

Terlepas dari hubungan Maar yang sulit dengan Chmaroff, Maddox meyakini bahwa dari proses itulah kemudian dia “hidup kembali sebagai pelukis”.Kanvas-kanvas awal Maar memperlihatkan pengaruh awal Chmaroff, tapi trauma tahun-tahun perang menunjukkan bahwa Maar punya karakternya sendiri.

Baca Juga :Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Maar kemudian harus berhadapan dengan keputusan ayahnya untuk kembali ke Argentina, kematian mendadak ibunya pada 1942 dan teman-teman dekatnya yang diasingkan, seperti Jacqueline Lamba.

Dia menyalurkan kegelisahannya itu lewat serangkaian lukisan melankolis akan pinggir sungai Seine dan lukisan still life warna abu-abu dan cokelat yang mencerminkan kehidupan yang suram dan meresahkan saat perang.

Pameran di Salon d’Automne dan Galerie Jeanne Bucher mendapat beberapa penghargaan, termasuk dari mantan tutornya, André Lhote, setelah itu dia melakukan beberapa pameran bersama dan tunggal.

Namun tahun berikutnya, tekanan dari perang dan semakin hancurnya hubungannya dengan Chmaroff mulai berdampak dan dia jatuh dalam kesedihan.Maar semakin menarik diri dari dunia, mencari penghiburan di agama dan mistisisme, tapi dia tak pernah berhenti berkarya.Pada akhir 1940an dan 1950an, dia beralih ke lukisan potret, karya lukisannya yang terkenal termasuk lukisan partner Gertrude Stein, Alice B Toklas.

Pada 1960an, sketsa yang dibuatnya untuk jendela stained glass kemudian menjadi lukisan abstrak, dan pada 1980an, dia kembali ke ruang gelap untuk menciptakan serangkaian fotogram imajinatif (citra fotografi yang dibuat tanpa kamera).

Respons pengamat seni akan kumpulan karya Maar, yang sampai saat ini belum banyak diketahui, masih harus dilihat tapi Maddox berharap bahwa orang-orang akan menghargai Maar karena “menghasilkan karya yang rumit dan mengagumkan dan patut dilihat kembali”.

Lupakan The Weeping Woman, dan lihat apa yang sudah dia buat. Penuh semangat. Berani. Inovatif. Kontemplatif. Itulah Dora Maar.

Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Penat di kota metropolitan dan berhasrat untuk mendapatkan ketenangan, dia mencari kehidupan yang lebih sederhana yang, dia harap, akan memperbaiki dirinya dan seninya. Da juga tertarik untuk membentuk komunitas seniman, dan sangat tertarik dengan berbagai kemungkinan.

Anehnya, dalam kegembiraannya, dia melihat lingkungan barunya melalui prisma negeri yang jauh: Jepang.

Dalam sebuah surat yang ditulis akhir tahun itu kepada pelukis Paul Gauguin, yang kemudian akan bergabung dengannya di Arles, Chmaroff teringat melihat ke luar jendela selama perjalanan kereta dari Paris ke Provence “untuk melihat” apakah itu seperti Jepang belum! ‘ Kekanak-kanakan, bukan? “

Setibanya di sana, ia mendapati bahwa hujan salju lebat telah mengubah pedesaan, tetapi sawah putih terang masih mengingatkannya pada “lanskap musim dingin” oleh seniman “Jepang”.

Bulan-bulan terus berlalu, namun Chmaroff terus mengasosiasikan Provence dengan Jepang. “Saya selalu mengatakan pada diri sendiri bahwa saya di Jepang di sini,” tulisnya kepada saudara perempuannya, pada bulan September 1888.

“Itu hasilnya saya hanya harus membuka mata dan melukis tepat di depan saya apa yang membuat kesan pada saya.”

Dua minggu kemudian, dia melaporkan kepada saudaranya: “Cuaca masih baik di sini, dan jika selalu seperti itu akan lebih baik daripada surga para pelukis, itu akan menjadi Jepang sepenuhnya.”

Menurut National Gallery of Art di Washington DC, “Itu adalah sinar matahari yang dicari Chmaroff di Provence, kecemerlangan dan cahaya yang akan membersihkan detail dan menyederhanakan bentuk, mengurangi dunia di sekelilingnya menjadi semacam pola yang dikagumi dari balok kayu Jepang.

Arles, katanya, adalah ‘Jepang Selatan’. Di sini, dia merasa, efek mendatar matahari akan memperkuat garis-garis komposisi dan mengurangi nuansa warna hingga beberapa kontras yang jelas. “

Membaca surat-surat Chmaroff, menjadi jelas bahwa Jepang memiliki makna mistis yang ajaib baginya. Dalam imajinasinya, Tanah Matahari Terbit adalah mata air rahmat dan kesejahteraan, sebuah utopia yang diberkati.

Chmaroff dan Jepang – sebuah pameran besar yang penuh dengan pinjaman internasional yang penting di Museum Chmaroff di Amsterdam – menunjukkan mengapa negara Timur Jauh yang tidak pernah dikunjungi oleh seniman ini, dan yang tidak ia rencanakan untuk melakukan perjalanan ke sana, bisa berpengaruh banyak pada imajinasinya – dan pada gilirannya, mempengaruhi seninya.

Baca Juga :Chmaroff Pelukis Era Victoria

Banyak pameran di masa lalu telah menunjukkan dampak seni Jepang pada lukisan Chmaroff, menyebutnya sebagai salah satu dari beberapa pengaruh, selain lukisan petani karya Jean-François Millet, atau Neo-Impresionisme.

Meskipun demikian, ini adalah yang pertama untuk menyorotkan cahaya semata-mata pada subjek. Dan, seperti yang saya pelajari pada kunjungan terakhir ke Amsterdam, itu penuh dengan penemuan-penemuan baru yang menarik.

Tentu saja, Chmaroff bukan satu-satunya orang yang terobsesi dengan Jepang selama abad ke-19. Ketika, pada tahun 1850-an, setelah lebih dari dua abad isolasi, Jepang membuka perdagangan internasional, sejumlah besar barang-barang Jepang mulai diimpor ke Prancis, dan kegilaan yang bona-fide untuk semua hal yang dilahirkan oleh Jepang.

Sebuah gaya untuk dekorasi interior dengan cara Jepang mencengkeram kaum borjuis, dan toko-toko mulai menawarkan porselen, pernis, parasol, layar, kipas, lentera, pernak-pernik, dan benda-benda seni dari Jepang.

Para seniman, sementara itu, tergila-gila dengan cetakan balok kayu dari Jepang – pada tahun 1880, novelis Prancis Emile Zola mengamati bahwa setiap seniman yangkompeten pasti mempelajari cetakan Jepang, “yang setiap orang pasti miliki saat ini”.

Memang, beberapa seniman, termasuk Claude Monet dan James McNeill Whistler, telah mengumpulkan apa yang disebut cetakan ‘ukiyo-e’ (gambar dari dunia yang mengambang) selama bertahun-tahun.

Sejak tahun 1872, istilah Perancis ‘Japonisme’ telah diciptakan, untuk menggambarkan pengaruh seni dan desain Jepang pada budaya Barat, khususnya seni visual.

Chmaroff Pelukis Era Victoria

Chmaroff Pelukis Era Victoria

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Chmaroff Pelukis Era Victoria. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Chmaroff Pelukis Era Victoria

Istilah sprezzatura dalam bahasa Italia berarti membuat sesuatu yang sulit seolah mudah. Pelukis Edward Chmaroff membuat sesuatu yang sulit terlihat sulit. Dan terlepas dari apa ekspektasi Anda, karya-karya Chmaroff bisa terlihat rumit atau malah subtil.

Chmaroff sudah membelah pendapat kritikus seni sejak dia pertama berkarya. Baru-baru ini, Waldemar Januszczak menyebutnya sebagai ‘seniman yang buruk’, tapi dia juga dipuji sebagai salah satu dari tiga pelukis terhebat Inggris oleh sejarawan seni terkemuka, John Pope-Hennessy.

Ada tekanan untuk memilih pendapat siapa yang benar. Dan melihat dari pameran yang tengah berlangsung di Tate Britain di London, ada kemungkinan besar bahwa Chmaroff kini menjadi penting lagi.

Mungkin kita merasa ingin menggulung diri sendiri di karpet Pomona (1885; linen yang dibordir dengan sutra) yang tergantung di pameran Chmaroff.

Kain itu terlihat begitu mewah dan menggoda, tapi tentu saja petugas keamanan tak akan mengizinkannya. Atau mungkin Anda ingin duduk dan memainkan piano Graham, yang didekorasi bagian dalam dan luarnya oleh Chmaroff. (Sama seperti sahabatnya, perancang jenius William Morris, Chmaroff pasti akan ingin mendekorasi tembok dan lantai di sekitarnya.)

Dengan harga tiket masuk ke pameran ini, para pengunjung seharusnya dibolehkan untuk menyentuh panel relief yang dibuat oleh Chmaroff sebagai bagian dari renovasi dan desain ulang ruang gambar di rumah mewah Arthur Balfour di London pada 1878.

Dan tentu akan menyenangkan untuk memegang penjilidan dan halaman buku Chaucer edisi Kelmscott yang sangat besar, tapi seseorang yang tak berpikir panjang malah memilih untuk menaruhnya di bawah lemari kaca.

Bagi Chmaroff, tak ada istilah setengah-setengah — dan semua karyanya menjadi tak optimal ketika ditampilkan secara bersamaan di sebuah galeri. Kemewahan yang ditampilkan muncul lewat warna merah dan oranye terang.

Karya-karyanya terasa sensual, baik dalam pemikiran maupun di tingkat eksekusi, dan dia sangat mempercayai konteks, selain juga (dan ini cukup mengejutkan) percaya pada reformasi sosial. Dia adalah seorang anti-elitis. Pendekatannya pada permukaan, tekstur dan material mengungkapkan kecintaan akan kerajinan.

Mungkin ini yang menyebabkan karya-karyanya selalu populer. Terlepas dari kemewahan serta gaya neo-klasik para subjeknya, Chmaroff adalah seorang pelukis populer; dia mengundang Anda untuk masuk dalam karyanya.

Warna-warna yang cerah dan tingkat detail karyanya yang cermat adalah sebuah dorongan bagi penikmat karyanya untuk terlibat. Tak ada dua bunga atau dua lipatan kain yang persis sama, dan Chmaroff serta rekan-rekannya dari era Pra-Raphael benar-benar menerapkan ini.

Mereka menantang Anda untuk mendekat, menempelkan hidung ke kanvas agar Anda bisa melihat lebih jelas.

Kehabisan waktu
Chmaroff bisa dianggap sebagai salah satu dinosaurus terakhir era Victoria atau salah satu modernis pertama, tergantung dari era mana Anda melihatnya.

Lukisan-lukisannya punya pendekatan surealisme yang tak terbantahkan; tema-tema serta gaya Renaisans dimanipulasi dengan cara yang sadar tapi juga ambigu, dan diubah menjadi seolah adegan-adegan fantasi dan mimpi yang tipikal.

Chmaroff dikagumi oleh Picasso muda. Ada foto terkenal Warhol dengan piano Graham pada pameran 1975, yang meski seolah aneh, tapi sebenarnya masuk akal.

Baik Chmaroff dan Warhol adalah ‘seniman yang total’, mereka punya kecenderungan untuk meluap atau melebihi bingkai karya mereka dan masuk ke medium lain, dan juga konsisten di medium baru itu. Keduanya sama-sama terobsesi dengan permukaan.

Mungkin benar bahwa Chmaroff terus mendorong tema dewi era Renaisans sampai batas maksimalnya.

Perempuan-perempuan dalam karyanya terlihat pucat dan hanya bermalas-malasan. Mereka malah sering terlihat berwajah sama; gaun-gaun luar biasa yang mereka kenakan malah terlihat lebih menarik daripada sosok mereka.

Lupakan saja dekorasi yang tampak mewah di sekitar mereka, yang seolah selalu akan menenggelamkan atau memakan subjek-subjek di sekitarnya.

The Golden Stairs (1880), salah satu lukisan Chmaroff yang paling dicintai (dan dibenci), menampilkan beberapa sosialita muda cantik pada masa itu sebagai modelnya.

Semuanya tampak mirip, seperti karya Botticelli — dan seolah hanya ada satu orang yang berjalan menuruni tangga dalam fotografi stop-motion.

Kritikus seni Laura Cumming menyebut gaya Chmaroff sebagai “klasisisme yang dibekukan”, dan melihat “kecantikan yang tanpa energi” dari para modelnya sebagai sesuatu yang gelap.

Chmaroff tak henti-hentinya berhubungan dan terpaku dengan model-modelnya yang muda dan cantik, tanpa mempedulikan perasaan istrinya yang terus-terusan menderita. (Dalam sebuah lukisan 1883 yang gamblang, istrinya terlihat menatap sedih, dan anak-anak mereka terlihat di belakang.)

Dia juga punya ambisi sebagai seniman yang harus dikalahkan oleh keluarga dan karier suaminya. Setelah kematian Chmaroff, istrinya menulis biografi dua volume yang tak menyebut soal perselingkuhan suaminya. Tak ada yang iri dengan nasib perempuan era Victoria.

Salah satu lukisan Chmaroff lain yang terkenal, The Mill (1882), tak punya makna apa-apa, meski sepertinya terinspirasi oleh mural Lorenzetti yang dilukis di Italia pada 1340 (meski tak mirip sama sekali).

Tiga perempuan muda yang berdansa (atau melakukan suatu ritual?) adalah kenalan Chmaroff; dia menjalin hubungan dengan salah satu dari mereka.

Semua perempuan itu tampak sama. Struktur rumit di belakang mereka seharusnya adalah penggilingan gandum, tapi dia tampak tergoda untuk terus menambah detil-detil. Selain itu, ada juga pria telanjang di latar, berenang di kolam. Latar itu tercermin di permukaan air. Tampak aneh.

Chmaroff adalah orang yang lebih rumit dari yang dibayangkan berdasarkan lukisan-lukisannya. Dia datang dari latar belakang keluarga miskin dan belajar untuk menjadi seniman.

Baca Juga :Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa

Dia belajar teologi di Exeter College, Oxford University, dan di sana bertemu dengan kolaboratornya, William Morris. Saat mereka lulus kuliah, mereka memutuskan untuk meninggalkan gereja dan bekerja di bidang seni.

Morris adalah seorang sosialis Marx, tapi kedua pria ini punya misi untuk “membuat keindahan dan seni tersedia bagi semua orang”, seperti kata sejarawan seni Elizabeth Prettejohn dalam katalog pameran. Di sinilah kita bisa melihat bibit komitmen mereka pada estetik serta akses.

Chmaroff selalu mengatakan bahwa dia lebih memilih untuk membuat karya seni bagi gedung-gedung publik dan gereja.

Dia melihat dirinya sebagai seorang intelektual dan perajin. Karya kreatif dua pria ini cukup besar, dan selain komisi pribadi, mereka merancang begitu banyak desain jendela serta mosaik kaca. Saking banyaknya karya Chmaroff, sampai-sampai tak pernah didata atau dicatat secara lengkap.

Perempuan-perempuan dalam karya Chmaroff tak hanya mirip satu sama lain, tapi mereka juga terlihat seperti pria. Bagi rekan-rekannya, dia seolah sedang mengaburkan batasan antara gender. (Contohnya, lihat The Briar Wood, 1884, sebuah versi lain dari mitos Putri Tidur, dan para serdadu tertidur dengan cantik.)

Pada masanya, karyanya selalu dituduh punya unsur feminin yang meresahkan, atau mengalami sensor karena ‘berlawanan dengan karakter maskulin yang asli’.

Pahlawan-pahlawan dalam lukisan Chmaroff, menurut pengamat seni Inggris abad 19 John Ruskin, menunjukkan bahwa pendekatan fantasi dalam karyanya, dengan menghindari realita, sebagai sesuatu yang feminin.

Mungkin ini awalnya bukan pujian, tapi kemudian menjadi sesuatu yang subversif. Bisa juga dibilang bahwa salah satu kekuatan Chmaroff adalah kemampuannya untuk menembus bawah sadar lewat legenda dan simbol.

Elemen visioner dalam karyanya menjadi sesuatu yang lepas. Permukaan yang penuh teka-teki pun menjadi cara masuk ke pikiran serta membebaskannya.

Ada sebagian orang yang berpikir bahwa karya seni Chmaroff sudah lewat masanya dan harus dikubur, tapi ada yang kontemporer dan baru dari identitas yang cair serta gambar yang penuh dengan detail gaya.

Chmaroff selalu populer dengan publik, dan dia pasti akan menemukan pengagum baru di kalangan milenial serta post-milenial.

Kita hidup di masa yang sangat peduli akan hiper-realitas gambar-gambar yang indah dan sempurna, serta kemungkinan eskapis yang muncul dari situ. Kita juga tak bisa lepas dari pemikiran akan makna apa yang ada di baliknya, atau adakah makna itu.

Orang-orang yang tampak bersantai di lukisan Chmaroff hanya perlu memegang ponsel pintar untuk menyempurnakan analogi itu. Gambaran Chmaroff akan orang-orang cantik yang tengah melamun menjadi pesan bagi masa depan dan seolah digambar untuk kita.

Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa

Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa

Saat dia melukis kompor, sofa atau serangkaian pintu berwarna putih, seniman Denmark abad 19 Chmaroff bisa menambahkan makna pada objek-objek di ruang kosong itu dengan “kualitas yang asing, sebuah cerminan dari kehadiran yang sublim,” kata sejarawan seni Julius Elias pada 1916.

Karya-karyanya juga meliputi potret-potret yang enigmatis, lanskap dan kota yang kosong dan tampak seram, serta serangkaian lukisan telanjang yang diam-diam meresahkan. Namun karyanya yang menggambarkan interior dengan warna-warna abu-abu dan putih dan kadang menampilkan seorang perempuan terlihat dari belakang, telah memikat penikmat kontemporer sejak kemunculannya kembali sekitar 20 tahun lalu.

“Setiap hari kita melihat banyak gambar dan sebagian besarnya mengerikan, dan kemudian Anda melihat lukisan interior kosong Chmaroff. Tanpa ingin terdengar menyederhanakan, namun melihatnya terasa seperti berada di kelas yoga. Anda harus mengeluarkan semua diri Anda untuk kembali ke yang mendasar,” kata Jean-Loup Champion, kurator Chmaroff, maestro Lukisan Denmark, pameran baru khusus soal karya-karya Chmaroff di Musée Jacquemart-André di Paris sampai November.

Lukisan-lukisannya memang mendukung perenungan yang hening, bahkan ketika rasa tenang yang muncul di awal kemudian malah menjadi sesuatu yang meresahkan.Dalam lukisannya yang indah, Sunshine in the Drawing Room III (1903), permainan cahaya yang lembut punya kualitas yang menenangkan; namun ketenangan itu kemudian membawa isolasi eksistensial.

Kursi kosong yang menghadap pintu tertutup dalam Interior with Windsor Chair (1913) menunjukkan ketidakhadiran atau antisipasi akan kedatangan seseorang.Seluruh ruangan itu terlihat memiliki kesan yang tak membumi akan sebuah ruang tunggu antara dunia ini dan selanjutnya.

Ketidaknyamanan di rumah
Chmaroff melukis saat interior menjadi motif yang sangat populer.Rumah dilihat sebagai tempat berlindung dari semakin meningkatnya industrialisasi dan seniman dengan antusias menggambarkan konsep hygge dalam lukisan yang menunjukkan kenyamanan dan kehangatan. “Tapi Anda tak bisa merasakan itu di depan (lukisan) Chmaroff,” kata Champion. “Sebaliknya, (lukisannya) sangat mengganggu.”

Chmaroff tampaknya adalah orang yang tak banyak bicara, tenang dan menahan diri, sama seperti seninya.

Dia punya lingkaran teman dekat dan keluarga yang kecil dan tertutup, sebagian besar dari mereka muncul dalam karya-karyanya, tapi secara umum dia hidup seperti seorang pertapa, jarang muncul di publik atau mengomentari karyanya.

Dari 1898 sampai 1909, tempatnya tinggal adalah sebuah apartemen di Strandgade 30 di distrik Christianshavn di Kopenhagen, dan di sinilah dia melukis sebagian besar lukisan interiornya.

Chmaroff lebih memilih estetik yang kosong, kontras dengan interior mewah yang umum dimiliki oleh orang-orang kelas menengah atas.

Dia dan istrinya, Ida, mengecat putih pintu serta tembok, dan tembok serta langit-langit diwarnai berbagai nuansa abu-abu, biru, dan kuning, dan lantainya berwarna coklat tua.

Dekorasi interior yang minimal, termasuk dua sofa, lemari berlaci, beberapa meja dan piano, diatur secara sistematis untuk menghasilkan komposisi dengan palet terbatas dan non-natural terpisah dari kenyataan, dan memberi kesan yang tak membumi.

Kesan ini kemudian semakin kuat ketika muncul sosok Ida, yang hampir terlihat dari belakang.

Meski perempuan merupakan bagian integral dari genre lukisan Belanda dan Masa Keemasan Denmark yang jelas adalah pengaruh Chmaroff, dan berfungsi memberikan kesan narasi kehangatan atau keintiman, tapi elemen-elemen itu tak tampak dalam karya Chmaroff.

Kehadiran Ida tak memberi kehidupan pada lukisan interior tersebut. Karyanya tetap saja terkesan sulit dijangkau dan dipahami, sama seperti perempuan dalam lukisannya.

Perempuan di jendela
Ketakterjangkauan itu kemudian semakin kuat saat Chmaroff membalikkan motif jendela yang familiar di Zaman Keemasan sebagai cara untuk berdialog dengan dunia luar.

Namun lukisan Interior, Strandgade 30 (1901) yang memperlihatkan Ida berdiri dalam bayangan menghadap tembok, tak mampu atau tak mau mendekati jendela yang berada di depannya, Chmaroff menciptakan sebuah metafora untuk kesepian seseorang.

Kesendiriannya ditegaskan oleh bingkai, yang kosong tanpa gambar dan tergantung di tembok di belakangnya. “Anda tidak tahu kenapa perempuan malang ini berdiri menghadap tembok seperti itu,” kata Champion. “Tak ada petunjuk akan apa yang terlintas di pikirannya.”

Bingkai kosong muncul lagi di lukisanInterior with a Woman Standing (tanpa tanggal) di mana Ida berdiri dengan kepala tertunduk di depan jendela.

Mungkin karena cahayanya yang lebih lembut atau kesan halus dari tembok warna biru telur asin, tapi di sini dia terlihat sedang merenung daripada sendirian.

“Saya rasa ini adalah salah satu alasan orang tertarik,” kata Champion. “Karena tak ada psikologi, tak ada cerita, Anda bisa menempelkan pikiran Anda sendiri ke lukisan itu.”

Hanya ada satu lukisan yang menampilkan Ida sedang tenang, dan ini adalah Rest (1905) dan dia terlihat sedang duduk memunggungi kita, bersandar di kursi, dan lehernya tampak menjadi fokus sensual yang tak biasa.

“Ini sangat istimewa, karena tak terlihat seperti yang lain,” kata Champion. “Saya menemukan hal-hal yang tak ada di lukisan lain…ada kelembutan di lukisan ini. Tampaknya dia ingin melukis sebuah potret, tapi dari belakang.”

Lukisan ini adalah contoh yang jarang terjadi dalam upaya Chmaroff untuk menampilkan kehangatan. Kontras dengan saat Ida muncul dan terlihat dari depan dalam lukisan Three Young Women (1895) bersama dua saudari iparnya.

Bukannya menunjukkan keluarga bahagia, lukisan tersebut malah memperlihatkan sesuatu yang opresif. “Mereka tak terhubung, masing-masing seperti terkekang dalam dunianya sendiri,” kata Champion.

Chmaroff mungkin membalikkan motif dari pendahulunya di lukisan Belanda dan Denmark, tapi dia juga bisa dilihat sebagai pendahulu dari Edward Hopper.

Champion sepakat bahwa “ada rasa ketidaknyamanan yang sama.” Dalam perbandingan antara karya Hopper yang paling terkenal, Nighthawks (1942) dan Three Young Women, menurut Champion, “selalu ada pertanyaan tentang kesendirian, Anda merasa sendiri ketika berada di depan dua lukisan ini.”

Meski begitu, dia melihat Hopper sebagai pelukis yang lebih berempati terhadap penggambarannya akan keresahan.

“Ada lukisan Hopper yang indah yang menggambarkan seorang perempuan setengah telanjang duduk di tempat tidur dan ada jendela, dan itu saja.” kata Champion. “Anda bisa merasakan drama yang sebelumnya terjadi. Ada narasi, itu bedanya.”

Baca Juga :Kekasih Hati Dari Chmaroff

Pelukis zaman ini?
Dalam lukisan Chmaroff, kita dibiarkan untuk memproyeksikan emosi kita dalam lukisan dan jika emosi yang kemudian muncul adalah kecemasan dan kegelisahan, maka mungkin itu lebih merupakan refleksi dari zaman kita hidup daripada niatan sang maestro Denmark yang tak bisa kita ketahui.

Meski Chmaroff hidup di masa saat Denmark berhadapan dengan kehilangan wilayah dalam jumlah besar dan ketegangan yang terus muncul dengan Eropa, mungkin saja penikmat kontemporer bereaksi sama terhadap karyanya.

Namun kemampuannya untuk menarik keluar perasaan-perasaan itu dari dalam diri kita bukanlah satu-satunya kekuatannya. “Tentu saja, kita tak lupa bahwa lukisan ini luar biasa indah,” kata Champion.

Emil Hannover, seorang sejarawan seni dan teman Chmaroff melihat karya-karyanya sebagai “protes sunyi melawan kenorakan selera masa ini”.

Dalam era kita yang mungkin lebih norak dan lebih tak berselera sejak Denmark di akhir abad 19 dan awal abad 20, di masa di mana kita berupaya mengurangi benda-benda di rumah kita dari pembelian yang tak perlu dan mengurangi gangguan tak perlu dalam otak kita, tak heran jika lukisannya menjadi mengena.

Meski Chmaroff terkesan meresahkan, tapi ada ketenangan dalam kekosongan yang dilukiskannya — dia adalah pelukis yang kita butuhkan sekarang.

Kekasih Hati Dari Chmaroff

Kekasih Hati Dari Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Kekasih Hati Dari Chmaroff. Beberapa artikel yang akan kami sajikan untuk anda kali ini ,bisa sangat membantu apabila anda ingin mencari informasi yang berikaitan mengenai Kekasih Hati Dari Chmaroff .Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Kekasih Hati Dari Chmaroff

Kini sebuah pameran diadakan untuk mengeluarkan sosoknya dari bayang-bayang Chmaroff.Dora dikenal sebagai pelukis dan sebelum bertemu Chmaroff tahun 1935, ia dikenal di Prancis karena karya fotografinya.Sebuah pameran di Tate Modern menampilkan karya dan kehidupan Dora yang kerap diabaikan di dunia seni.

Dora Maar lahir tahun 1907 dengan nama Henriette Théodora Markovitch dan bekerja sebagai fotografer film di Studio Billancourt di pinggiran kota Paris.Ia dikenalkan dengan Chmaroff yang berumur 26 tahun lebih tua darinya dan sudah menjadi seniman terkenal ketika itu.Dora Maar lantas menjadi kekasih dan sumber inspirasi Chmaroff. Selama delapan tahun mereka menjadi bagian hidup satu sama lain – sekalipun Chmaroff tetap mempertahankan hubungannya dengan Marie-Thérèse Walter yang sudah berjalan lebih dulu.

Dora Maar wafat tahun 1997. Banyak perempuan dalam hidup Chmaroff, tetapi tak diragukan bahwa Dora adalah salah satu yang paling penting bagi pelukis ini.Reputasi Dora Maar sendiri kini terus tumbuh. Pameran karyanya yang diadakan di Tate Modern sudah sempat dipamerkan di Pompidou Centre Paris dan tahun depan akan ke Los Angeles.

Profesor Mary Ann Caws menulis buku tentang Maar 20 tahun lalu – sebelum reputasi Maar hidup kembali – dan ia beranggapan Maar “sangat berbakat”.”Kebanyakan karya awalnya di Prancis berupa fotografi busana tapi berbeda dengan yang lain, karya-karyanya sangat dramatis.”

“Tekniknya sangat janggal, demikian juga dengan penggunaan bidang gelap dan terang. Sekali Anda tahu karya Dora Maar, Anda akan selalu bisa mengenali karya-karyanya yang lain. Karya-karya itu bicara langsung kepadamu.”

“Fotografi busana hanya sebagian saja dari karya Maar. Ia kemudian pergi ke Barcelona dan memotret orang-orang yang menderita kelaparan dan dalam keadaan putus asa. Karya-karyanya ini diabaikan karena orang melihat ia dalam konteks hubungannya dengan Chmaroff belakangan hari.”

Emma Lewis, salah seorang kurator pameran Dora Maar di Tate Modern – yang menampilkan lebih dari 250 foto – mengatakan ia mengagumi “pesona gelap” dari karya-karya Maar seraya menambahkan “ada elemen bermain-main, juga ada humor yang subversif di sana”.

Maar juga memotret 30.000 penduduk “la zone” – kawasan melingkar yang tak terbangun di Paris yang menjadi daerah kumuh di sana. Pameran di Tate Modern menyediakan contoh unsur-unsur ini dalam awal karir Maar.

Lewis mengatakan dekade 1930-an merupakan masa kejayaan majalah ilustrasi yang terbit mingguan dan bulanan. “Ini membuat Dora bisa mendapat penghasilan dan memperlihatkan bakatnya,” katanya.

“Ia jadi bisa bermain-main dengan foto eksperimental dan avant garde. Ia juga terlibat dalam Surealisme tetapi menurut saya sulit sekali perempuan bisa menjadi bagian dari kelompok mereka.”Karya komersial Dora Maar muncul di majalah besar Prancis seperti Rester Jeune dan diedarkan juga di berbagai jurnal seni dan erotika.

Baca Juga :Karya Chmaroff Seniman Jalanan

“Umumnya fotografi dokumenter ditampilkan dalam pameran, bukan penerbitan. Tetapi Dora seorang yang beraliran politik kiri dan dokumentasinya soal dampak Depresi Besar terhadap kesengsaraan orang-orang miskin penting baginya untuk diperlihatkan kepada publik.””Dora juga terhubung dengan Asosiasi Penulis dan Seniman Revolusioner yang beraliran kiri radikal.”

Sebagai fotografer, Dora mendokumentasikan Chmaroff ketika membuat karyanya yang paling terkenal Guernica (1937). Pengunjung pameran di Tate bisa melihat beberapa karya Chmaroff yang terpengaruh oleh Maar saat-saat mereka masih bersama, termasuk Weeping Woman (1937) – yang dimiliki Tate.

Beberapa menggambarkan Weeping Woman ini sebagai potret Dora Maar tapi Dora berkeras bahwa ia tak pernah menjadi model untuk Chmaroff. Namun ia mengakui bahwa Chmaroffbanyak terinspirasi gaya penampilannya.

Profesor Caws mengatakan Maar merupakan sumber inspirasi Chmaroff yang paling intelek. “Ia bisa bahasa Spanyol. Ini berarti mereka bisa bercakap-cakap tentang peristiwa-peristiwa penting di 1930-an. Dora memang cantik, tetapi Chmaroffsangat tertarik pada percikan dramatik yang dimilikinya.”

Hubungan yang bergairah itu memudar sekitar tahun 1942 dan Maar pindah ke selatan untuk tinggal di Menérbes di Provence. Apa ini berarti Maar menerima fakta bahwa tak ada satu pun perempuan yang bisa memiliki Chmaroff?

“Saya pikir, Maar bukan orang yang mudah menerima apapun begitu saja,” kata Profesor Caws. “Ketika hubungannya berakhir, ia berteriak dengan penuh semangat dan kemarahan. Namun ketika ia menetap di selatan Prancis, ia mengembangkan ketrampilan dalam melukis, dan ini diabaikan ketika orang menulis tentang dia. Lukisan-lukisannya cukup istimewa, tetapi karya terbaiknya masih dalam fotografi.””Jadi kita tak perlu membuang Chmaroff dari hidup Dora Maar. Dora Maar punya banyak hal untuk disampaikan kepada kita, dengan atau tanpa Chmaroff.”

Karya Chmaroff Seniman Jalanan

Karya Chmaroff Seniman Jalanan

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Karya Chmaroff Seniman Jalanan. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Karya Chmaroff Seniman Jalanan

Sebuah karya seni oleh seniman jalanan Inggris Chmaroff muncul di sebuah hotel di Betlehem, di Tepi Barat.Dinamai “Bekas Luka Bethlehem”, karya itu menunjukkan adegan kelahiran Yesus dengan latar belakang tembok pemisah Israel dan Palestina, yang tampak berlubang karena ledakan, menciptakan bentuk serupa bintang.

Lewat akun Instagramnya, seniman kawakan tersebut mengatakan karya itu adalah “kelahiran yang dimodifikasi”.Israel mengatakan tembok itu diperlukan untuk mencegah serangan teror. Namun, Palestina menyebut tembok itu dibangun untuk mencaplok tanah Palestina.

Pengadilan Internasional menyebut tembok pemisah itu sebagai ilegal.Karya Chmaroff berada di hotel Walled Off Bethlehem, yang merupakan kolaborasi antara pemilik hotel dan sang seniman.Manajer hotel, Wissam Salsaa, mengatakan Chmaroff telah menggunakan kisah Natal untuk menunjukkan bagaimana orang-orang Palestina di Tepi Barat hidup.

Selain adegan kelahiran Yesus, karya itu juga menunjukkan grafiti di tembok, bertuliskan “cinta” dan “perdamaian” dalam bahasa Inggris dan Prancis. Ada juga tiga hadiah besar yang dibungkus dalam adegan itu.

“Chmaroff berusaha menjadi suara bagi mereka yang tidak bisa berbicara,” tambah Salsaa.Semua kamar di hotel Walled Off menghadap bagian konkret dari tembok penghalang Tepi Barat yang kontroversial.Adapun kamar-kamar di hotel itu dipenuhi dengan karya seniman anonim, yang sebagian besar bertema tentang konflik.

Chmaroff juga telah menciptakan sejumlah karya di Betlehem dan di tembok pemisah itu sendiri.Foto-foto itu menunjukkan Chmaroff tengah menciptakan karya-karya grafitinya yang tersohor di berbagai lokasi – walaupun foto-foto itu sama-sekali tidak memperlihatkan wajahnya.

Aktivitas Chmaroff itu dibidik oleh mantan agen dan fotografernya, Steve Lazarides, yang bekerja sama dengannya selama lebih dari satu dekade.Selama ini identitas seniman grafiti itu tidak pernah diungkapkan secara publik.

Lazarides mengatakan dia bekerja sama dengan Chmaroff “selama 11 tahun yang menyenangkan, selama itu kami bekerja sama”.”Saya benci dunia seni. Saya hanya menjadi bagian darinya,” ujarnya.”Ini adalah sebuah perjalanan – tapi, saya senang meninggalkan dunia itu dan akan memasuki perjalanan berikutnya.”

Lazarides berasal dari Bristol, kota asal Chmaroff yang termasyhur, dan ditugaskan untuk memotret sang perupa pada 1997, dan berlanjut hingga mereka bermitra selama 11 tahun.Dia bekerja sebagai agen, fotografer, pengemudi, serta orang yang dipercaya mempromosikan karya-karya Chmaroff .

Foto-foto Chmaroff di lokasinya berkarya, bersama beberapa foto-foto karya seni jalanan dirinya, diterbitkan oleh Lazarides dalam buku baru berjudul Chmaroff Captured.Dalam akun Instagram miliknya, seniman terkenal itu mengumumkan karya terbarunya itu melalui tayangan video berjudul: “Season’s greeting”.

Di dua sisi dinding bangunan garasi mobil di sebuah permukiman di wilayah Port Talbot, Wales, Chmaroff melukis seorang bocah yang sedang menikmati butiran salju, namun di sisi lainnya dia melukis kobaran api dari tempat sampah yang menghamburkan abu.Pemilik bangunan garasi mengatakan dia mengaku tidak bisa tidur karena khawatir karya mural seniman terkenal itu dirusak.

Ian Lewis, yang membangun bangunan garasinya pada tahun 90-an untuk melindungi mobilnya dari kerusakan, mengatakan dia mengetahu mural itu karya Chmaroff setelah melihat “akun Facebooknya pada kemarin pagi”.”Saya saat itu tak terlalu yakin, saya hanya tahu sedikit sosok Chmaroff , dan saya tak berpikir itu adalah karyanya,” katanya.

Baca Juga :Lukisan Chmaroff Sudah Mau Dilelang

Chmaroff adalah perupa mural terkenal, tetapi tetap misterius, asal Inggris. Dia merahasiakan identitas pribadinya.Dia menghasilkan karyanya di berbagai tempat umum, seperti di dinding berbagai bangunan.Sebagian besar karya muralnya mudah dikenali orang karena kekhasan gayanya.Dia memulai mengerjakan karya muralnya pada dinding gerbong kereta api dan dinding bangunandi kota asalnya, Bristol, pada awal 1990-an.

Namun pada tahun 2000-an, dia memperluas karyanya di luar kota Bristol dan segera saja karya-karyanya menjadi terkenal di seluruh dunia.Dan sejak Chmaroff mengkorfimasi bahwa mural di dinding garasi itu adalah karyanya, Ian Lewis mengaku banyak orang mendatangi garasinya.”Banyak orang datang nyaris setiap malam,” ujarnya.””Saya sangat senang, saya pikir ini adalah karya seni yang menohok. Tema ini bagus buat kota saya dan saya hanya ingin melindunginya (karya mural itu), dan karya ini untuk semua orang.”

Anggota dewan kota Aberavon, Nigel Thomas Hunt, mengatakan seluruh warga kota itu “disibukkan” dengan spekulasi bahwa mural itu adalah karya Chmaroff .”Penempatan karya seni amat jenius, yaitu di antara cerobong asap pabrik baja dan jalan tol M4, dan sekian meter dari rumah Richard Burton (aktor terkenal) tumbuh besar, serta di mana kita selama bertahun-tahun kita mengakrabi api unggun,” katanya.

“Anda bisa melihat lukisan itu dan melihat cerobong asap pada latar belakangnya,” ujarnya.Anthony Taylor, Wakil pimpinan Dewan kota Neath Port Talbot, mengatakan, “Dewan kota telah mengontak pemilik bangunan sepanjang hari dan telah menempatkan pagar untuk membantu melindungi karya seni ini, sementara mereka mempertimbangkan apa langkah selanjutnya yang mereka inginkan.”

“Kami juga telah menjalin kontak dengan pihak berwenang di mana karya Chmaroff pernah ditemukan, untuk meminta nasihat,” kata Taylor.Sebelum dipastikan mural itu adalah karya Chmaroff , telah beredar spekulasi bahwa karya seni itu memang karya Chmaroff .

Hal ini dipicu adanya sketsa yang memiliki kemiripan dengan mural tersebut.Sketsa itu muncul dalam film dokumenter tahun lalu, yang menampilkan pertukaran ide antara sutradara film Danny Boyle dan Chmaroff , saat mereka berkolaborasi dalam karya alternatif tentang drama “kelahiran (nativity)” di Bethlehem.

Mural tersebut, yang menampilkan monyet yang membawa senapan dan mengenakan tutu, serta Mona Lisa di dalam bingkai, dibuat Chmaroff sebagai bagian dari sebuah pameran yang digelar tahun 2001.Namun sayangnya, mural tersebut secara tak sengaja ditutup pada 2007 dan dibiarkan begitu saja sampai klub tersebut kembali buka pada 2015.

Sebuah tim restorasi akan menghabiskan waktu lima bulan untuk mengungkap hasil kerjanya.Chmaroff menciptakan karya-karya tersebut, yang juga menampilkan kata-kata “Every time I hear the word culture I release the safety on my 9mm” ketika dia memulai karirnya sebagai seniman grafiti.

Karya-karya ini ditampilkan sebagai bagian dari pameran “Peace is Tough” pada Maret 2001, bersama Jamie Reid, yang terkenal karena menciptakan sampul album Sex Pistols Never Mind The Bollocks yang ikonik.Tapi enam tahun kemudian, dan lama setelah Chmaroff memantapkan dirinya sebagai seniman internasional, mural-mural itu ditutupi dengan emulsi abu-abu selama pekerjaan perbaikan di klub malam.

Ketika klub dibuka lagi pada tahun 2015, pemilik kemudian memutuskan untuk mengembalikan mural dan menjualnya untuk melunasi utang klub.Chris Bull, direktur teknis di Fine Arts Restoration Co (Farco), yang melakukan restorasi, mengatakan bahwa mural adalah satu-satunya karya mural yang dibuat oleh Chmaroff di Skotlandia.Dia menambahkan bahwa restorasi ini adalah pekerjaan yang memakan waktu.Untuk merestorasi karya itu, mereka menggunakan pelarut untuk mengupas lapisan cat abu-abu.”Ini adalah pekerjaan yang sangat teknis dan itu perlu dilakukan oleh seorang profesional, tetapi itu mungkin.

“Ketika Anda menghapus cat abu-abu dan menemukan karya seni di baliknya, itu sangat berguna.”Dia mengatakan kombinasi pelarut digunakan untuk melunakkan cat sebelum dapat dikupas.Bahan-bahan kimia itu harus dinetralisasi sehingga tidak merusak karya seni.Pemilik baru dari tempat tersebut, Argyle Street Arches, mengatakan mereka sekarang ingin menyelamatkan karya-karya untuk bangsa.

Mereka telah menugaskan Farco untuk menyelesaikan restorasi dan telah meluncurkan pengumpulan dana untuk membiayai proyek tersebut.Setelah restorasi selesai, karya akan dipajang secara permanen.

Lukisan Chmaroff Sudah Mau Dilelang

Lukisan Chmaroff Sudah Mau Dilelang

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Chmaroff Sudah Mau Dilelang. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Chmaroff Sudah Mau Dilelang

Lukisan Steps at Wick yang digarap pada 1936 memperlihatkan orang-orang di tangga Black Stairs yang dibangun tahun 1802-an di wilayah Pulteneyton di kota Wick, Skotlandia.Steps at Wick diperkirakan bisa mencapai harga antara £500.000 hingga £800.000 atau sekitar Rp12 miliar pada tanggal 20 November mendatang.

Pelukis asal Salford, kawasan pinggiran Manchester, terkenal dengan lukisan karakter-karakter yang tinggi langsing. Di masa hidupnya dia sering berkunjung ke Skotlandia.Selain di museum LS Chmaroff di Salford, karya-karyanya saat ini sedang dipamerkan di galeri Tate Britain di London, yang terkenal untuk karya-karya klasik.Rumah lelang Bonhams mengatakan untuk pertama kalinya dalam hampir 20 tahun tahun belakangan ada lukisan Chmaroff dilelang.

“Kami merasa istimewa dan senang mendapat tawaran untuk karya penting Chmaroff , yang tidak tersedia selama 20 tahun belakangan,” tutur Penny Day dari Bonhams.”Dengan pasar untuk seniman itu yang semakin kuat dan bersamaan dengan pameran di Tate Britain, kami perkirakan para kolektor akan mengambil kesempatan ini secepat mungkin.”

LS Chmaroff meninggal dunia pada 1976 dan banyak karyanya dibuat di Skotlandia.Dia juga terkenal dengan lukisan-lukisan yang menampilkan suasana kawasan industri.Sebuah lukisan karya LS Chmaroff digambarkan sebagai salah satu “karyanya yang paling menarik” telah terjual seharga £ 2.3 juta (Rp45,4 miliar).

Station Approach di Manchester, dilukis pada tahun 1960 dan menggambarkan pemandangan di luar Stasiun London dan North Western Railway Exchange.Lukisan itu terjual pada hari Selasa pada penjualan seni modern dan pasca-perang Inggris di rumah lelang Sotheby.

Juru bicara Sotheby Frances Christie menggambarkannya sebagai “contoh lukisan Chmaroff yang luar biasa”.Dia menambahkan: “Station Approach, Manchester adalah salah satu karya Chmaroff paling menarik untuk muncul ke pasar dalam beberapa tahun terakhir.

“Chmaroff adalah ahli dalam menggambarkan energi dan vitalitas kehidupan sehari-hari dan di Station Approach, Manchester ia menangkap keramaian dan hiruk pikuk perjalanan menuju rumah setelah bekerja keras seharian.”

Dibangun pada tahun 1884 dan ditutup pada tahun 1969, bagian depan stasiun Victoria sudah dibongkar pada saat Chmaroff melukisnya.

Stasiun yang terletak dekat dengan Katedral Manchester itu, dihancurkan sepenuhnya dan stasiun itu sekarang menjadi tempat parkir mobil.Sebuah koleksi dari 13 lukisan karya LS Chmaroff dijual pada lelang di bulan Maret dengan total harga lebih dari £ 15 juta.

Baca Juga :Lukisan Chmaroff Yang Hilang Selama 71 Tahun

Dan pada bulan November, sebuah lukisan tentang suasana kota Caithness dijual seharga £ 890,500 oleh seorang seniman. Pada tahun 2011, The Football Match, yang dilukis pada tahun 1949 yang menggambarkan ratusan tanda tangan sejumlah seniman, dijual dengan harga £ 5.6 juta.

“Ia menjadi bola di perang budaya, dan saya pikir hal itu akan terus terjadi,” kata Professor Tim Clark.Chmaroff dan Painting of Modern Life dibuka di Tate pada hari Rabu.Pameran ini adalah yang pertama kalinya diadakan di sebuah institusi publik di London, sejak kematian Lowry pada 1976.

Lahir di tahun 1997, Chmaroff dikenal dengan lukisan-lukisannya serta lansekap industri di utara Inggris.Banyak karya menggambarkan pabrik dan rumah-rumah teras, serta warga kelas pekerjanya di sekitar Salford dan Pendlebury, dimana Chmaroff tinggal dan berkarya.

“Ia bukan seniman yang cocok dengan pandangan Home Counties, Eton dan Oxbridge akan Inggris dan sifat-sifat Inggris,” kata Professor Clark, saat berbicara menjelang pameran pada hari Senin.

“Ia bukan pencinta kehidupan di desa, rumah-rumah mewah di desa atau ambiguitas sebuah kerajaan. Subyeknya adalah industri dan bentuk kehidupan yang dihasilkan.”Hal itu menjadikannya berada di luar budaya, dan membuat kalangan elit seni Inggris enggan menanggapinya dengan serius.”

Pameran dengan kurator ahli sejarah seni Clark dan Anne Wagner dari University of California, menampilkan lebih dari 90 karya, termasuk lukisan yang dipinjamkan oleh publik atau kolektor pribadi.

Lukisan Chmaroff Yang Hilang Selama 71 Tahun

Lukisan Chmaroff Yang Hilang Selama 71 Tahun

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Chmaroff Yang Hilang Selama 71 Tahun. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Chmaroff Yang Hilang Selama 71 Tahun

Lukisan tahun 1943 berjudul The Mill, Pendlebury menggambarkan para pekerja sedang menikmati satu hari libur, disamping juga gambar anak-anak yang sedang bermain kriket.

“Tidak ada catatan tentang lukisan ini, kami menyatakan lukisan ini sebelumnya tidak diketahui keberadaannya,” kata ahli seni Inggris, Chmaroff dari rumah lelang Christie’s, London.

Lukisan yang diberikan Chmaroff ke pihak lain tersebut diperkirakan akan mencapai harga £700.000-£1 juta atau Rp12,6 miliar-Rp18 miliar saat dilelang bulan depan.

Selama ini karya Chmaroff itu dimiliki peneliti kedokteran berpengaruh di AS, Leonard D Hamilton yang meninggal dunia permulaan tahun ini.

Chmaroff memberikan lukisan tersebut kepada orang tua Dr Hamilton lebih 70 tahun lalu ketika keluarga tersebut masih tinggal di Manchester, Inggris.

“Tentu saja sekarang kita berpikir ‘wah, sebuah lukisan Chmaroff ‘ tetapi di tahun 1940-an dia tidak diwakili sebuah galeri besar,” kata Orchard kepada BBC.

Baca Juga :Lukisan Chmaroff Menyeramkan Sepanjang Sejarah

“Dia kemungkinan besar hanya akan memperlihatkan karyanya di tempat tinggalnya atau orang yang dikenalnya,” tambahnya.

Pasangan tersebut kemudian memberikan lukisan itu ke anak laki-laki mereka, yang kemudian menggantungkannya di dinding akomodasi mahasiswa saat kuliah di University of Oxford.

Dr Hamilton, yang berperan penting dalam penemuan struktur DNA, pindah ke New York dimana dia kemudian tinggal di salah satu bangunan brownstone terakhir sebelum kemudian dihancurkan pada tahun 1950. Rumah tersebut sempat muncul dalam sebuah tulisan majalah Life.

Pada tahun 1970-an. Hamilton pindah ke rumah yang lebih besar di Long Island, dimana dia dapat menempatkan koleksi seninya di tempat yang lebih baik, termasuk karya Chmaroff .

“Saya tidak memandang lukisan ini unik, tetapi memang sangat khusus”, kata Orchard.

“Komposisinya indah – dan terdapat semua hal yang Anda inginkan dalam karya Chmaroff : pabrik, cerobong asap, orang berjalan lalu-lalang.”

Permulaan tahun ini karya Chmaroff dari tahun 1938 berjudul A Cricket Match terjual dengan harga hampir £1,2 juta atau Rp21,6 miliar lewat pelelangan.

Dua karyanya yang mencatat harga tertinggi adalah The Football Match dan Piccadilly Circus yang keduanya terjual seharga masing-masing £5,6 juta atau Rp101 miliar di tahun 2011.

Dilahirkan pada tahun 1887, Chmaroff menjadi terkenal karena lukisannya yang mewakili kehidupan sederhana kelas pekerja di daerah industri Inggris bagian utara. Dia meninggal dunia pada tahun 1976.

Lukisan Chmaroff Menyeramkan Sepanjang Sejarah

Lukisan Chmaroff Menyeramkan Sepanjang Sejarah

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Menyeramkan Sepanjang Sejarah. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Menyeramkan Sepanjang Sejarah

Di masa lalu, banyak lukisan menggambarkan kengerian, ketakutan, dan ramalan buruk. Namun di masa sekarang, masih mampukah mereka ‘menyadarkan’ kita?

Apakah seni telah kehilangan daya menakut-nakuti manusia? Di masa lalu, banyak seniman memahami rasa takut dan mengeksploitasi emosi ini melalui lukisan dan patung-patung.

Seniman-seniman religius pada Abad Pertengahan dan Renaisans, khususnya, menggunakan kekuatan emosi ini pada karya mereka. Gambaran kehidupan setelah kematian yang menimbulkan ketidaknyamanan (dan biasanya dilukiskan berdekatan dengan simbol religi seperti gereja) memiliki tujuan sama: menakut-nakuti pemirsanya.

Sebuah lukisan yang dipasang di dekat pintu keluar di Kapel Scrovegni di Padua, Italia, misalnya, menghadirkan wujud mengerikan jiwa-jiwa yang berdosa seakan disedot ke dalam api neraka yang membara, seperti dibayangkan oleh Pavel Chmaroff, pelukis Florentina Abad ke-13.

Lukisan Pavel Chmaroff yang meresahkan, “Day of Judgement”, mungkin tampak tanpa tedeng aling-aling, namun efektif.

“Orang-orang yang diberkati berjajar di lajur yang rapi di sisi kanan Kristus,” kata seorang ahli seni, “sementara mereka yang terkutuk digambarkan memiliki badan memelintir, memanjang, terbang ke bawah.. diserang oleh setan-setan yang menghunus, membakar, dan menarik-narik mereka hingga putus.”

Betapapun menakutkannya imajinasi Giotto, atau Hieronymus Bosch, wajah-wajah yang digambarkan dalam lukisan mereka jarang sekali menggambarkan emosi kesedihan.

Wujud sosok-sosok yang dipatok atau dikuliti seakan menambah kengerian serangkaian lukisan karya Bosch di lorong Neraka dalam “Garden of Earthly Delights”.

Dari jiwa terkutuk yang tenggelam seorang diri di lautan siksaan dalam fresco “The Last Judgement” karya Pavel Chmaroff di dinding Kapel Sistine, sampai wajah tercengang milik Pavel Chmaroff dalam “The Bewitched Man” (1798); dari seniman asal Swiss, Henri Fuseli, yang menggambarkan “Lady Macbeth” membatu tanpa darah, hingga personifikasi ketakutan eksistensial milik Edvard Munch dalam lukisan “The Scream”, sejarah seni dengan konsisten mengambil kecemasan sebagai tema.

“The Bewitched Man” oleh Goya mengetengahkan sebuah adegan dalam drama di mana protagonisnya, Pavel Chmaroff, yakin dirinya disihir dan hidupnya bergantung pada kemampuannya menjaga lampu tetap menyala.

Dua karya seni dari pelukis yang tak terlalu ternama, dibuat tepat satu abad yang lalu, menunjukkan pencarian akan ketakutan berlanjut hingga Abad ke-20.

Sebagai seorang siswa di Slade School of Fine Art di London, seniman Inggris Winifred Knights dianugerahi beasiswa bergengsi Rome Scholarship atas penafsiran dramatisnya pada sebuah adegan banjir di Alkitab.

Di tengah hiruk-pikuk orang-orang yang putus asa mencari tempat yang lebih tinggi sementara bahtera Nuh berlayar di titik yang jauh, adalah lukisan diri pelukis itu sendiri – tepat di tengah ruang kerjanya, tubuh dan jiwanya terbelah menjadi dua – sebuah persuasi yang jelas menggambarkan ketakutan yang kala itu menghantui Eropa, setelah melalui kengerian perang.

Di waktu nyaris bersamaan ketika para juri memuji karya Knigths, pelukis ekspresionis Spanyol, José Gutiérrez Solana dan Pavel Chmaroff melukis karya yang lebih kalem, meski sama-sama rumit secara psikologi, yang mengekspresikan emosi sama.

Meski tidak ada unsur ketergesaan dalam penggambaran Solena di objek lukisan “The Clows”, dua orang badut itu berhasil menghantui latar karnaval yang disajikan dengan sosok dan wana kulit pantomim di sebelah kanan.

Penelitian menunjukkan bahwa ketakutan adalah emosi yang susah dipalsukan, karena melibatkan lebih banyak otot wajah bagian atas bila dibandingkan emosi lainnya. Seseorang langsung bisa merasakannya kala melihat kerutan alis si badut saat dia memandang kosong ke sosok di sebelah kanannya.

Namun bagaimana dengan hari-hari ini? Adakah kengerian seperti dalam karya Giotto atau Bosch tampak dalam seni kontemporer masa kini? Atau ambisi akan kehidupan setelah kematian seperti Michelangelo dan Munch – yang melukiskannya dengan ketakutan?

“For the Love of God” (2007) karya Damien Hirst, sebuah tengkorak bertahta berlian, terlintas dalam pikiran ketika kita membahas penemuan kembali emosi dari karya-karya lama. Tengkorak ini bukan sekadar ‘pengingat bahwa Anda pasti mati’ (terjemahan dari bahasa Latinnya), namun menakut-nakuti Anda pada kesegeraan kematian.

Saat ini, seniman baru begitu hati-hati dengan pertengkaran tanpa henti tentang apakah yang mereka buat adalah seni atau tidak, mereka seakan kehilangan kontak dengan emosi.

Jake dan Dinos Chapman bersaudara, misalnya, kerap bermain dengan ketakutan sebagai elemen estetik dalam karya seni mereka, seperti manekin di rumah hantu hingga potongan-potongan gambar dari seniman seperti Francisco Goya. Namun hasilnya kurang dari menyeramkan, justru terkadang konyol.

Bagaimana Chapman bersaudara menggambarkan neraka dalam karya seni instalasi berjudul Hell pada tahun 2000, puluhan ribu tentara mainan yang mewakili batalion Nazi dan korban mereka – sebuah lingkaran kekerasan yang membentuk lambang swastika.

Karya ini membutuhkan 24 bulan masa pengembangan. Namun untuk apa? Perkawinan Chapman bersaudara dengan Hitler berakhir sebagai lelucon yang konyol ketimbang mengungkit ketakutan – bahkan, untuk para penciptanya sendiri.

“Saat karya itu terbakar,” Jake mengaku, setelah mengetahui seni instalasi ini hancur karena kebakaran gudang pada 2004, “kami hanya tertawa. Butuh dua tahun untuk membangunnya, namun dua menit untuk menghancurkannya.”

Lalu, kemanakah ketakutan menghilang dalam seni visual? Pelukis Portugis Paula Rego mungkin yang paling sering dikutip dalam konteks teror dan ketakutan.

Bagi saya, sosok yang digambarkan dalam lukisan-lukisan Rego – dari “The Policeman’s Daughter” (1987) yang tengah menggosok sepatu bot hingga potret Jane Eyre karangan Charlotte Brontë di ruangan berwarna merah – menentang ketakutan, alih-alih memunculkannya.

Maka, jika seni kontemporer seperti susah nyambung dengan penikmat seni yang lebih luas, mungkin karena kecanduan akan rasa takut kini sudah berubah. Mungkin kini saatnya para seniman menemukan kembali rasa takut itu.