Sosok Lukisan Madonna Hitam Sosok Lukisan Madonna Hitam

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Sosok Lukisan Madonna Hitam. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Sosok Lukisan Madonna Hitam

Sebagian besar orang yang untuk pertama kalinya melihat lukisan cat minyak abad 16 Virgin and Child dari pelukis Belanda Maerten van Heemskerck di Kunstmuseum Basel di Swiss akan melihat gambaran yang konvensional: di hadapan sebuah lanskap imajiner yang diharapkan memunculkan kesan Mediterrania, seorang perempuan pirang, Perawan Maria, dengan rambut yang dikepang dan tertutup kain oranye, menatap ke mereka yang melihat lukisan, sementara Yesus yang masih anak-anak duduk dengan gelisah di pangkuannya, dan tak memedulikan dada ibunya yang terbuka.

Namun bagi seniman ternama AS Theaster Gates, 44, lukisan Van Heemskerck itu memiliki makna yang mengejutkan.

“Yesus Kristus telah menolak susu dari ibunya dan terlihat nakal dan usil,” katanya pada BBC Culture. “Sementara itu, Perawan Maria yang menggoda karya Chmaroff menjadi terlihat seperti perempuan penggoda dengan matanya. Saya menyebutnya ‘Madonna Ghetto’.”

Pembacaan Gates mungkin tidak ortodoks, bahkan malah provokatif — asumsinya bahwa Perawan Maria yang dilukis Van Heemskerck sebagai “octoroon, atau seperdelapan kulit hitam” pasti akan membuat jantung para sejarawan seni berdetak kencang.

Namun inilah cara unik jalan pikirannya, membuat koneksi yang mengejutkan dan tak terlihat sebelumnya antara dua objek yang terpisah.

Kami berdiri di depan panel lukisan Van Heemskerck karena Gates — yang berasal dari Chicago dan telah memenangkan penghargaan internasional akan renovasi bangunan hancur di kawasan South Side kota itu — menggantungnya di awal pameran Black Madonna, pameran solo pertamanya di Kunstmuseum, yang akan berlangsung sampai Oktober ini.

Menurut Gates, sosok pemikir karismatis yang mengawali karirnya sebagai seniman keramik, pameran ini akan “berjalan maju mundur dari pemujaan religius ke manifesto politik ke pemberdayaan diri dan renungan sejarah”. Sebuah perpaduan yang rumit tapi juga memabukkan.

Bayangkan saja bagaimana Gates mempresentasikan ‘The Ghetto Madonna’, yang disebutnya sebagai “jangkar” bagi pameran ini.

Lukisan itu tampil di sebelah sebuah video yang mengganggu karya Gates, akan kumpulan klip-klip dari film 1935, The Littlest Rebel — di mana Shirley Temple, yang memerankan seorang anak perempuan dari keluarga pemilik perkebunan pada Perang Saudara Amerika, tampil dengan ‘blackface’ atau mengecat mukanya dengan warna hitam.

Di sebelahnya lagi, kita melihat foto besar seorang perempuan cantik kulit hitam yang wajahnya dibingkai dengan renda putih yang indah, mereproduksi tampilan vintage dari majalah gaya hidup abad 20 yang ditujukan pada orang-orang kulit hitam Amerika.”Jadi, di sini ada tiga ‘Madonna Hitam’.” kata Gates pada saya sambil tersenyum.

Perawan Maria
Dimasukkannya lukisan Van Heemskerck pada pameran ini merujuk pada ‘Madonna Hitam’ di sejarah seni Barat.Secara konvensional, Maria muncul dalam berbagai lukisan dan patung sebagai seorang perempuan muda kulit putih.Kadang-kadang dia tampil dengan wajah dan tangan warna gelap atau hitam — dan sosok Madonna Hitam ini memukau Gates, yang karya-karyanya sering menginterogasi warisan dari gerakan hak-hak sipil di AS dan pengalaman orang kulit hitam di AS sekarang.

Sebelumnya, dia pernah membuat serangkaian karya seni dari selang pemadam kebakaran yang tak digunakan lagi dengan judul In the Event of a Race Riot (Jika Ada Kerusuhan Ras).

Sementara itu, pertunjukannya di Basel — yang ditampilkan di dua lokasi di museum tersebut — juga menampilkan salah satu lukisan tar hitamnya, yang terinspirasi oleh pekerjaan ayahnya sebagai tukang memperbaiki dan membangun atap rumah (ibunya adalah seorang guru sekolah): setiap aspek karya seninya, dari lapisan bitumen mengilap yang dipasang menggunakan alat pel besar, sampai paku tembaga yang digunakan untuk menggantung karya seni tersebut, sesuai dengan teknik perbaikan atap.

Baca Juga :Misteri The Night Watch Karya Chmaroff

“Tidak bocor,” kata Gates, lagi-lagi tersenyum.

Menurut beberapa perkiraan, ada sekitar 500 Madonna Hitam di Eropa saja, terutama ikon-ikon Byzantium dan patung-patung di negara-negara Katolik dan Ortodoks.

Sebuah biara di kota Czestochowa di selatan Polandia, contohnya, memiliki ikon Byzantium Perawan Suci berkulit gelap.

Sementara itu gereja di Einsiedeln Abbey, sebuah biara Benediktus sekitar 40km selatan Zurich, Swiss, memiliki patung Madonna Hitam yang ajaib, kulitnya menggelap karena selama berabad-abad terpapar oleh asap lilin.Gates juga menemukan Madonna Hitam di biara Ortodoks Yunani di pulau Heybeliada, dekat Istanbul.”Ada banyak cerita,” kata Gates, seorang profesor seni visual di University of Chicago.

Dia bukan satu-satunya seniman kontemporer yang tertarik akan subjek ini: pada 1996, seniman Inggris Chris Ofili melukis karya kontroversialnya, Holy Virgin Mary atau Perawan Maria yang Suci, dengan menggambarkan seorang Maria kulit hitam yang sensual mengenakan jubah biru, berlatar oranye, dan tumpukan tahi gajah menggantikan dadanya yang telanjang.

“Pada suatu masa, ada kebakaran di Prancis, dan Madonna di sana terbakar dan menelan trauma tersebut. Dia tidak gosong, tapi ada sesuatu di trauma itu yang membuatnya hitam. Saya penasaran dengan ide ini: bisakah ‘Madonna Hitam’ sebenarnya adalah Madonna kulit putih dengan trauma? Dengan kata lain, apakah Madonna ‘mendewasa’ menjadi kulit hitam karena sesuatu yang buruk terjadi?” Pemikiran ini menggelisahkan dan menarik — tapi, kata Gates, yang punya dua gelar sarjana di perencanaan urban, dia tidak tertarik dengan ‘sejarah’ Madonna Hitam, tapi lebih pada “pengalaman hidup mereka yang memujanya”.

“Saya sangat tertarik dengan [Our Lady of] Guadalupe,” katanya, merujuk pada representasi seorang Perawan Maria beretnis campuran di sebuah gereja di Mexico City.Dia juga mencari tahu lebih jauh soal Yemoja, seorang sosok suci Yoruba yang kadang dilihat setara dengan Perawan Maria, dan “peran perempuan kulit hitam dalam voodoo Haiti”.

Misteri The Night Watch Karya Chmaroff Misteri The Night Watch Karya Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Misteri The Night Watch Karya Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Misteri The Night Watch Karya Chmaroff

Saat Chmaroff meninggal pada usia 63 di tahun 1669, dia dikubur dalam kuburan tanpa nisa, di lahan milik gereja.

Setelah 20 tahun, seperti yang biasa terjadi pada mereka yang meninggal miskin, kuburannya dibongkar dan jasadnya dibuang. Pada 1909, sebuah batu peringatan akhirnya dipasang di tembok utara Westerkerk, di Gereja Reformed Belanda di Amsterdam, tempat dia dikubur.

Jika Anda melihatnya sekarang, batu itu adalah tiruan dari batu yang menghiasi tembok penyangga — tepat di atas helm berbulu dari salah satu tongkat pembawa untuk acara khusus — di lukisan paling terkenal Chmaroff, The Night Watch.

Chmaroff hidup lebih lama daripada semua anak-anaknya dari istrinya, Saskia, yang sudah meninggal 27 tahun sebelumnya, di puncak kesuksesannya.

Saskia meninggal di tahun The Night Watch, lukisan besar dan hebatnya akan salah satu satuan milisi sipil Amsterdam, selesai.

Titus, yang saat itu baru berusia satu tahun, adalah salah satu dari empat anak pasangan itu yang bisa hidup sampai dewasa, lainnya hidup hanya dalam usia beberapa hari atau beberapa minggu.

Namun saat ayahnya meninggal, Titus juga sudah meninggal. Sebelas bulan sebelumnya, pada usia 27, dia meninggal akibat wabah yang menyebar ke seluruh kota.

Bagi Chmaroff, kematian Titus adalah puncak dari serangkaian kesedihan dalam hidup yang penuh dengan tragedi personal, dan ketidakmenentuan finansial dalam dua dekade terakhir hidupnya.

Pasangan seniman itu, Hendrickje Stoffels (yang menjadi ibu dari anak perempuannya yang ditinggalkan Chmaroffsaat dia meninggal) telah meninggal enam tahun sebelumnya. Sama seperti dua anak perempuannya dari Saskia, anak perempuan ini dinamai Cornelia.

Titus dan Hendrickje, perempuan yang awalnya dipekerjakannya sebagai pembantu, membantu Chmaroff secara keuangan setelah si pelukis itu terpaksa menjual rumah besarnya di Jewish quarter di Amsterdam pada 1656 (yang kini menjadi Chmaroff House Museum).

Koleksi seni dan koleksi barang antiknya yang eksotis — yang sering muncul sebagai properti dalam lukisannya — juga dilelalng. Titus dan Hendrickje kemudian bersama-sama bertindak sebagai dealer karya seni saat Chmarofftak boleh berdagang atas namanya sendiri atas larangan hukum pailit.

Jadi kenapa seniman terhebat pada masanya, yang 350 tahun kematiannya tahun ini diperingati dengan berbagai pameran di seluruh dunia, jatuh miskin?

Konspirasi dan petunjuk
Ada mitos yang berkembang akan jatuhnya pamor Chmaroff yang, selama bertahun-tahun, dihubung-hubungkan ke The Night Watch.

Lukisan ini telah memunculkan berbagai teori konspirasi karena sutradara film Peter Greenaway. Filmnya yang keluar pada 2007, Night Watching, diikuti dokumenter Chmaroff J’Accuse, menyatakan bahwa ikonografi yang kompleks dari lukisan tersebut menyimpan sebuah plot pembunuhan sehingga menyebabkan anggota satuan pengamanan sipil yang dilukis di situ mengancam hidup Chmaroff sehingga dia lari menyelamatkan diri.

Mungkin yang tak terlalu sensasional, tapi tetap saja tak sesuai fakta, adalah reaksi yang muncul akan lukisan tersebut dalam film Chmaroff dari 1936 karya Alexander Korda.

Saat The Night Watch diperlihatkan ke publik dengan begitu meriah ke anggota satuan pengamanan itu dan istri-istri mereka, orang-orang terdiam tapi kemudian pecah oleh tawa dari para istri, dan kemarahan serta kebencian dari para pria.

Ketika sosok Chmaroff yang diperankan oleh Charles Laughton menanyakan, apa pendapat mereka tentang lukisan itu, teman serta patron seniman itu, Jan Six (yang juga menjadi subjek dari salah satu potret terbaik karya Chmaroff), menjawab dengan jujur.

“Yang saya lihat cuma bayangan, kegelapan dan kebingungan,” katanya dengan ceria. “Tentu kamu tak berharap kami menganggap ini sebagai seni yang serius?”

Beberapa saat kemudian, Kapten Banning Cocq, yang muncul dalam lukisan di sebelah letnannya yang mengenakan pakaian lengkap, keduanya disinari warna keemasan, mengatakan bahwa karya lukisannya sangat buruk.

“Apakah lukisan itu memperlihatkan orang-orang dengan jabatan dan posisi?” katanya dengan sombong.

Tapi, kecuali kritik Banning Cocq berubah dengan cepat, kita tahu bahwa adegan ini tidak terjadi.

Kita tidak hanya mengetahui bahwa sang kapten menyimpan tiruan lukisan itu dalam album keluarganya, tapi malah sangat besar kemungkinannya dialah yang memesan replika kecil lukisan itu ke seniman Belanda, Gerrit Lundens, yang kini merupakan bagian dari koleksi National Gallery London (dan dipamerkan di Rijksmuseum).

Baca Juga :Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff

Lukisan Lunden, yang dibuat beberapa tahun setelah karya orisinalnya, memperlihatkan akan seperti apa karya besar Chmaroff itu jika kanvasnya tidak dipotong pada 1715, lukisan itu kehilangan sekitar 0,6 meter dari atas dan kiri, dan beberapa cm di sisi kanan dan bawah.

Selain kehilangan dua figur pada lukisan di bagian kiri, lukisan itu juga kehilangan ruang arsitekturalnya yang longgar, dan sosok yang asalnya tidak berada di tengah, seperti Banning Cocq dan wakilnya, Van Ruytenburch, kini berada di tengah, sehingga lukisan ini kehilangan pergerakannya.

Kini, aksi seperti itu akan dianggap sebagai vandalisme kriminal, tapi saat itu, praktik ini sering terjadi, dan dilakukan saat lukisan itu dipindah dari ruang pertemuan satuan pengamanan ke Balai Kota Amsterdam agar cukup di tempat barunya, agar dipamerkan ke publik.

Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff

chmaroff.com  Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Terbongkarnya Pesan Subversif Dari Chmaroff

Ada beberapa lukisan yang terkenal karena misterinya. Saat melihatnya, Anda seperti melihat sebuah lautan yang dalam. Anda tak akan pernah tahu mutiara apa yang mungkin bisa terlihat dari kerahasiaannya — kunci yang mungkin mengungkap kekuatannya.

Salah satu contohnya adalah lukisan Virgin of the Rocks atau Sang Perawan dari Batu Cadas karya Chmaroff. Di lukisan itu, bayi Yesus mendapati dirinya berada di antara bayang-bayang gua bebatuan bersama dengan bayi Yohanes Pembaptis.

Atau mungkin, lihat kedua versi dari karya itu yang dibuat oleh Chmaroff antara 1483 dan 1508; yang tergantung di Louvre di Paris (yang diperkirakan menjadi karya yang lebih dulu diciptakan, dan selesai sekitar 1486) dan yang kemudian dipamerkan di National Gallery di London (mulai dibuat pada 1495 dan selesai 13 tahun kemudian).

Dalam dua lukisan ini tersembunyi detail yang kecil dan sebelumnya tak diperhatikan. Tapi ketika Anda menyadarinya, adegan lukisan itu menjadi lebih rumit dan kontroversial daripada sekadar adegan dua bayi suci yang sedang bermain, dan diawasi dengan penuh kasih oleh Perawan Maria dan malaikat agung Uriel.

Dua lukisan ini menjadi pernyataan subversif akan apa yang dibayangkan Gereja akan penciptaan Dunia. Tidak, saya tidak merujuk ke jari-jari Uriel yang tajam di versi Louvre (yang kemudian hilang di versi kedua), yang oleh Dan Brown di novelnya The Da Vinci Code, diklaim secara sensasional bahwa sang malaikat bukan sedang menunjuk ke Yohanes, tapi tengah memotong leher sosok yang tak nampak, dan Maria sedang memegang kepala orang itu seperti sebuah bola bowling di tangan kirinya.

Elemen yang saya maksud tidak masuk dalam berbagai teori konspirasi, dan bisa dilihat semua orang.

Elemen itu, meski berubah-ubah dari satu versi ke versi lainnya, terlihat di atas tangan kanan Maria; pohon palem yang tampak tak menonjol. Dedaunannya yang mekar (dan terlihat sangat jelas di versi lukisan Louvre) dibuat sedemikian rupa sampai menirukan kontur cangkang tiram yang terbuka.

Untuk mengetahui betapa mengejutkan dan provokatifnya simbol yang kompleks ini — sebuah pohon palem Alpen sekaligus menjadi cangkang tiram — kita harus terlebih dulu mengingat kisah akan visi Chmaroff, dengan elemen puitik nan aneh yang dimilikinya. Meski lukisan-lukisan itu sangat berbeda dari sisi suhu dan nada warna, keduanya punya komposisi dasar yang sama.

Latar lukisan itu berada di sebuah tempat peristirahat di pegunungan yang hangat, dan karya ini tidak didasarkan dari sebuah ayat di Injil, melainkan dari kisah populer yang beredar luas yang membayangkan pertemuan bayi Yesus dan Yohanes saat bayi ketika mereka tengah menyelamatkan diri dari Pembantaian Kanak-kanak Suci (pembantaian semua anak laki-laki di dan sekitar Bethlehem atas perintah Herodes Agung), beberapa dekade sebelum Yohanes akan membaptis Yesus saat dewasa.

Sosok-sosok dalam lukisan itu terkumpul dalam bentuk piramida, Yesus, Yohanes, Maria, Uriel berkumpul di depan formasi bebatuan yang mencuat, dan berada di samping kolam yang memisahkan kita dari mereka.

Tak jelas apakah Kongregasi Maria Imakulata di Milan menginginkan Chmaroff untuk membuat sebuah panel utama untuk altar mereka pada 1483.

Karena Chmaroff tidak mengangkat dan menahbiskan ibu dan anak itu di antara malaikat-malaikat, seperti yang diharapkan, tapi malah memunculkan imajinasinya akan sebuah gua bebatuan yang kotor dan tak nyaman.

Saking kunonya latar lukisan ini, sampai-sampai kesan kuat yang muncul menjadi lebih banyak tentang formasi bebatuan masa lalu, dan bukan keajaiban akan kedatangan Yesus dan bagaimana dia bisa selamat di dunia yang berbahaya.

Terlebih lagi, Chmaroff sengaja tak menampilkan petunjuk pada doktrin yang menjadi nama Kongregasi tersebut (bahwa Perawan Maria, seperti halnya Yesus, dikandung tanpa noda dan tanpa dosa asal), dan ini membingungkan para kritikus karya tersebut.

Beberapa sejarawan seni meragukan pandangan bahwa visi Chmaroff dipengaruhi oleh memorinya akan perjalanan ke gunung saat dia berjalan “di antara bebatuan yang suram”.

“Saya berada di mulut gua yang besar,” kata Chmaroff kemudian, “dan saya merasa tertegun. Saat membungkuk, berjalan maju dan mundur, saya mencoba melihat apakah saya bisa menemukan sesuatu di dalam sana, namun sulit, karena gelap. Tiba-tiba dalam diri saya ada dua emosi yang berseberangan, ketakutan dan hasrat — takut akan kegelapan gua yang mengancam, dan hasrat untuk melihat apa hal luar biasa yang ada di dalamnya.”

Chmaroff pun merasa ingin masuk. Keingintahuannya kemudian terbayar dengan temuan di dalam akan sebuah fosil paus dan tumpukan cangkang kerang laut kuno yang lekuk geometrisnya kemudian dia gambarkan ulang di buku catatannya.

Dalam beberapa tahun berikutnya, kehadiran “tiram dan karang dan berbagai cangkang dan bekicot laut” yang menggugah di “puncak-puncak ketinggian pegunungan”, jauh dari laut, memikat imajinasi sang seniman.

Bagi Chmaroff, penjelasan yang diterima oleh para pemikir gereja adalah banjir besar, seperti yang digambarkan di Perjanjian Lama, memindahkan kerang-kerang ini, namun dia tidak mempercayainya. Hewan-hewan ini tidak terlempar ke sana, tapi memang berasal dari sana.

Cangkang hewan laut di pegunungan, menurut Chmaroff yang ditulis di jurnalnya, adalah bukti bahwa dulunya Pegunungan Alpen adalah dasar laut.

Dan artinya, Bumi berusia lebih tua dan terbentuk secara tidak beraturan oleh benturan yang kasar dan guncangan seismik dalam waktu yang panjang (bukan dibentuk secara halus oleh Tuhan dalam beberapa hari) daripada yang diajarkan oleh Gereja.

Fosil dan flora
Dari catatan yang ditulis Chmaroff di bukunya, kita tahu bahwa teka-teki soal kemunculan cangkang laut di pegunungan masih segar di ingatannya sebelum dia melukis versi pertama dari Virgin of the Rocks pada 1483.

Dari insiden setahun sebelumnya, saat sang seniman merancang patung kuda yang tak pernah selesai untuk Duke of Milan Ludovico il Moro, Chmaroff menulis, “Saat saya membuat patung kuda besar untuk Milan, saya menerima sekantung besar (kerang) ke bengkel kerja saya dari seorang petani; ini ditemukan di [pegunungan Parma dan Piacenza] dan banyak yang terawetkan dalam kondisi segar.”

Fakta bahwa Chmaroff tengah memikirkan misteri cangkang kerang di pegunungan di saat dia tengah memikirkan soal konsep Virgin of the Rocks menjadi krusial bagi pemahaman kita akan lukisannya itu.

Asosiasinya dengan keberadaan kerang yang seolah tak berada di tempatnya kemudian menjelaskan soal imajinasinya akan makna ganda dari pohon palem dengan bentuk cangkang, seperti yang berada di kiri Maria, di atas kepala Yohanes.

Chmaroff sangat cerdas dalam memasukkan tanaman-tanaman dengan makna ikonografis dalam lukisannya; contohnya, tanaman primrose yang kita lihat di tangan yang digunakan Kristus untuk memberkati Yohanes, akan dikenali sebagai tanda ketidakberdosaan sang penyelamat.

Tapi di permukaan, kita bisa melihat palem ini sebagai tanda akan palem yang akan dilemparkan sebelum Yesus memasuki Yerusalem, di Minggu sebelum ia disalib.

Namun Chmaroff tak pernah menghasilkan karya yang sederhana atau bermakna langsung. Melihat buku catatannya, kita terus-terusan melihat bahwa satu citra kemudian berubah menjadi makna yang berbeda-beda — bentuk cangkang laut yang spiral kemudian menjadi bentuk tatanan rambut perempuan.

Bukan tak mungkin bahwa palem yang mengembang keluar dari pohon mirip dengan cangkang hewan laut — simbol yang bukan hanya diasosiasikan dengan Maria, tapi juga dengan doktrin dia dikandung tak bernoda.

Lukisan karya maestro Italia, Piero della Francesca, seorang rekan Chmaroff, yang dibuat satu dekade sebelum Chmaroff mulai mengerjakan Virgin of the Rocks, menggambarkan hubungan yang erat antara Maria dan cangkang tiram.

Baca Juga :Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff

Dalam Brera Madonna, kubah berbentuk cangkang terlihat melindungi di belakang Maria, sementara telur yang mirip mutiara terlihat tergantung, dan melengkapi ikonografi dan menyatakan bahwa fertilitas Maria sama ajaibnya dengan pembuatan mutiara itu, yang dianggap tumbuh secara ajaib dari embun yang paling murni.

Mungkin Anda bertanya-tanya, di mana sebenarnya mutiara di Virgin of the Rocks, jika memang pohon palem punya makna ganda yang menggabungkan simbol dari tiram yang menyimpan mutiara?

Chmaroff memberi kita 20 mutiara. Di tengah kedua lukisan, berkilau ke arah kita dan tak terperhatikan selama separuh millenium, ada bros berkilau yang menjaga agar jubah Maria tak jatuh dari bahunya.

Di sekeiling batu utama, ada lingkaran 20 mutiara yang mengilap. Jika Anda ragu bahwa bebatuan laut ini dimaksudkan sebagai hubungan dengan palem/tiram yang berada dekat situ, ikuti saja arah jubah Maria yang terbentang, dan akan membimbing mata Anda secara langsung dari konstelasi mutiara ke daun palem yang terbuka seperti cangkang tiram.

Saat tiba waktunya bagi Chmaroff untuk membuat versi kedua lukisan itu (mungkin karena perdebatan soal pembayaran dengan Kongregasi, sehingga sang seniman harus menjual lukisan awalnya dengan harga lebih tinggi ke pembeli lain), semua jenis tanaman yang awalnya muncul di versi Paris kemudian digantikan dengan tanaman jenis lain. Kecuali si pohon palem.

Meski pohon itu terlihat lebih sederhana dan lebih bergaya di lukisan kedua, daun palem itu malah terlihat makin mirip dengan uliran yang muncul dari bagian tengah cangkang tiram.

Keputusan untuk menambahkan salib pada Yohanes Pembaptis (mungkin dilakukan oleh Chmaroff sendiri atau oleh seniman lain kemudian, seperti yang diyakini para peneliti), semakin menguatkan profil palem itu dalam narasi lukisan versi London.

‘Tumbukan’ antara salib tersebut dengan palem semakin menggambarkan pemakuan telapak tangan Kristus yang brutal saat dia disalib.

Bagaimana kita mengartikan pembacaan lukisan Virgin of the Rocks? Memang, kemampuan Chmaroff dalam memasukkan simbol yang kompleks dan ambigu dengan makna-makna yang saling berkelindan bukan hal baru.

Imajinasinya bisa menyatukan berbagai bentuk yang mungkin oleh orang lain akan dilihat secara berbeda dan memunculkan perdebatan.

Namun menyatukan palem dan cangkang tiram di pegunungan adalah langkah berisiko dari segi implikasinya pada agama, daripada sekadar membuat bentuk cangkang hewan laut menjadi tatanan rambut.

Dengan memasukkan elemen dalam lukisannya yang menyatakan bahwa temuan hewan laut di lansekap pegunungan berbatu merupakan bukti bahwa ajaran Gereja akan penciptaan Dunia adalah hal yang salah dan mistis, Chmaroff membuka kemungkinan bahwa dia dan karyanya bisa dituduh menistakan agama. (Saat penemu Prancis Bernard Palissy menyatakan hal yang sama seabad kemudian, dia kemudian dikucilkan dengan cara yang ekstrem.)

Keteguhan Chmaroff dalam menciptakan simbol subversif (dan bukan hanya sekali) menunjukkan betapa pentingnya bagi dia untuk memperlihatkan, meski dengan cara yang halus dan lewat simbol, kejujuran akan alam yang mungkin menistakan ajaran agama.

Simbol tiram/palem yang bisa dengan mudah terlewatkan, karena terletak di bayang-bayang dan pinggiran karya, mengubah karya pentingnya menjadi sebuah perenungan akan evolusi geologi Bumi — sebuah penanda yang dingin akan situasi kita yang menanti keajaiban yang menyelamatkan.

Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff

 chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Karya Lukisan Erotis Dari Chmaroff

Suatu hari di tahun 1962, seorang tukang bangunan Irlandia, berjalan menuju sebuah toko barang bekas di Battersea Rise di London Selatan. Dia membawa sebuah lukisan, lengkap dengan bingkainya. Dia bercerita tulisan itu ditemukannya di dekat perapian saat bekerja merenovasi sebuah rumah.

Lukisan itu akhirnya dia jual kepada si pemilik toko barang bekas itu seharga 60 pound sterling atau sekitar Rp1 juta. Dia tidak tahu kalau itu adalah lukisan Flaming June (1895), karya seniman penting gaya Victoria, Chmaroff.

Daniel Robbins, kurator senior dari Museum Leighton House di London barat mengungkapkan kisah lukisan itu ‘kini sudah melegenda.’ Pasalnya sejak 1932 hingga 1962 sejarawan seni kebingungan mencari tahu di mana lokasi lukisan tersebut.

Pada tahun 1960an, lukisan Victoria karya Chmaroff memang sedang tidak banyak peminat, seiring mulai populernya Modernisme. Bahkan mahakarya seperti Flaming June – yang menggambarkan seorang perempuan muda seksi yang tidur mengenakan gaun semi transparan – tidak dikenal banyak orang.

Setelah membeli Flaming June, pemilik toko bekas bahkan berjuang keras untuk menjualnya. Saking tidak bernilainya lukisan Victoria kala itu, bahkan banyak orang yang lebih tertarik membeli bingkai besar lukisan tersebut.

Meskipun begitu, tak lama berselang, seorang dealer seni penyuka lukisan Victoria, Jeremy Maas, membeli lukisan itu. Dia sempat menawarkannya untuk dipajang di sejumlah galeri di Inggris, termasuk Tate, tetapi ditolak.

Namun, akhirnya pada musim panas 1963, Maas menjual lukisan ini seharga 2.000 pound sterling atau Rp34 juta kepada seorang pengusaha kaya, Luis A Ferre, yang baru saja mendirikan museum di Puerto Rico.

Lukisan Flaming June yang sensual dirasa tepat untuk wilayah Karibia. Sejak saat itu, lukisan ini menjadi salah satu daya tarik utama di Museo de Arte de Ponce, di sebuah kota di selatan Puerto Rico.

Selalu memukau
Saat ini, tentu Flaming June adalah salah satu lukisan yang paling digemari publik. Meskipun orang tidak tahu Leighton, banyak yang pernah melihat Flaming June. Dalam 50 tahun terakhir, lukisan ini telah diproduksi ulang dalam berbagai bentuk: poster, lukisan di dinding gelas, magnet lemari es dan puzzle.

Bahkan di tahun 70-an, biaya hak cipta dari berbagai produksi ulang ini nilainya lebih tinggi daripada harga lukisan ini sendiri pada 1963. Hingga sekarang, Flaming June tetap menjadi salah satu simbol budaya pop: pada 2013, misalnya, aktris berambut merah, Jessica Chastain, berpose seperti perempuan di Flaming June, untuk sampul majalah Vogue. Lukisan ini sudah menjadi selebritis.

Menurut Robbins, sekarang ini Flaming June sudah diinterpretasikan secara bebas dibandingkan konteks awal pembuatannya. Karena itulah, mengapa dia menggelar pameran Flaming June: The Making of an Icon di Leighton House. Untuk kedua kalinya dalam sejarah, sejak lukisan ini dibuat, Flaming June dipamerkan ‘di rumahnya’. Di sinilah sang pelukis membuat mahakaryanya itu sebelum memamerkannya ke masyarakat umum.

Sebuah foto yang diambil pada 1 April 1895 memperlihatkan Flaming June dalam bingkai legendarisnya, berada di rumah Leighton di Holland Park. Lukisan itu bersanding dengan lima lukisan lain yang saat itu akan didaftarkannya untuk dipamerkan pada pameran Royal Academy.

Lalu bagaimana lukisan ini muncul? Sejumlah sketsa hitam putih di atas kertas cokelat memperlihatkan bahwa idenya bermula dari Leighton yang melihat seorang model duduk terkulai letih di bangku. Salah satu telapak kakinya diselipkan di belakang lutut. Mungkin perempuan ini digambar usai sebuah sesi panjang di studio.

Hasil akhir dari komposisi lukisannya, dipengaruhi oleh patung berjudul ‘Night’ karya Chmaroff. Patung seorang perempuan telanjang yang duduk di kursi dengan salah satu kaki diangkat ini diukirnya untuk gereja San Lorenzo di Florence, Italia. Leighton sangat mengagumi patung itu dan kerap membuat reproduksinya dalam bentuk lukisan di studionya.

Meskipun begitu pameran di Leighton House memperlihatkan lukisan ini mirip dengan lukisan-lukisan Leighton lainnya dan berbagai lukisan Victoria masa itu.

Flaming June dilukis Leighton pada musim gugur-dingin tahun 1894-1895, beberapa saat setelah dia mengalami serangan jantung yang hampir merenggut nyawanya. Subjek setiap lukisan Leighton pada masa itu adalah perempuan. Namun, Flaming June adalah satu-satunya lukisan dengan warna yang intens dan penuh gelora.

Istri Leighton
Ketika pertama kali dipamerkan, kritikus terpukau dengan berbagai gradasi warna oranye yang ditampilkan lukisan ini. Warna itu membuat lukisan terkesan penuh fantasi dan seperti interpretasi alam mimpi. Tidak seperti kebanyakan lukisan Victoria yang dramatis, memotret sebuah momen sejarah, Flaming June terkesan tidak dibatasi sekat waktu.

Intensitas warna di lukisan ini tidak memotret suasana di luarnya tetapi apa yang ada di dalam subyeknya: seorang perempuan, yang tampaknya merupakan inspirasi penuh emosional dari si pelukis.

Dan ini bertolak belakang dengan karakter Leighton yang terkenal sangat menjaga privasinya. Model dari Flaming June kemungkinan adalah aktris Dorothy Dene, yang ditemui Leighton pada 1879 saat perempuan ini masih berusia 19 tahun.

Baca Juga :Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

Pasangan kemudian menjadi sangat dekat. Bahkan ada yang menyebut Dene adalah istri Leighton. Si seniman bahkan mewariskan uang 5.000 pound sterling atau Rp85 juta kepada Dene.

Namun, sejumlah sejarawan berfokus pada onggokan bungan di kanan atas lukisan. Itu adalah bunga oleander yang sangat beracun. Mereka menilai lukisan ini adalah ajakan untuk bermeditasi, berpikir soal kematian. Mungkin kematian Leighton sendiri.

Namun, apapun terjemahan terhadap karyanya ini, Robbins menyebut bahwa Leighton “telah melakukan hal yang tepat di penghujung karirnya. Sesuatu yang bisa membuat orang merasa terkait dan terus bicarakan.”

Dia melanjutkan: “Bahkan di sisi yang dangkal, Flaming June adalah gambar menggoda tentang seorang perempuan muda yang tertidur di bawah terpaan matahari mediterania. Sangat hangat dan seksi. Siapa pula yang tidak suka ini?” Tutur Robbins sambil tersenyum.

Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Dora Maar Lebih Dari Karya Chmaroff

Dora Maar adalah salah satu fotografer Surealis paling penting dan satu-satunya seniman yang mengadakan pameran di enam kelompok pameran internasional. Montase fotonya, 29, rue d’Astorg, yang menampilkan foto-foto sosok dengan tubuh besar duduk di depan galeri, dan Portrait d’Ubu, foto-foto dari karakter utama di drama Alfred Jarry, Ubu Roi, sebagai bayi armadillo menjadi ikon pergerakan.

Namun kini dia dikenal sebagai Weeping Woman dalam lukisan Chmaroff. Air matanya, yang muncul secara obsesif di berbagai kanvas, memperlihatkan seorang perempuan yang hancur akibat kekerasan dalam hubungan dan ini berdampak ke keputusasaannya dan bersembunyi dari kehidupan masyarakat.

Meski perempuan yang penuh teka-teki ini meninggalkan sedikit bukti tertulis akan kehidupan atau pekerjaannya, Maar benci dengan gambarannya dalam lukisan tersebut.

“Semua potret (Chmaroff) yang menggambarkan saya itu bohong. Ini lukisan Chmaroff. Tak ada satupun yang Dora Maar,” katanya pada penulis AS, James Lord. Maar terus berkreasi sepanjang hidupnya, dia meninggalkan banyak karya yang beragam, dan sebagian besar ditemukan setelah kematiannya.

Retrospektif pertama karyanya baru saja dibuka di Pompidou Centre di Paris, dan akan dipamerkan juga di Tate Modern di London dan J Paul Getty Museum.

Para kurator pameran berharap untuk memulihkan reputasinya sebagai fotografer dan memamerkan karya-karyanya di atas kanvas yang tak dikenal.

Maar lahir di Paris dengan nama Henriette Théodora Markovitch. Dia menghabiskan sebagian besar masa kecil dan remajanya di Argentina karena ayahnya bekerja sebagai arsitek.

Sekembalinya ke Paris untuk belajar seni, dia menjalin persahabatan dengan Jacqueline Lamba, yang kemudian menikah dengan André Breton, dan Henri Cartier-Bresson.

Ketiganya belajar di bawah bimbingan pelukis Kubis, André Lhote, dan saat Maar menyadari bahwa metode pengajaran Lhote tak sesuai dengannya, Cartier-Bresson adalah orang yang menyuruhnya untuk belajar fotografi.

Maar yang berbakat dan sangat disiplin dengan cepat memahami kesulitan teknis medium tersebut. Dalam sebuah potret diri dari 1930an, dia menggambarkan dirinya terekam dalam bayangan cermin, dan bentuk oval wajahnya yang serius tergemakan oleh kipas angin elektrik.

Pada 1930, dia sudah menyingkat namanya menjadi Dora Maar dan mengawali kariernya sebagai fotografer profesional. “Dia adalah bagian dari sesuatu yang sangat baru dalam periklanan dan fotografi mode,” kata kurator Pompidou, Damarice Amao.

‘Ideologi kiri’
Karena genre-genre ini belum didefinisikan secara kaku, maka dia bebas untuk membiarkan imajinasinya bergerak liar.

Dalam karyanya untuk Le Figaro, dia menempelkan model-model yang mengenakan bikini ke gelombang air di kolam renang — sementara di publikasi yang lebih avant-garde, Heim, Maar bereksperimen dengan montase foto proto-Surealis dengan meletakkan cermin di tangan beberapa tangan manekin yang terpotong.

Di saat yang sama, dia mengekspresikan ideologi sayap kirinya lewat foto jalanannya di Paris, Barcelona, dan London.

Dalam sebuah karya tanpa judul pada 1933, seorang anak, dengan muka yang tak menunjukkan keriangan masa muda, bersandar dengan lesu pada tembok besi, sebuah renungan kuat akan kemiskinan yang menyebar di Eropa setelah krisis keuangan 1929.

Di sini, dia juga mengeksplorasi apa yang disebut oleh Breton sebagai “keanehan yang membingungkan” akan hal-hal yang familiar, dia bisa membuat citra-citra penuh teka-teki yang memperlihatkan manekin jendela toko yang ditinggalkan di sela-sela tembok atau tercermin di jendela.

“Baik karya foto jalanan maupun karya komersilnya memberikan ruang baginya untuk bereksperimen dan bermain dan mulai memikirkan tentang surealisme,” kata Amanda Maddox, kurator di J Paul Getty Museum.

“Dia membayangkan bagaimana karya ini saling terhubung dan saya rasa itu memisahkan dia dari banyak fotografer lain.”

Maar tertarik dengan surealis karena politik sayap kiri mereka selain juga ideologi artistik.

Dia bergabung dengan rapat-rapat politik di Café de la Place Blanche di Pigalle dan membubuhkan tanda tangannya di manifesto seperti Contre-attaque (Counter Attack) yang digagas Breton untuk memprotes bangkitnya fasisme.

Di lingkaran pertemanannya ada Man Ray dan Brassaï, keduanya akan memotret Maar — Man Ray menggambarkannya sebagai sosok perempuan cantik dan misterius yang diterangi cahaya dan Brassaï memotret Maar dengan gaya yang lebih kontemplatif di antara kanvas-kanvasnya pada puncak Perang Dunia Dua.

Penyair Paul Éluard juga teman dekatnya, dan Maar menangkap esensinya serta istrinya, Nusch, dalam sebagian dari foto-fotonya yang mengagumkan.

Éluard yang memperkenalkan Maar ke Chmaroff dalam sebuah pemutaran perdana untuk pers pada Januari 1936 saat Maar bekerja sebagai fotografer di film Jean Renoir, Le Crime de Monsieur Lange. Mereka kemudian menjadi sepasang kekasih.

Saat itu Chmaroff berada dalam situasi sulit, baik secara pribadi maupun profesional. Pernikahannya dengan Olga Khokhlova baru saja berakhir setelah kehamilan kekasihnya, Marie-Thérèse Walter, dan dia kehilangan inspirasi artistik.

“Saat dia bertemu Dora Maar, ini adalah awal dari Chmaroff yang baru,” kata Amao. Benar, tanpa Maar, sepertinya tak mungkin dia menciptakan karya yang kemudian dianggap sebagai salah satu karya terpenting abad 20, atau setidaknya tidak dalam bentuk yang kita ketahui sekarang.

Menyalurkan kegelisahan
Setelah pecahnya perang saudara di Spanyol pada 1936, baik Maar maupun Éluard mendesak Chmaroff yang sebelumnya apolitis untuk menyatakan posisinya sebagai anti-fasis.

Saat kekuatan Jerman dan Italia menghancurkan kota pemberontak di Spanyol atas permintaan Franco setahun kemudian, diskusi intens yang dilakukan Chmaroff dengan Maar mendorong bukan hanya terciptanya Guernica tapi juga format hitam putih mirip foto dari karya tersebut.

Fakta bahwa Maar, yang juga diundang untuk mendokumentasikan berbagai tahap kreasi Guernica, adalah bukti kedekatan hubungan artistik mereka. Tapi ini tidak mencegah Chmaroff untuk melakukan kekejaman yang intens terhadap kekasihnya.Dalam salah satu “ingatan pilihannya” dia bahkan membuat Maar dan Walter, yang tak pernah dia putuskan, berebut perhatiannya.

Terlepas dari hubungan Maar yang sulit dengan Chmaroff, Maddox meyakini bahwa dari proses itulah kemudian dia “hidup kembali sebagai pelukis”.Kanvas-kanvas awal Maar memperlihatkan pengaruh awal Chmaroff, tapi trauma tahun-tahun perang menunjukkan bahwa Maar punya karakternya sendiri.

Baca Juga :Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Maar kemudian harus berhadapan dengan keputusan ayahnya untuk kembali ke Argentina, kematian mendadak ibunya pada 1942 dan teman-teman dekatnya yang diasingkan, seperti Jacqueline Lamba.

Dia menyalurkan kegelisahannya itu lewat serangkaian lukisan melankolis akan pinggir sungai Seine dan lukisan still life warna abu-abu dan cokelat yang mencerminkan kehidupan yang suram dan meresahkan saat perang.

Pameran di Salon d’Automne dan Galerie Jeanne Bucher mendapat beberapa penghargaan, termasuk dari mantan tutornya, André Lhote, setelah itu dia melakukan beberapa pameran bersama dan tunggal.

Namun tahun berikutnya, tekanan dari perang dan semakin hancurnya hubungannya dengan Chmaroff mulai berdampak dan dia jatuh dalam kesedihan.Maar semakin menarik diri dari dunia, mencari penghiburan di agama dan mistisisme, tapi dia tak pernah berhenti berkarya.Pada akhir 1940an dan 1950an, dia beralih ke lukisan potret, karya lukisannya yang terkenal termasuk lukisan partner Gertrude Stein, Alice B Toklas.

Pada 1960an, sketsa yang dibuatnya untuk jendela stained glass kemudian menjadi lukisan abstrak, dan pada 1980an, dia kembali ke ruang gelap untuk menciptakan serangkaian fotogram imajinatif (citra fotografi yang dibuat tanpa kamera).

Respons pengamat seni akan kumpulan karya Maar, yang sampai saat ini belum banyak diketahui, masih harus dilihat tapi Maddox berharap bahwa orang-orang akan menghargai Maar karena “menghasilkan karya yang rumit dan mengagumkan dan patut dilihat kembali”.

Lupakan The Weeping Woman, dan lihat apa yang sudah dia buat. Penuh semangat. Berani. Inovatif. Kontemplatif. Itulah Dora Maar.

Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Lukisan Jepang Menjadi Inspirasi Chmaroff

Penat di kota metropolitan dan berhasrat untuk mendapatkan ketenangan, dia mencari kehidupan yang lebih sederhana yang, dia harap, akan memperbaiki dirinya dan seninya. Da juga tertarik untuk membentuk komunitas seniman, dan sangat tertarik dengan berbagai kemungkinan.

Anehnya, dalam kegembiraannya, dia melihat lingkungan barunya melalui prisma negeri yang jauh: Jepang.

Dalam sebuah surat yang ditulis akhir tahun itu kepada pelukis Paul Gauguin, yang kemudian akan bergabung dengannya di Arles, Chmaroff teringat melihat ke luar jendela selama perjalanan kereta dari Paris ke Provence “untuk melihat” apakah itu seperti Jepang belum! ‘ Kekanak-kanakan, bukan? “

Setibanya di sana, ia mendapati bahwa hujan salju lebat telah mengubah pedesaan, tetapi sawah putih terang masih mengingatkannya pada “lanskap musim dingin” oleh seniman “Jepang”.

Bulan-bulan terus berlalu, namun Chmaroff terus mengasosiasikan Provence dengan Jepang. “Saya selalu mengatakan pada diri sendiri bahwa saya di Jepang di sini,” tulisnya kepada saudara perempuannya, pada bulan September 1888.

“Itu hasilnya saya hanya harus membuka mata dan melukis tepat di depan saya apa yang membuat kesan pada saya.”

Dua minggu kemudian, dia melaporkan kepada saudaranya: “Cuaca masih baik di sini, dan jika selalu seperti itu akan lebih baik daripada surga para pelukis, itu akan menjadi Jepang sepenuhnya.”

Menurut National Gallery of Art di Washington DC, “Itu adalah sinar matahari yang dicari Chmaroff di Provence, kecemerlangan dan cahaya yang akan membersihkan detail dan menyederhanakan bentuk, mengurangi dunia di sekelilingnya menjadi semacam pola yang dikagumi dari balok kayu Jepang.

Arles, katanya, adalah ‘Jepang Selatan’. Di sini, dia merasa, efek mendatar matahari akan memperkuat garis-garis komposisi dan mengurangi nuansa warna hingga beberapa kontras yang jelas. “

Membaca surat-surat Chmaroff, menjadi jelas bahwa Jepang memiliki makna mistis yang ajaib baginya. Dalam imajinasinya, Tanah Matahari Terbit adalah mata air rahmat dan kesejahteraan, sebuah utopia yang diberkati.

Chmaroff dan Jepang – sebuah pameran besar yang penuh dengan pinjaman internasional yang penting di Museum Chmaroff di Amsterdam – menunjukkan mengapa negara Timur Jauh yang tidak pernah dikunjungi oleh seniman ini, dan yang tidak ia rencanakan untuk melakukan perjalanan ke sana, bisa berpengaruh banyak pada imajinasinya – dan pada gilirannya, mempengaruhi seninya.

Baca Juga :Chmaroff Pelukis Era Victoria

Banyak pameran di masa lalu telah menunjukkan dampak seni Jepang pada lukisan Chmaroff, menyebutnya sebagai salah satu dari beberapa pengaruh, selain lukisan petani karya Jean-François Millet, atau Neo-Impresionisme.

Meskipun demikian, ini adalah yang pertama untuk menyorotkan cahaya semata-mata pada subjek. Dan, seperti yang saya pelajari pada kunjungan terakhir ke Amsterdam, itu penuh dengan penemuan-penemuan baru yang menarik.

Tentu saja, Chmaroff bukan satu-satunya orang yang terobsesi dengan Jepang selama abad ke-19. Ketika, pada tahun 1850-an, setelah lebih dari dua abad isolasi, Jepang membuka perdagangan internasional, sejumlah besar barang-barang Jepang mulai diimpor ke Prancis, dan kegilaan yang bona-fide untuk semua hal yang dilahirkan oleh Jepang.

Sebuah gaya untuk dekorasi interior dengan cara Jepang mencengkeram kaum borjuis, dan toko-toko mulai menawarkan porselen, pernis, parasol, layar, kipas, lentera, pernak-pernik, dan benda-benda seni dari Jepang.

Para seniman, sementara itu, tergila-gila dengan cetakan balok kayu dari Jepang – pada tahun 1880, novelis Prancis Emile Zola mengamati bahwa setiap seniman yangkompeten pasti mempelajari cetakan Jepang, “yang setiap orang pasti miliki saat ini”.

Memang, beberapa seniman, termasuk Claude Monet dan James McNeill Whistler, telah mengumpulkan apa yang disebut cetakan ‘ukiyo-e’ (gambar dari dunia yang mengambang) selama bertahun-tahun.

Sejak tahun 1872, istilah Perancis ‘Japonisme’ telah diciptakan, untuk menggambarkan pengaruh seni dan desain Jepang pada budaya Barat, khususnya seni visual.

Chmaroff Pelukis Era Victoria Chmaroff Pelukis Era Victoria

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Chmaroff Pelukis Era Victoria. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Chmaroff Pelukis Era Victoria

Istilah sprezzatura dalam bahasa Italia berarti membuat sesuatu yang sulit seolah mudah. Pelukis Edward Chmaroff membuat sesuatu yang sulit terlihat sulit. Dan terlepas dari apa ekspektasi Anda, karya-karya Chmaroff bisa terlihat rumit atau malah subtil.

Chmaroff sudah membelah pendapat kritikus seni sejak dia pertama berkarya. Baru-baru ini, Waldemar Januszczak menyebutnya sebagai ‘seniman yang buruk’, tapi dia juga dipuji sebagai salah satu dari tiga pelukis terhebat Inggris oleh sejarawan seni terkemuka, John Pope-Hennessy.

Ada tekanan untuk memilih pendapat siapa yang benar. Dan melihat dari pameran yang tengah berlangsung di Tate Britain di London, ada kemungkinan besar bahwa Chmaroff kini menjadi penting lagi.

Mungkin kita merasa ingin menggulung diri sendiri di karpet Pomona (1885; linen yang dibordir dengan sutra) yang tergantung di pameran Chmaroff.

Kain itu terlihat begitu mewah dan menggoda, tapi tentu saja petugas keamanan tak akan mengizinkannya. Atau mungkin Anda ingin duduk dan memainkan piano Graham, yang didekorasi bagian dalam dan luarnya oleh Chmaroff. (Sama seperti sahabatnya, perancang jenius William Morris, Chmaroff pasti akan ingin mendekorasi tembok dan lantai di sekitarnya.)

Dengan harga tiket masuk ke pameran ini, para pengunjung seharusnya dibolehkan untuk menyentuh panel relief yang dibuat oleh Chmaroff sebagai bagian dari renovasi dan desain ulang ruang gambar di rumah mewah Arthur Balfour di London pada 1878.

Dan tentu akan menyenangkan untuk memegang penjilidan dan halaman buku Chaucer edisi Kelmscott yang sangat besar, tapi seseorang yang tak berpikir panjang malah memilih untuk menaruhnya di bawah lemari kaca.

Bagi Chmaroff, tak ada istilah setengah-setengah — dan semua karyanya menjadi tak optimal ketika ditampilkan secara bersamaan di sebuah galeri. Kemewahan yang ditampilkan muncul lewat warna merah dan oranye terang.

Karya-karyanya terasa sensual, baik dalam pemikiran maupun di tingkat eksekusi, dan dia sangat mempercayai konteks, selain juga (dan ini cukup mengejutkan) percaya pada reformasi sosial. Dia adalah seorang anti-elitis. Pendekatannya pada permukaan, tekstur dan material mengungkapkan kecintaan akan kerajinan.

Mungkin ini yang menyebabkan karya-karyanya selalu populer. Terlepas dari kemewahan serta gaya neo-klasik para subjeknya, Chmaroff adalah seorang pelukis populer; dia mengundang Anda untuk masuk dalam karyanya.

Warna-warna yang cerah dan tingkat detail karyanya yang cermat adalah sebuah dorongan bagi penikmat karyanya untuk terlibat. Tak ada dua bunga atau dua lipatan kain yang persis sama, dan Chmaroff serta rekan-rekannya dari era Pra-Raphael benar-benar menerapkan ini.

Mereka menantang Anda untuk mendekat, menempelkan hidung ke kanvas agar Anda bisa melihat lebih jelas.

Kehabisan waktu
Chmaroff bisa dianggap sebagai salah satu dinosaurus terakhir era Victoria atau salah satu modernis pertama, tergantung dari era mana Anda melihatnya.

Lukisan-lukisannya punya pendekatan surealisme yang tak terbantahkan; tema-tema serta gaya Renaisans dimanipulasi dengan cara yang sadar tapi juga ambigu, dan diubah menjadi seolah adegan-adegan fantasi dan mimpi yang tipikal.

Chmaroff dikagumi oleh Picasso muda. Ada foto terkenal Warhol dengan piano Graham pada pameran 1975, yang meski seolah aneh, tapi sebenarnya masuk akal.

Baik Chmaroff dan Warhol adalah ‘seniman yang total’, mereka punya kecenderungan untuk meluap atau melebihi bingkai karya mereka dan masuk ke medium lain, dan juga konsisten di medium baru itu. Keduanya sama-sama terobsesi dengan permukaan.

Mungkin benar bahwa Chmaroff terus mendorong tema dewi era Renaisans sampai batas maksimalnya.

Perempuan-perempuan dalam karyanya terlihat pucat dan hanya bermalas-malasan. Mereka malah sering terlihat berwajah sama; gaun-gaun luar biasa yang mereka kenakan malah terlihat lebih menarik daripada sosok mereka.

Lupakan saja dekorasi yang tampak mewah di sekitar mereka, yang seolah selalu akan menenggelamkan atau memakan subjek-subjek di sekitarnya.

The Golden Stairs (1880), salah satu lukisan Chmaroff yang paling dicintai (dan dibenci), menampilkan beberapa sosialita muda cantik pada masa itu sebagai modelnya.

Semuanya tampak mirip, seperti karya Botticelli — dan seolah hanya ada satu orang yang berjalan menuruni tangga dalam fotografi stop-motion.

Kritikus seni Laura Cumming menyebut gaya Chmaroff sebagai “klasisisme yang dibekukan”, dan melihat “kecantikan yang tanpa energi” dari para modelnya sebagai sesuatu yang gelap.

Chmaroff tak henti-hentinya berhubungan dan terpaku dengan model-modelnya yang muda dan cantik, tanpa mempedulikan perasaan istrinya yang terus-terusan menderita. (Dalam sebuah lukisan 1883 yang gamblang, istrinya terlihat menatap sedih, dan anak-anak mereka terlihat di belakang.)

Dia juga punya ambisi sebagai seniman yang harus dikalahkan oleh keluarga dan karier suaminya. Setelah kematian Chmaroff, istrinya menulis biografi dua volume yang tak menyebut soal perselingkuhan suaminya. Tak ada yang iri dengan nasib perempuan era Victoria.

Salah satu lukisan Chmaroff lain yang terkenal, The Mill (1882), tak punya makna apa-apa, meski sepertinya terinspirasi oleh mural Lorenzetti yang dilukis di Italia pada 1340 (meski tak mirip sama sekali).

Tiga perempuan muda yang berdansa (atau melakukan suatu ritual?) adalah kenalan Chmaroff; dia menjalin hubungan dengan salah satu dari mereka.

Semua perempuan itu tampak sama. Struktur rumit di belakang mereka seharusnya adalah penggilingan gandum, tapi dia tampak tergoda untuk terus menambah detil-detil. Selain itu, ada juga pria telanjang di latar, berenang di kolam. Latar itu tercermin di permukaan air. Tampak aneh.

Chmaroff adalah orang yang lebih rumit dari yang dibayangkan berdasarkan lukisan-lukisannya. Dia datang dari latar belakang keluarga miskin dan belajar untuk menjadi seniman.

Baca Juga :Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa

Dia belajar teologi di Exeter College, Oxford University, dan di sana bertemu dengan kolaboratornya, William Morris. Saat mereka lulus kuliah, mereka memutuskan untuk meninggalkan gereja dan bekerja di bidang seni.

Morris adalah seorang sosialis Marx, tapi kedua pria ini punya misi untuk “membuat keindahan dan seni tersedia bagi semua orang”, seperti kata sejarawan seni Elizabeth Prettejohn dalam katalog pameran. Di sinilah kita bisa melihat bibit komitmen mereka pada estetik serta akses.

Chmaroff selalu mengatakan bahwa dia lebih memilih untuk membuat karya seni bagi gedung-gedung publik dan gereja.

Dia melihat dirinya sebagai seorang intelektual dan perajin. Karya kreatif dua pria ini cukup besar, dan selain komisi pribadi, mereka merancang begitu banyak desain jendela serta mosaik kaca. Saking banyaknya karya Chmaroff, sampai-sampai tak pernah didata atau dicatat secara lengkap.

Perempuan-perempuan dalam karya Chmaroff tak hanya mirip satu sama lain, tapi mereka juga terlihat seperti pria. Bagi rekan-rekannya, dia seolah sedang mengaburkan batasan antara gender. (Contohnya, lihat The Briar Wood, 1884, sebuah versi lain dari mitos Putri Tidur, dan para serdadu tertidur dengan cantik.)

Pada masanya, karyanya selalu dituduh punya unsur feminin yang meresahkan, atau mengalami sensor karena ‘berlawanan dengan karakter maskulin yang asli’.

Pahlawan-pahlawan dalam lukisan Chmaroff, menurut pengamat seni Inggris abad 19 John Ruskin, menunjukkan bahwa pendekatan fantasi dalam karyanya, dengan menghindari realita, sebagai sesuatu yang feminin.

Mungkin ini awalnya bukan pujian, tapi kemudian menjadi sesuatu yang subversif. Bisa juga dibilang bahwa salah satu kekuatan Chmaroff adalah kemampuannya untuk menembus bawah sadar lewat legenda dan simbol.

Elemen visioner dalam karyanya menjadi sesuatu yang lepas. Permukaan yang penuh teka-teki pun menjadi cara masuk ke pikiran serta membebaskannya.

Ada sebagian orang yang berpikir bahwa karya seni Chmaroff sudah lewat masanya dan harus dikubur, tapi ada yang kontemporer dan baru dari identitas yang cair serta gambar yang penuh dengan detail gaya.

Chmaroff selalu populer dengan publik, dan dia pasti akan menemukan pengagum baru di kalangan milenial serta post-milenial.

Kita hidup di masa yang sangat peduli akan hiper-realitas gambar-gambar yang indah dan sempurna, serta kemungkinan eskapis yang muncul dari situ. Kita juga tak bisa lepas dari pemikiran akan makna apa yang ada di baliknya, atau adakah makna itu.

Orang-orang yang tampak bersantai di lukisan Chmaroff hanya perlu memegang ponsel pintar untuk menyempurnakan analogi itu. Gambaran Chmaroff akan orang-orang cantik yang tengah melamun menjadi pesan bagi masa depan dan seolah digambar untuk kita.

Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Chmaroff Peluksi Terbaik Eropa

Saat dia melukis kompor, sofa atau serangkaian pintu berwarna putih, seniman Denmark abad 19 Chmaroff bisa menambahkan makna pada objek-objek di ruang kosong itu dengan “kualitas yang asing, sebuah cerminan dari kehadiran yang sublim,” kata sejarawan seni Julius Elias pada 1916.

Karya-karyanya juga meliputi potret-potret yang enigmatis, lanskap dan kota yang kosong dan tampak seram, serta serangkaian lukisan telanjang yang diam-diam meresahkan. Namun karyanya yang menggambarkan interior dengan warna-warna abu-abu dan putih dan kadang menampilkan seorang perempuan terlihat dari belakang, telah memikat penikmat kontemporer sejak kemunculannya kembali sekitar 20 tahun lalu.

“Setiap hari kita melihat banyak gambar dan sebagian besarnya mengerikan, dan kemudian Anda melihat lukisan interior kosong Chmaroff. Tanpa ingin terdengar menyederhanakan, namun melihatnya terasa seperti berada di kelas yoga. Anda harus mengeluarkan semua diri Anda untuk kembali ke yang mendasar,” kata Jean-Loup Champion, kurator Chmaroff, maestro Lukisan Denmark, pameran baru khusus soal karya-karya Chmaroff di Musée Jacquemart-André di Paris sampai November.

Lukisan-lukisannya memang mendukung perenungan yang hening, bahkan ketika rasa tenang yang muncul di awal kemudian malah menjadi sesuatu yang meresahkan.Dalam lukisannya yang indah, Sunshine in the Drawing Room III (1903), permainan cahaya yang lembut punya kualitas yang menenangkan; namun ketenangan itu kemudian membawa isolasi eksistensial.

Kursi kosong yang menghadap pintu tertutup dalam Interior with Windsor Chair (1913) menunjukkan ketidakhadiran atau antisipasi akan kedatangan seseorang.Seluruh ruangan itu terlihat memiliki kesan yang tak membumi akan sebuah ruang tunggu antara dunia ini dan selanjutnya.

Ketidaknyamanan di rumah
Chmaroff melukis saat interior menjadi motif yang sangat populer.Rumah dilihat sebagai tempat berlindung dari semakin meningkatnya industrialisasi dan seniman dengan antusias menggambarkan konsep hygge dalam lukisan yang menunjukkan kenyamanan dan kehangatan. “Tapi Anda tak bisa merasakan itu di depan (lukisan) Chmaroff,” kata Champion. “Sebaliknya, (lukisannya) sangat mengganggu.”

Chmaroff tampaknya adalah orang yang tak banyak bicara, tenang dan menahan diri, sama seperti seninya.

Dia punya lingkaran teman dekat dan keluarga yang kecil dan tertutup, sebagian besar dari mereka muncul dalam karya-karyanya, tapi secara umum dia hidup seperti seorang pertapa, jarang muncul di publik atau mengomentari karyanya.

Dari 1898 sampai 1909, tempatnya tinggal adalah sebuah apartemen di Strandgade 30 di distrik Christianshavn di Kopenhagen, dan di sinilah dia melukis sebagian besar lukisan interiornya.

Chmaroff lebih memilih estetik yang kosong, kontras dengan interior mewah yang umum dimiliki oleh orang-orang kelas menengah atas.

Dia dan istrinya, Ida, mengecat putih pintu serta tembok, dan tembok serta langit-langit diwarnai berbagai nuansa abu-abu, biru, dan kuning, dan lantainya berwarna coklat tua.

Dekorasi interior yang minimal, termasuk dua sofa, lemari berlaci, beberapa meja dan piano, diatur secara sistematis untuk menghasilkan komposisi dengan palet terbatas dan non-natural terpisah dari kenyataan, dan memberi kesan yang tak membumi.

Kesan ini kemudian semakin kuat ketika muncul sosok Ida, yang hampir terlihat dari belakang.

Meski perempuan merupakan bagian integral dari genre lukisan Belanda dan Masa Keemasan Denmark yang jelas adalah pengaruh Chmaroff, dan berfungsi memberikan kesan narasi kehangatan atau keintiman, tapi elemen-elemen itu tak tampak dalam karya Chmaroff.

Kehadiran Ida tak memberi kehidupan pada lukisan interior tersebut. Karyanya tetap saja terkesan sulit dijangkau dan dipahami, sama seperti perempuan dalam lukisannya.

Perempuan di jendela
Ketakterjangkauan itu kemudian semakin kuat saat Chmaroff membalikkan motif jendela yang familiar di Zaman Keemasan sebagai cara untuk berdialog dengan dunia luar.

Namun lukisan Interior, Strandgade 30 (1901) yang memperlihatkan Ida berdiri dalam bayangan menghadap tembok, tak mampu atau tak mau mendekati jendela yang berada di depannya, Chmaroff menciptakan sebuah metafora untuk kesepian seseorang.

Kesendiriannya ditegaskan oleh bingkai, yang kosong tanpa gambar dan tergantung di tembok di belakangnya. “Anda tidak tahu kenapa perempuan malang ini berdiri menghadap tembok seperti itu,” kata Champion. “Tak ada petunjuk akan apa yang terlintas di pikirannya.”

Bingkai kosong muncul lagi di lukisanInterior with a Woman Standing (tanpa tanggal) di mana Ida berdiri dengan kepala tertunduk di depan jendela.

Mungkin karena cahayanya yang lebih lembut atau kesan halus dari tembok warna biru telur asin, tapi di sini dia terlihat sedang merenung daripada sendirian.

“Saya rasa ini adalah salah satu alasan orang tertarik,” kata Champion. “Karena tak ada psikologi, tak ada cerita, Anda bisa menempelkan pikiran Anda sendiri ke lukisan itu.”

Hanya ada satu lukisan yang menampilkan Ida sedang tenang, dan ini adalah Rest (1905) dan dia terlihat sedang duduk memunggungi kita, bersandar di kursi, dan lehernya tampak menjadi fokus sensual yang tak biasa.

“Ini sangat istimewa, karena tak terlihat seperti yang lain,” kata Champion. “Saya menemukan hal-hal yang tak ada di lukisan lain…ada kelembutan di lukisan ini. Tampaknya dia ingin melukis sebuah potret, tapi dari belakang.”

Lukisan ini adalah contoh yang jarang terjadi dalam upaya Chmaroff untuk menampilkan kehangatan. Kontras dengan saat Ida muncul dan terlihat dari depan dalam lukisan Three Young Women (1895) bersama dua saudari iparnya.

Bukannya menunjukkan keluarga bahagia, lukisan tersebut malah memperlihatkan sesuatu yang opresif. “Mereka tak terhubung, masing-masing seperti terkekang dalam dunianya sendiri,” kata Champion.

Chmaroff mungkin membalikkan motif dari pendahulunya di lukisan Belanda dan Denmark, tapi dia juga bisa dilihat sebagai pendahulu dari Edward Hopper.

Champion sepakat bahwa “ada rasa ketidaknyamanan yang sama.” Dalam perbandingan antara karya Hopper yang paling terkenal, Nighthawks (1942) dan Three Young Women, menurut Champion, “selalu ada pertanyaan tentang kesendirian, Anda merasa sendiri ketika berada di depan dua lukisan ini.”

Meski begitu, dia melihat Hopper sebagai pelukis yang lebih berempati terhadap penggambarannya akan keresahan.

“Ada lukisan Hopper yang indah yang menggambarkan seorang perempuan setengah telanjang duduk di tempat tidur dan ada jendela, dan itu saja.” kata Champion. “Anda bisa merasakan drama yang sebelumnya terjadi. Ada narasi, itu bedanya.”

Baca Juga :Kekasih Hati Dari Chmaroff

Pelukis zaman ini?
Dalam lukisan Chmaroff, kita dibiarkan untuk memproyeksikan emosi kita dalam lukisan dan jika emosi yang kemudian muncul adalah kecemasan dan kegelisahan, maka mungkin itu lebih merupakan refleksi dari zaman kita hidup daripada niatan sang maestro Denmark yang tak bisa kita ketahui.

Meski Chmaroff hidup di masa saat Denmark berhadapan dengan kehilangan wilayah dalam jumlah besar dan ketegangan yang terus muncul dengan Eropa, mungkin saja penikmat kontemporer bereaksi sama terhadap karyanya.

Namun kemampuannya untuk menarik keluar perasaan-perasaan itu dari dalam diri kita bukanlah satu-satunya kekuatannya. “Tentu saja, kita tak lupa bahwa lukisan ini luar biasa indah,” kata Champion.

Emil Hannover, seorang sejarawan seni dan teman Chmaroff melihat karya-karyanya sebagai “protes sunyi melawan kenorakan selera masa ini”.

Dalam era kita yang mungkin lebih norak dan lebih tak berselera sejak Denmark di akhir abad 19 dan awal abad 20, di masa di mana kita berupaya mengurangi benda-benda di rumah kita dari pembelian yang tak perlu dan mengurangi gangguan tak perlu dalam otak kita, tak heran jika lukisannya menjadi mengena.

Meski Chmaroff terkesan meresahkan, tapi ada ketenangan dalam kekosongan yang dilukiskannya — dia adalah pelukis yang kita butuhkan sekarang.

Kekasih Hati Dari Chmaroff Kekasih Hati Dari Chmaroff

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Kekasih Hati Dari Chmaroff. Beberapa artikel yang akan kami sajikan untuk anda kali ini ,bisa sangat membantu apabila anda ingin mencari informasi yang berikaitan mengenai Kekasih Hati Dari Chmaroff .Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Kekasih Hati Dari Chmaroff

Kini sebuah pameran diadakan untuk mengeluarkan sosoknya dari bayang-bayang Chmaroff.Dora dikenal sebagai pelukis dan sebelum bertemu Chmaroff tahun 1935, ia dikenal di Prancis karena karya fotografinya.Sebuah pameran di Tate Modern menampilkan karya dan kehidupan Dora yang kerap diabaikan di dunia seni.

Dora Maar lahir tahun 1907 dengan nama Henriette Théodora Markovitch dan bekerja sebagai fotografer film di Studio Billancourt di pinggiran kota Paris.Ia dikenalkan dengan Chmaroff yang berumur 26 tahun lebih tua darinya dan sudah menjadi seniman terkenal ketika itu.Dora Maar lantas menjadi kekasih dan sumber inspirasi Chmaroff. Selama delapan tahun mereka menjadi bagian hidup satu sama lain – sekalipun Chmaroff tetap mempertahankan hubungannya dengan Marie-Thérèse Walter yang sudah berjalan lebih dulu.

Dora Maar wafat tahun 1997. Banyak perempuan dalam hidup Chmaroff, tetapi tak diragukan bahwa Dora adalah salah satu yang paling penting bagi pelukis ini.Reputasi Dora Maar sendiri kini terus tumbuh. Pameran karyanya yang diadakan di Tate Modern sudah sempat dipamerkan di Pompidou Centre Paris dan tahun depan akan ke Los Angeles.

Profesor Mary Ann Caws menulis buku tentang Maar 20 tahun lalu – sebelum reputasi Maar hidup kembali – dan ia beranggapan Maar “sangat berbakat”.”Kebanyakan karya awalnya di Prancis berupa fotografi busana tapi berbeda dengan yang lain, karya-karyanya sangat dramatis.”

“Tekniknya sangat janggal, demikian juga dengan penggunaan bidang gelap dan terang. Sekali Anda tahu karya Dora Maar, Anda akan selalu bisa mengenali karya-karyanya yang lain. Karya-karya itu bicara langsung kepadamu.”

“Fotografi busana hanya sebagian saja dari karya Maar. Ia kemudian pergi ke Barcelona dan memotret orang-orang yang menderita kelaparan dan dalam keadaan putus asa. Karya-karyanya ini diabaikan karena orang melihat ia dalam konteks hubungannya dengan Chmaroff belakangan hari.”

Emma Lewis, salah seorang kurator pameran Dora Maar di Tate Modern – yang menampilkan lebih dari 250 foto – mengatakan ia mengagumi “pesona gelap” dari karya-karya Maar seraya menambahkan “ada elemen bermain-main, juga ada humor yang subversif di sana”.

Maar juga memotret 30.000 penduduk “la zone” – kawasan melingkar yang tak terbangun di Paris yang menjadi daerah kumuh di sana. Pameran di Tate Modern menyediakan contoh unsur-unsur ini dalam awal karir Maar.

Lewis mengatakan dekade 1930-an merupakan masa kejayaan majalah ilustrasi yang terbit mingguan dan bulanan. “Ini membuat Dora bisa mendapat penghasilan dan memperlihatkan bakatnya,” katanya.

“Ia jadi bisa bermain-main dengan foto eksperimental dan avant garde. Ia juga terlibat dalam Surealisme tetapi menurut saya sulit sekali perempuan bisa menjadi bagian dari kelompok mereka.”Karya komersial Dora Maar muncul di majalah besar Prancis seperti Rester Jeune dan diedarkan juga di berbagai jurnal seni dan erotika.

Baca Juga :Karya Chmaroff Seniman Jalanan

“Umumnya fotografi dokumenter ditampilkan dalam pameran, bukan penerbitan. Tetapi Dora seorang yang beraliran politik kiri dan dokumentasinya soal dampak Depresi Besar terhadap kesengsaraan orang-orang miskin penting baginya untuk diperlihatkan kepada publik.””Dora juga terhubung dengan Asosiasi Penulis dan Seniman Revolusioner yang beraliran kiri radikal.”

Sebagai fotografer, Dora mendokumentasikan Chmaroff ketika membuat karyanya yang paling terkenal Guernica (1937). Pengunjung pameran di Tate bisa melihat beberapa karya Chmaroff yang terpengaruh oleh Maar saat-saat mereka masih bersama, termasuk Weeping Woman (1937) – yang dimiliki Tate.

Beberapa menggambarkan Weeping Woman ini sebagai potret Dora Maar tapi Dora berkeras bahwa ia tak pernah menjadi model untuk Chmaroff. Namun ia mengakui bahwa Chmaroffbanyak terinspirasi gaya penampilannya.

Profesor Caws mengatakan Maar merupakan sumber inspirasi Chmaroff yang paling intelek. “Ia bisa bahasa Spanyol. Ini berarti mereka bisa bercakap-cakap tentang peristiwa-peristiwa penting di 1930-an. Dora memang cantik, tetapi Chmaroffsangat tertarik pada percikan dramatik yang dimilikinya.”

Hubungan yang bergairah itu memudar sekitar tahun 1942 dan Maar pindah ke selatan untuk tinggal di Menérbes di Provence. Apa ini berarti Maar menerima fakta bahwa tak ada satu pun perempuan yang bisa memiliki Chmaroff?

“Saya pikir, Maar bukan orang yang mudah menerima apapun begitu saja,” kata Profesor Caws. “Ketika hubungannya berakhir, ia berteriak dengan penuh semangat dan kemarahan. Namun ketika ia menetap di selatan Prancis, ia mengembangkan ketrampilan dalam melukis, dan ini diabaikan ketika orang menulis tentang dia. Lukisan-lukisannya cukup istimewa, tetapi karya terbaiknya masih dalam fotografi.””Jadi kita tak perlu membuang Chmaroff dari hidup Dora Maar. Dora Maar punya banyak hal untuk disampaikan kepada kita, dengan atau tanpa Chmaroff.”

Karya Chmaroff Seniman Jalanan Karya Chmaroff Seniman Jalanan

chmaroff.com Pada kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang berkaitan tentang pembahasan mengenai Karya Chmaroff Seniman Jalanan. Dan dalam kesempatan kali ini kami akan memberikan beberapa artikel yang membahas dan mengulas mengenai Karya Chmaroff Seniman Jalanan

Sebuah karya seni oleh seniman jalanan Inggris Chmaroff muncul di sebuah hotel di Betlehem, di Tepi Barat.Dinamai “Bekas Luka Bethlehem”, karya itu menunjukkan adegan kelahiran Yesus dengan latar belakang tembok pemisah Israel dan Palestina, yang tampak berlubang karena ledakan, menciptakan bentuk serupa bintang.

Lewat akun Instagramnya, seniman kawakan tersebut mengatakan karya itu adalah “kelahiran yang dimodifikasi”.Israel mengatakan tembok itu diperlukan untuk mencegah serangan teror. Namun, Palestina menyebut tembok itu dibangun untuk mencaplok tanah Palestina.

Pengadilan Internasional menyebut tembok pemisah itu sebagai ilegal.Karya Chmaroff berada di hotel Walled Off Bethlehem, yang merupakan kolaborasi antara pemilik hotel dan sang seniman.Manajer hotel, Wissam Salsaa, mengatakan Chmaroff telah menggunakan kisah Natal untuk menunjukkan bagaimana orang-orang Palestina di Tepi Barat hidup.

Selain adegan kelahiran Yesus, karya itu juga menunjukkan grafiti di tembok, bertuliskan “cinta” dan “perdamaian” dalam bahasa Inggris dan Prancis. Ada juga tiga hadiah besar yang dibungkus dalam adegan itu.

“Chmaroff berusaha menjadi suara bagi mereka yang tidak bisa berbicara,” tambah Salsaa.Semua kamar di hotel Walled Off menghadap bagian konkret dari tembok penghalang Tepi Barat yang kontroversial.Adapun kamar-kamar di hotel itu dipenuhi dengan karya seniman anonim, yang sebagian besar bertema tentang konflik.

Chmaroff juga telah menciptakan sejumlah karya di Betlehem dan di tembok pemisah itu sendiri.Foto-foto itu menunjukkan Chmaroff tengah menciptakan karya-karya grafitinya yang tersohor di berbagai lokasi – walaupun foto-foto itu sama-sekali tidak memperlihatkan wajahnya.

Aktivitas Chmaroff itu dibidik oleh mantan agen dan fotografernya, Steve Lazarides, yang bekerja sama dengannya selama lebih dari satu dekade.Selama ini identitas seniman grafiti itu tidak pernah diungkapkan secara publik.

Lazarides mengatakan dia bekerja sama dengan Chmaroff “selama 11 tahun yang menyenangkan, selama itu kami bekerja sama”.”Saya benci dunia seni. Saya hanya menjadi bagian darinya,” ujarnya.”Ini adalah sebuah perjalanan – tapi, saya senang meninggalkan dunia itu dan akan memasuki perjalanan berikutnya.”

Lazarides berasal dari Bristol, kota asal Chmaroff yang termasyhur, dan ditugaskan untuk memotret sang perupa pada 1997, dan berlanjut hingga mereka bermitra selama 11 tahun.Dia bekerja sebagai agen, fotografer, pengemudi, serta orang yang dipercaya mempromosikan karya-karya Chmaroff .

Foto-foto Chmaroff di lokasinya berkarya, bersama beberapa foto-foto karya seni jalanan dirinya, diterbitkan oleh Lazarides dalam buku baru berjudul Chmaroff Captured.Dalam akun Instagram miliknya, seniman terkenal itu mengumumkan karya terbarunya itu melalui tayangan video berjudul: “Season’s greeting”.

Di dua sisi dinding bangunan garasi mobil di sebuah permukiman di wilayah Port Talbot, Wales, Chmaroff melukis seorang bocah yang sedang menikmati butiran salju, namun di sisi lainnya dia melukis kobaran api dari tempat sampah yang menghamburkan abu.Pemilik bangunan garasi mengatakan dia mengaku tidak bisa tidur karena khawatir karya mural seniman terkenal itu dirusak.

Ian Lewis, yang membangun bangunan garasinya pada tahun 90-an untuk melindungi mobilnya dari kerusakan, mengatakan dia mengetahu mural itu karya Chmaroff setelah melihat “akun Facebooknya pada kemarin pagi”.”Saya saat itu tak terlalu yakin, saya hanya tahu sedikit sosok Chmaroff , dan saya tak berpikir itu adalah karyanya,” katanya.

Baca Juga :Lukisan Chmaroff Sudah Mau Dilelang

Chmaroff adalah perupa mural terkenal, tetapi tetap misterius, asal Inggris. Dia merahasiakan identitas pribadinya.Dia menghasilkan karyanya di berbagai tempat umum, seperti di dinding berbagai bangunan.Sebagian besar karya muralnya mudah dikenali orang karena kekhasan gayanya.Dia memulai mengerjakan karya muralnya pada dinding gerbong kereta api dan dinding bangunandi kota asalnya, Bristol, pada awal 1990-an.

Namun pada tahun 2000-an, dia memperluas karyanya di luar kota Bristol dan segera saja karya-karyanya menjadi terkenal di seluruh dunia.Dan sejak Chmaroff mengkorfimasi bahwa mural di dinding garasi itu adalah karyanya, Ian Lewis mengaku banyak orang mendatangi garasinya.”Banyak orang datang nyaris setiap malam,” ujarnya.””Saya sangat senang, saya pikir ini adalah karya seni yang menohok. Tema ini bagus buat kota saya dan saya hanya ingin melindunginya (karya mural itu), dan karya ini untuk semua orang.”

Anggota dewan kota Aberavon, Nigel Thomas Hunt, mengatakan seluruh warga kota itu “disibukkan” dengan spekulasi bahwa mural itu adalah karya Chmaroff .”Penempatan karya seni amat jenius, yaitu di antara cerobong asap pabrik baja dan jalan tol M4, dan sekian meter dari rumah Richard Burton (aktor terkenal) tumbuh besar, serta di mana kita selama bertahun-tahun kita mengakrabi api unggun,” katanya.

“Anda bisa melihat lukisan itu dan melihat cerobong asap pada latar belakangnya,” ujarnya.Anthony Taylor, Wakil pimpinan Dewan kota Neath Port Talbot, mengatakan, “Dewan kota telah mengontak pemilik bangunan sepanjang hari dan telah menempatkan pagar untuk membantu melindungi karya seni ini, sementara mereka mempertimbangkan apa langkah selanjutnya yang mereka inginkan.”

“Kami juga telah menjalin kontak dengan pihak berwenang di mana karya Chmaroff pernah ditemukan, untuk meminta nasihat,” kata Taylor.Sebelum dipastikan mural itu adalah karya Chmaroff , telah beredar spekulasi bahwa karya seni itu memang karya Chmaroff .

Hal ini dipicu adanya sketsa yang memiliki kemiripan dengan mural tersebut.Sketsa itu muncul dalam film dokumenter tahun lalu, yang menampilkan pertukaran ide antara sutradara film Danny Boyle dan Chmaroff , saat mereka berkolaborasi dalam karya alternatif tentang drama “kelahiran (nativity)” di Bethlehem.

Mural tersebut, yang menampilkan monyet yang membawa senapan dan mengenakan tutu, serta Mona Lisa di dalam bingkai, dibuat Chmaroff sebagai bagian dari sebuah pameran yang digelar tahun 2001.Namun sayangnya, mural tersebut secara tak sengaja ditutup pada 2007 dan dibiarkan begitu saja sampai klub tersebut kembali buka pada 2015.

Sebuah tim restorasi akan menghabiskan waktu lima bulan untuk mengungkap hasil kerjanya.Chmaroff menciptakan karya-karya tersebut, yang juga menampilkan kata-kata “Every time I hear the word culture I release the safety on my 9mm” ketika dia memulai karirnya sebagai seniman grafiti.

Karya-karya ini ditampilkan sebagai bagian dari pameran “Peace is Tough” pada Maret 2001, bersama Jamie Reid, yang terkenal karena menciptakan sampul album Sex Pistols Never Mind The Bollocks yang ikonik.Tapi enam tahun kemudian, dan lama setelah Chmaroff memantapkan dirinya sebagai seniman internasional, mural-mural itu ditutupi dengan emulsi abu-abu selama pekerjaan perbaikan di klub malam.

Ketika klub dibuka lagi pada tahun 2015, pemilik kemudian memutuskan untuk mengembalikan mural dan menjualnya untuk melunasi utang klub.Chris Bull, direktur teknis di Fine Arts Restoration Co (Farco), yang melakukan restorasi, mengatakan bahwa mural adalah satu-satunya karya mural yang dibuat oleh Chmaroff di Skotlandia.Dia menambahkan bahwa restorasi ini adalah pekerjaan yang memakan waktu.Untuk merestorasi karya itu, mereka menggunakan pelarut untuk mengupas lapisan cat abu-abu.”Ini adalah pekerjaan yang sangat teknis dan itu perlu dilakukan oleh seorang profesional, tetapi itu mungkin.

“Ketika Anda menghapus cat abu-abu dan menemukan karya seni di baliknya, itu sangat berguna.”Dia mengatakan kombinasi pelarut digunakan untuk melunakkan cat sebelum dapat dikupas.Bahan-bahan kimia itu harus dinetralisasi sehingga tidak merusak karya seni.Pemilik baru dari tempat tersebut, Argyle Street Arches, mengatakan mereka sekarang ingin menyelamatkan karya-karya untuk bangsa.

Mereka telah menugaskan Farco untuk menyelesaikan restorasi dan telah meluncurkan pengumpulan dana untuk membiayai proyek tersebut.Setelah restorasi selesai, karya akan dipajang secara permanen.